Le photographe Grégoire Korganow invité de l’Hérault du Jour

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Danse et photographie sont deux arts de l’éphémère et de l’espace. L’espace sculpté par le geste chorégraphique et l’espace investi par celui du photographe se rencontrent une nouvelle fois au Festival Montpellier Danse.

Artiste invité du festival, le photographe Grégoire Korganow réalise une création au long cours baptisée Sortie de Scène. Ce projet, actuellement visible sur les murs de l’Agora, s’opère avec un petit déplacement dans l’espace et dans le temps qui offre une vraie et nouvelle proximité avec les danseurs. Le photographe a souhaité installer un autre rapport à l’image en imaginant une exposition avec des prises de vue réalisées en « sortie de scène ».

« Je photographie la danse en creux sur le corps arrêté des danseurs. Ce n’est pas le mouvement qui m’intéresse mais sa trace sur l’interprète immobile ». Ce travail s’inscrit dans la continuité d’une oeuvre liée « au corps de l’autre ».

En  2011 Grégoire Korganow part à la rencontre des femmes, hommes, et enfants, victimes civiles des attentats en Irak. Il en revient avec Gueules cassées, une expo qui montre leur visage et leur corps meurtris « pour que nous ne les oublions pas ». Le photographe a récemment présenté  Père et fils, une série saisissante mettant en scène des pères, de 30 à 80 ans, torse nu, avec leur fils de quelques mois pour les plus jeunes ou entrés dans la cinquantaine pour les plus âgés. Les personnages peau contre peau attisent l’imaginaire du spectateur dont l’artiste recherche le questionnement. « La nudité des corps jette le trouble, brouille un peu les pistes ».

Depuis le début du festival, Grégoire Korganow a installé son studio à l’Agora. Sortie de Scène le conduit à travailler dans une grande immédiateté. Il s’immerge dans les créations chorégraphiques en étant lui-même en situation de création. La série de plus de deux cents portraits déjà réalisés constitue un fil témoin qui fera trace de cette édition. Elle dit aussi le rapport intrinsèque du danseur avec son corps.

Grégoire Korganow capture l’espace d’un instant l’essence au plus près du geste. Les personnages reprennent leur esprit tandis que leurs corps semblent encore ailleurs. « C’est le silence après la dernière note que je souhaite explorer. Ce que le corps dit encore quand le mouvement s’arrête ».

Jean-Marie Dinh

Le travail que conclut Grégoire Korganow occupera les murs de l’Agora jusqu’à la fin de l’année A voir aussi une installation de portraits croisés jusqu’à la fin juillet : Entretien à Montpellier.

 

Souvenir du photographe de presse

Grégoire Korganow fait ses premiers pas en tant que reporter en 1992 en suivant les mutations de l’ancien bloc soviétique. En 1993, il débute une collaboration de près de dix ans avec Libération. Ses images sont régulièrement publiées dans la presse. « Je suis arrivé à la photo par le militantisme. Mon expression c’était la photo plutôt que de tenir des banderoles. » Il était notre invité en conférence de rédaction où il a évoqué la place et le travail difficile des photographes de presse. Grégoire a connu l’âge d’or du métier.

« Je suis un bébé Libé. C’était mon rêve de bosser pour Libé qui avait une vraie politique photo. Je l’ai réalisé pendant dix ans, puis j’ai bossé pour Géo, Marie-Claire et différents titres. »

Il a aussi observé le déclin d’une profession dont il défend toujours l’utilité même s’il a lui-même pris des distances. « J’ai rendu ma carte de presse en 2009 parce que personnellement, l’espace ne me convenait plus. Je pensais que la photo n’était plus considérée comme une écriture en soi, que l’on attendait plus que le photographe s’investisse dans le récit. J’avais une certaine amertume et le sentiment que l’on me demandait des taches colorées dans les maquettes. On voulait de l’efficace, il y avait moins de place pour les images décalées. »

Depuis, la situation s’est encore complexifiée pour les photographes de presse dont le regard est pourtant toujours important. « J’ai des copains qui continuent ce métier, certains partent en Ukraine, en Syrie, d’autres s’attachent à l’actu ici. On a besoin de ces gens-là.»

 Le photographe commente l’actualité

Download-1Pôle emploi : l’oeil de Grégoire

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Photo Dr

« Je me souviens des sujets dictés par l’augmentation du chômage ou par l’aggravation de la crise, quand on m’envoyait à Pôle Emploi. C’était un vrai casse-tête. Les rédacteurs ne se rendent pas toujours compte des problèmes auxquels les photographes sont confrontés. Quand vous devez écrire, vous avez toujours de la matière, des rapports, des dossiers presse, des éléments d’appui pour traiter votre sujet… Mais quand vous vous retrouvez de bon matin avec votre appareil dans le morne quotidien d’une agence pour l’emploi pour la dixième fois – et je peux vous assurer que ces endroits ne sont pas photogéniques – là, vous connaissez de grands moments de solitude. Je me rabattais sur les files d’attente ou je faisais des gros plans sur les annonces d’emploi. Aujourd’hui le sujet consiste à présenter une personne qui a été nommée et qu’on ne connaît pas. C’est un exercice où l’on doit s’adapter rapidement. Le métier de photographe fait appel à des trésors d’inventivité. »

Download-1Manif des sans papiers : l’oeil de Grégoire

Photo Télérama

Photo Télérama

 « Etre sans papier, c’est cumuler les injus tices, les discriminations et les inégalités mais c’est aussi avoir un rapport à l’image très particulier. A partir du moment où vous êtes censé ne pas exister, la question qui se pose au photographe c’est : comment montrer ce qui n’existe pas… Ce  problème est intéressant et l’évolution dans son traitement  m’a beaucoup impressionné.

Au début on floutait les visages pour les rendre anonymes. Il a fallu du temps mais petit à petit on a réussi à sortir de ce statut complètement insatisfaisant et honteux pour les personnes concernées, pour les photographes , pour les lecteurs et même pour les politiques. Aujourd’hui on peut faire des vrais portraits. Ce qui signifie à travers le regard que l’on porte que ce sont des gens comme tout le monde. La photographie a permis cette avancée.

En même temps cela reste un acte de dignité et de courage pour les personnes qui s’exposent. Car ils risquent toujours la garde à vue ou le centre de rétention. Même si les choses ont évolué, il n’est pas anodin de prendre en photo des personnes qui n’ont pas de papier. Cela demande au photographe d’être à la hauteur».

Voir aussi : Rubrique Photo, rubrique Danse,  rubrique Festival, Montpellier Danse 2014 rubrique Exposition, rubrique Rencontre, Grégoire Korganow : la Photo aime le drame rubrique Montpellier

Les Iapodes une civilisation d’Europe orientale encore mystérieuse

fibule-musee-de-zagreb_1387889270928Les Iapodes refont surface au Musée Henri Prades de Lattes jusqu’au 8 septembre. Les non spécialistes découvriront avec intérêt la culture iapode qui voit le jour à la fin de l’âge du Bronze (fin du Xe siècle avant J.C.) sur une partie de l’actuelle Croatie.

Avec ce projet, conduit par le jeune conservateur Lionel Pernet, le Musée archéologique lattois démontre une nouvelle fois son aptitude à renouveler son offre en proposant des expositions temporaires de qualité. Ce qui n’est pas une sinécure dans le domaine archéologique. Cette capacité d’ouverture, qui associe pour l’occasion les musées archéologiques de Zagreb, de Catalogne et plusieurs unités de recherche en archéologie (CNRS) s’avère payante. On peut lire l’intérêt du public pour cette démarche à travers les chiffres de fréquentation en hausse significative (27 000 en 2013) depuis l’arrivée de la nouvelle équipe. Nicole Bigas, l’élue en charge de la Culture à l’Agglo s’en réjouit et assure un accompagnement de l’Agglo dans le développement du site : « Si l’avenir politique le permet, nous envisageons une extension du site.» Intention partiellement concrétisée par l’achat du terrain et des bâtiments annexes que vient de réaliser l’Agglo .

L’exposition demeure fidèle à la volonté du musée de faire découvrir les cultures qui précèdent l’époque romaine. Les 200 pièces iapodes exposées pour la première fois en France proviennent de l’imposant Musée archéologique de Zagreb fondé au milieu du XIXe siècle en 1846, «après la chute de l’empire austro-hongrois les musées devinrent indépendants, précise la commissaire Lidija Bakari qui a consacré trente ans de sa vie à l’étude de la culture iapode. Notre musée conserve 500 000 pièces dont 20 000 iapodes, nous avons opéré un important travail de sélection pour cette première exposition en France.»

Qui étaient les Iapodes ?

imagesLa culture iapode se concentrait dans une région montagneuse située au centre de l’actuelle Croatie qui reste peu peuplée. Le peuple autochtone émergea probablement à l’âge de Bronze. Il était voisin des Ibériens bien que culturellement plus proche des peuples italiques. Les Iapodes vivaient dans une région cloisonnée mais située au carrefour de routes marchandes. Ils disposaient d’une culture traditionnelle forte qui a su s’ouvrir aux influences des voyageurs de passage. Ainsi a-t-on trouvé dans les sépultures de grandes quantités d’ambre utilisée pour les parures (l’exposition présente trois parures de grande taille somptueuses), alors qu’on ne trouve pas d’ambre sur leur territoire. « L’ambre utilisée provient de gisements proches de la Mer Noire. On suppose que les Iapodes prélevaient une partie des matières premières qui transitaient sur l’axe commercial Mer Noire-Méditerranée.»

Dans la première partie, l’expo permet aux visiteurs de découvrir des objets en bronze et en céramique du début de la civilisation iapode, IXe-VIIIe siècles avant J.C. En poursuivant la visite, on tombe sur de très belles parures faites en fines feuilles de bronze ornées de dessins géométriques ainsi que sur de surprenantes figurines anthropomorphes qui surprennent par la richesse de leurs formes. Les bijoux en perles percées bleues et grises témoignent de l’habileté des artisans. Beaucoup de mystères planent toujours sur cette civilisation, sans doute matriarcale, dont les communautés, sans structure étatique et sans armée, révèlent une culture spirituelle tangible.

JMDH

 A voir jusqu’au 8 septembre

Source : La Marseillaise 18/03/14

Voir aussi : Rubrique Art, rubrique Exposition, rubrique Histoire, rubrique Europe, rubrique Croatie,

Quarté dans le désordre du monde au Musée Paul Valéry

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Liu Zhengyong « Looking Ahead », Jean Denant « Mappemonde », Grisor, C Gonzalez « El enjambre ». Photo DR

Musée Paul Valéry. Jean Denant, Curro Gonzalez, Grisor, Liu Zhengyong, « 4 à 4 », un nouveau cycle d’art contemporain.

Un nouveau cycle d’art contemporain s’ouvre au Musée Paul Valéry de Sète avec 4 à 4, première manifestation d’un rendez-vous qui se tiendra tous les deux ans et sera consacré à quatre artistes reconnus sur le plan international. Depuis samedi, on peut découvrir la première exposition issue, cette année, d’une collaboration avec Art Up !, la foire d’art contemporain de Lille qui s’est tenue en février dernier*. Le Musée Paul Valéry était présent au rendez-vous lillois offrant aux visiteurs un aperçu du travail des quatre artistes présentés actuellement en Île singulière.

Si Jean Denant (Sète), Curro Gonzalez (Séville), Dominic Grisor (Lille) et Liu Zhengyong (Pékin), oeuvrent dans le champ de la figuration, la juxtaposition permise à Sète donne une idée de la diversité à laquelle nous avons à faire. Le parcours débute avec Jean Denant qui partage sa conception du territoire. Un monde où se mêlent et s’opposent construction et déconstruction, un monde en chantier, un monde où l’homme qui se pense architecte en chef apparaît fragile. Dans L’Enterrement, l’artiste représente une scène de mise en bière. Le premier plan est occupé par un homme qui creuse à la pelle. Derrière lui en négatif, apparaissent les personnages proches du défunt. L’ensemble réalisé sur un tableau noir à la craie non fixée, dégage une force mystérieuse que l’on imagine disparaître et réapparaître en fonction des regards se portant sur le tableau.

Le Sévillan Curro Gonzalès joue d’une autre façon sur la notion de disparition en interrogeant la modernité. Il nous présente un monde familier teinté d’un « humanisme pessimiste » où se côtoient ironie et violence. Les couleurs sont parfois agressives. Les objets de consommation apparaissent comme des vecteurs de confusion. Dans le grand format El enjambre, l’artiste dissimule des grands hommes comme des cicatrices de l’histoire.

Les toiles de Liu Zhengyong font preuve d’une maîtrise enviable. Empreints d’un expressionnisme qui touche au spirituel, ses sujets, souvent des duos, affirment l’identité humaine à travers le temps tout en intégrant fortement le présent. Le peintre ose des conflits de teintes étonnantes. La matière picturale s’inscrit avec puissance et trouve sa liberté guidée par la lumière.

Fortement inspiré par le graphisme Dominic Grisor revisite les signes et les symboles de la profusion visuelle dans laquelle nous baignons pour inventer de nouvelles lignes. L’artiste fait preuve d’une belle maîtrise de l’espace et de l’épure.

JMDH

4 à 4 au musée Paul Valéry de Sète jusqu’au 11 mai.
Renseignements au 04 99 04 76 16
* voir notre édition du 5 février

Source : La Marseillaise 03/03/2014

Voir aussi : Rubrique Expositions, rubrique Art,

Sartre à Cartier-Bresson : « Des photos qui donnent des idées »

CHINA. 1948-1949.

Cohue devant une banque de Shanghai pour retirer son argent avant la chute du Guomintang (© Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos, courtesy Fondation Henri Cartier-Bresson).

C’est un livre découvert au hasard d’une balade chez les bouquinistes du bord de Seine. Une couverture vieillotte, mais deux signatures prestigieuses : Jean-Paul Sartre et Henri Cartier-Bresson.

« D’une Chine à l’autre », publié en 1954 par les éditions Delpire, un des grands noms de l’édition de livres de photos en France, rassemble les clichés pris par Cartier-Bresson lors d’un voyage de onze mois en Chine : cinq mois à la fin du règne du Guomintang, et six mois au début du nouveau régime de Mao Zedong, en 1948 et 1949.

Au moment où le Centre Pompidou présente une formidable rétrospective de la vie et de l’œuvre du plus grand photographe français du XXe siècle – dont certains des clichés de « D’une Chine à l’autre », y compris le plus connue, cette scène de panique à Shanghai –, ce livre permet de comprendre comment son travail s’inscrivait dans son époque, et comment il était perçu.

La préface de Jean-Paul Sartre permet elle de percevoir comment, avant l’ère de la télévision et d’Internet, le reportage photo, publié dans des magazines grand public comme Life ou Paris-Match, pouvait influencer les perceptions, comment, aussi, il pouvait être une arme de combat.

Des photos contre les préjugés

Rappelons qu’en 1954, en pleine guerre froide, la Chine n’a pas encore rompu avec l’Union soviétique : ça viendra plus tard, en 1961, lors de la publication du rapport Khrouchtchev sur les crimes de Staline, qui servira de prétexte à Mao pour s’émanciper de la tutelle de Moscou.

Jean-Paul Sartre est compagnon de route du Parti communiste, et Henri Cartier-Bresson a été très engagé au côté des communistes avant-guerre, aussi bien pendant la guerre d’Espagne qu’en France, comme le montre l’expo du Centre Pompidou.

L’année suivante, d’ailleurs, Jean-Paul Sartre et Simone de Beauvoir se rendront officiellement en Chine – Sartre relativement brièvement, laissant Simone de Beauvoir sur place pendant plusieurs semaines, dont elle tirera un incroyable livre (« La Longue marche », éd. Gallimard, 1957) de clichés propagandistes sur l’augmentation de la productivité à l’aciérie n°5 ou la vie idyllique d’une Commune populaire modèle…

La préface de Jean-Paul Sartre aux photographies de Cartier-Bresson n’appartient pas à ce registre. Elle est au contraire une analyse fine de la déconstruction des préjugés que permet l’art du photographe.

Hangzhou, province du Zhejiang, 1949 (© Henri Cartier-Bresson/Magnum Photos, courtesy Fondation Henri Cartier-Bresson)

Hangzhou, province du Zhejiang, 1949 (© Henri Cartier-Bresson/Magnum Photos, courtesy Fondation Henri Cartier-Bresson)

 

A l’origine du pittoresque, il y a la guerre »

Dès la première phrase, Sartre donne le ton :

« A l’origine du pittoresque, il y a la guerre et le refus de comprendre l’ennemi : de fait, nos lumières sur l’Asie nous sont venues d’abord de missionnaires irrités et de soldats. Plus tard, sont arrivés les voyageurs – commerçants et touristes – qui sont des militaires refroidis : le pillage se nomme “shopping” et les viols se pratiquent onéreusement dans des boutiques spécialisées. »

Le philosophe se souvient qu’enfant, il fut lui-même victime du « pittoresque » : « On avait tout fait pour rendre les Chinois intimidants. » Et de donner la liste des clichés tenaces sur les Chinois.

« Puis vint Michaux qui, le premier, montra le Chinois sans âme ni carapace, la Chine sans lotus ni Loti.

Un quart de siècle plus tard, l’album de Cartier-Bresson achève la démystification. »

 

Des clichés « qui ne bavardent jamais »

On ne peut qu’être d’accord avec Jean-Paul Sartre quand il observe que Henri Cartier-Bresson a cassé l’idée d’une « masse » chinoise pour donner à voir des individus chinois.

Il était sans doute en avance sur son temps car Mao a fait en sorte, pendant les deux décennies suivantes, de donner au monde l’idée de cette masse, manipulable à merci, et il a fallu attendre les années 80 pour revoir l’individu chinois (lire ce qu’en dit le cinéaste Jia Zhangke).

Mais en 1954, Jean-Paul Sartre note :

« Il y a des photographes qui poussent à la guerre parce qu’ils font de la littérature. Ils cherchent un Chinois qui ait l’air plus chinois que les autres ; ils finissent par le trouver. Ils lui font prendre une attitude typiquement chinoise et l’entourent de chinoiseries. Qu’ont-ils fixé sur la pellicule ? Un Chinois ? Non pas : l’Idée chinoise.

Les photos de Cartier-Bresson ne bavardent jamais. Elles ne sont pas des idées : elles nous en donnent. »

 

La force de l’expo du Centre Pompidou

Les photos de ce livre magnifique sont à l’image de ce commentaire. Elles sont humaines, que ce soit dans l’évocation de la vie quotidienne des Chinois au milieu du XXe siècle, ou dans l’accélération de l’histoire que vit la Chine avec la victoire des « martiens » (l’expression est de Robert Guillain, le journaliste du Monde qui a assisté à l’entrée des soldats communistes à Shanghai en 1949) conduits par leur Grand Timonier.

On y voit les premiers pas des paysans-soldats de Mao dans la métropole de Shanghai et son architecture new-yorkaise, les premières parades et la naissance du culte de la personnalité, on y voit l’émergence d’un mythe politique qui fascinera bientôt l’intelligentsia française…

Jean-Paul Sartre a clairement choisi son camp. En conclusion de sa préface, il remercie Cartier-Bresson « d’avoir su nous montrer la plus humaine des victoires, la seule qu’on puisse, sans aucune réserve, aimer ».

Soixante ans après la publication de ce livre, il reste les photos, dont on imagine à quel point elles ont pu surprendre à l’époque ; comment, aussi, elles ont pu jouer dans un contexte politique français où le Parti communiste se vivait en phase avec une histoire politique planétaire.

C’est la force de l’exposition du Centre Pompidou, qui met chaque étape du travail de Cartier-Bresson dans son contexte, celui de la vie du photographe, et celui de son époque.

Pierre Haski

Source Rue 89 le Nouvel Obs 18/02/14

Voir aussi : Rubrique Photo, rubrique Expo, rubrique Chine, rubrique Histoire,

François-André Vincent au Musée Fabre. La recherche d’expression nouvelle d’un style ancien

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F-A Vincent, étude pour Zeuxis choisissant un modèle. Photo D.Maugendre

Musée Fabre. « François-André Vincent un artiste entre Fragonard et David ». Jusqu’au 11 mai 2014.

Après l’exposition Le Goût de Diderot qui a réuni 33 000 visiteurs, Le Musée Fabre poursuit sa placide exploration du néoclassicisme en consacrant son exposition temporaire d’hiver à François-André Vincent (1746-1816). L’intitulé de l’exposition François-André Vincent un artiste entre Fragonard et David suggère le peu de place laissé par cet artiste officiel dans l’histoire de l’art. Cette rétrospective commune avec le musée des Beaux-Arts de Tours labellisée d’intérêt national par le ministère de la Culture, n’est cependant pas dénuée d’intérêt,  notamment pour les spécialistes.

L’artiste royaliste a mobilisé Jean-Pierre Cuzin, l’ancien conservateur en chef du département des peintures du Louvre – invité à Montpellier pour le vernissage – pendant plus de quatre décennies. Entre autre avantage, l’exposition présente l’opportunité de valoriser le fond du Musée Fabre qui  compte six œuvres de Vincent.

L’étape montpelliéraine donne l’occasion de  découvrir 14 dessins prêtés par le musée Atger de l’Université de médecine, dont quatre d’entre eux apportent une bouffée de fraîcheur. Dans la première section, consacrée aux années romaines de l’artiste, on découvre les dessins de Vincent, alors élève de l’Académie de peinture de Rome, qui dépeignent avec « une amicale ironie »  ses condisciples. Ces portraits précis et amusants sont étonnants de modernité. Il ouvrent avant l’heure, sur leurs inévitables corollaires ; les caricatures.

L’exposition s’ouvrira samedi. Elle ambitionne de faire lien entre l’intérêt des historiens de l’art et le grand public. On pourra observer le cheminement entre l’œuvre préparatoire, dessin ou esquisse et l’œuvre définitive.

La volonté d’offrir une expression nouvelle, à grand renfort de multimédia pour rallier les jeunes à un style ancien, se traduira par des visites scolaires didactiques. Pas sûr que cela suscite de l’émotion.

JMDH

Voir aussi : Rubrique Exposition, rubrique Montpellier,