Les inégalités sociales se creusent maintenant une frange importante de la population dans une situation de grande précarité. Cette fragilité jette dans l’errance urbaine une foule variable de pauvres de plus en plus jeunes selon le rythme des crises économiques et politiques qui se succèdent. Au XVI le regard social sur la pauvreté a beaucoup changé sous l’influence de l’Humanisme et des Réformes religieuses, il s’ensuivit une mutation profonde dans le traitement public de l’assistance aux pauvres, allant de la centralisation de la gestion à l’hospitalisation.
En ce début de XXI e siècle le regard social semble s’être inversé. Dans le monde déshumanisant néolibéral, la pauvreté est très mal traitée. Et surtout, elle ne doit pas ternir l’image commerciale que se donne la ville. Alors faut-il avoir à Montpellier une vision optimiste de l’évolution sociale ? On peut se poser la question à partir de ce texte de la Revue d’histoire de l’église de France (1934 p 408) où l’on apprend que Montpellier figure au XVIe siècle parmi les premiers budgets municipaux d’assistance, et le bon dossier réalisé par Montpellier journal qui cartographie le dispositif anti-sdf à Montpellier.
Sans parler de la volonté de certains commerçants Montpelliérains qui n’en finissent plus de coloniser l’espace public et menacent créer une milice pour traiter le « problème » à leur façon… En 2016, l’arrêté estival dit « de tranquillité publique » qui vise particulièrement les personnes « en errance »… est entré en vigueur le 15 avril dernier à Montpellier, soit un mois plus tôt qu’en 2015. Qu’en sera-t-il cette année ?
Matthieu Barbin dans Traum, une fiction multidisciplinaire en cours de création.Photo dr
Entretien En janvier le centre chorégraphique national ICI accueillait en résidence la plasticienne et cinéaste Dorothée Smith et le chorégraphe Matthieu Barbin qui travaillent sur une fiction multidisciplinaire et fragmentaire autour de la métamorphose. «Traum» casse les codes de la narration classique. La résidence a donné lieu à une expo, deux projections et une performance chorégraphique à Montpellier. Le travail se poursuit au Centre national de la danse à Pantin.
Si Traum aborde la question de la métamorphose, c’est aussi une création qui semble en mutation permanente. Comment s’est déroulée votre rencontre et qu’a-t-elle transformé ?
Smith. Nous nous sommes rencontrés il y a deux ans. J’étais sur le projet d’écriture du scénario du film. Une fiction futuriste, qui décrit l’amitié de deux cosmonautes dont l’un devient un héros spatial tandis que l’autre narcoleptique, devient l’opérateur du lancement de la fusée. Mais il s’endort et provoque la mort de son ami. Suite à cet accident, il reste hanté par ce souvenir traumatique au point de perdre son intégrité mentale et corporelle. Au départ il y avait l’idée de situer l’intrigue depuis le point de vue d’un personnage vivant des traumatismes. Celui qui tue, éprouve des pulsions de retour, des pulsions de mort. On passe d’une réalité à l’autre. Le film joue sur différents registres d’image et de réalité. On est dans un état d’entre- deux lié au sommeil et à la mort.
Dans mon travail , je questionne les médiums . Sur ce projet nous avons cherché à constituer une sorte d’archipel autour de la mutation originale dans un système où s’imbriquent les écritures. Le défi avec Matthieu a été de retraduire et recontextualiser les questions pour les réinjecter hors champs dans le contexte du spectacle vivant. Nous avons opéré des ajustements sur le fond et la forme. Cela nous a permis de revisiter certains endroits, de repenser la notion d’être dedans et dehors.
Matthieu Barbin photo dr
Où situez-vous la place de la fiction par rapport à l’objet proprement esthétique ?
Smith.A l’état foetal, le projet offre des possibilités de transformation intime, la fiction engendre et modifie la subjectivité des personnages. Elle permet par ailleurs de lier différents centres d’intérêt dans une histoire qui forme une galaxie faisant tenir tous les éléments. J’aimerais que cela soit lu à partir des lunettes du monde dans lequel nous sommes.
Matthieu. La fiction est nécessaire dans les temps troubles. Elle autorise l’extrapolation de principes scientifiques que l’on ne peut pas appliquer à l’échelle humaine comme la physique quantique. La fonction des ondes n’est pas une entité exclusivement symbolique. Le spectacle vivant offre la possibilité d’inclure des outils permettant une expression de cette nature. La narration induit un effet miroir chez les spectateurs qui sont renvoyés à un signifiant sensible. Il y a le besoin d’un retour à l’histoire pour se mouvoir. Dans la première phase de ce projet, nous avons accumulé beaucoup de matière théorique. Maintenant il faut laisser les choses décanter pour faire émerger la poésie.
Comment se déroule votre collaboration avec les chercheurs ?
Smith. J’aime travailler avec des scientifiques. La Science et l’art ont des langages différents. L’art produit du savoir au même titre que la science. Avec une plus grande liberté pourrait-on penser, mais pas forcément…Les disciplines ont littéralement à apprendre les unes des autres. Nous avons travaillé avec des astrophysiciens pour approcher la physique quantique mais aussi avec des philosophes ou des psychologues cliniciens. C’est une manière d’appréhender le monde de manière différente. A partir de là, on s’est demandé comment nous pouvions créer. Nous croisons les disciplines et les théories scientifiques. Les chercheurs se servent de notre travail pour enrichir leurs travaux. Dans la phase de création nous invitons des gens qui viennent du monde artistique, technique, théorique à s’impliquer en tant que collaborateur. Nous participons aussi à des rencontres débats qui nous font sortir de la sphère artistique.
Dans la performance chorégraphique présentée en sortie de résidence au CCN de Montpellier le corps semble alterner entre conscience et inconscience ?
Matthieu. On voulait se donner la possibilité de l’impossibilité du corps. Travailler sur son absence. Dans la vie, on fait porter au corps des charges qui ne sont pas les sienne, mais en réalité, il peut s’avérer très utile ou inutile. La pièce dessine des formes sans les arrêter. Elles s’esquissent juste. Le corps est un corps dont on pourrait se débarrasser, pour le remplacer par des poèmes ou des chants. Cette notion était un des enjeux du travail. Le plateau fonctionne comme un système imbriqué d’écritures. Texte, lumière, musique, corps, images, composent cet univers, chacun des éléments pouvant s’effacer. On a quand même eu besoin de créer des repères. La présence du texte dans le spectacle permet vraiment cela. C’est en anglais, mais avec des résonances, des répétitions qui balisent un peu. Il y a aussi une porte quantique. Une terre inconnue vers laquelle ont essaye d’attirer les gens.
A propos de résonance, la question de la perte d’identité fait écho à notre monde et peut générer un certain nombre d’inquiétudes or, dans votre travail, elle apparaît plutôt comme une forme de plaisir de la perte. S’ouvrir à de nouvelles formes esthétiques suppose-t-il de s’affranchir des formes critiques ?
Matthieu. Nous traversons une époque de totale indétermination. C’est un état de fait. Cet état de jouissance de la perte, peut exister, pas uniquement comme porte possible pour un après…
Smith. Nous ne sommes pas dans un rapport d’épouvante. Cet état participe au processus post-modern. On traverse un moment de déconstruction des identités. Le film évoque un traumatisme qui pulvérise l’identité et qui nous plonge dans le neutre. Cela n’exclut pas une nouvelle création. De nouvelles formes peuvent exister dans ce chaos. Nous tentons de les faire émerger.
Recueilli par Jean-Marie Dinh
La création Traum devrait voir le jour à l’automne au Théâtre de la Cité à Paris.
Chanson
Soutenu par Les Nuits du chat, le duo sétois de chanson humoristique Michel et Yvette débarque au Théâtre Gérard-Philipe les 3 et 4 février pour deux soirées qui s’annoncent drôles et chaleureuses.
Il était une fois une rencontre. Une rencontre entre un homme et une femme. Michel adepte du ukulélé, de la percussion pédestre et du chant et Yvette, pratiquante aguerrie de l’accordéon, du chant et des tics nerveux, quand ces deux artistes drôles et pleins d’esprit, sont tombés l’un sur l’autre, ils ont naturellement… Non.Reprenons, lorsque Michel et Yvette se sont acoquinés… Bref, quand ils se sont trouvés, ils ont décidé de faire quelque chose ensemble. Devinez quoi ?
« Cela c’est fait un peu au hasard, commente Michel, au départ on partait sur du réaliste, type Fréhel, Bourvil… des reprises puisées dans le répertoire de la chanson réaliste. Dans la pratique, on s’est aperçu que l’on avait des choses humoristiques à exprimer ensemble.»
Ils se mettent alors à écrire et composer. « Nos textes parlent des relations entre les hommes et les femmes. Nos chansons sont le plus souvent drôles, parfois tendres, mais l’émotion est toujours au rendez-vous, enfin si elle n’est pas là elle va arriver. »
Le processus de création est plutôt spontané. « On part souvent d’une idée drôle et puis les choses s’enchaînent. On réfléchit en terme de spectacle. Yvette, Aude de son vrai nom, dispose d’une expérience solide dans le théâtre de rue, moi j’ai participé à plusieurs formations musicales comme Les Michels, Les Enjoliveurs, Les Sévères... »
Michel et Yvette donnent leur premier concert il y a un an à l’invitation de l’association montpelliéraine Les Nuits du chat qui organise chaque année un festival musical automnal mélangeant de talentueux artistes d’expression francophone. Ils ont beaucoup tourné depuis en développant ce qui leur tient le plus à coeur : le contact avec le public.
« On aime les ambiances chaleureuses et on essaye d’y contribuer sur scène en développant un rapport complice et coquin indique Yvette. Entre le spectacle comique et la chanson, la chanson humoristique est un genre un peu à part qui requiert de bonnes conditions d’écoute. On est souvent surpris car celles-ci se créent assez vite.»
Au Théâtre Gérard-Philipe
Michel et Yvette sont attachés à leur liberté créative en terme de temps et de contenu. Ils revendiquent une démarche artisanale et polyvalente qui les conduit à réaliser leur site, leur vidéo et bien sûr leurs compositions. Ils viennent d’enregistrer un E.P à Pézenas.
Le 3 et 4 février prochain il fêteront sa sortie au Théâtre Gérard-Philipe à Montpellier en organisant une soirée cabaret avec plein d’amis artistes. On pourra notamment compter sur des marionnettes pour le service d’ordre, apprécier les talents d’une femme orchestre, ou découvrir le plus petit piano bar du monde. Michel et Yvette assureront le final en beauté !
JMDH
Source La Marseillaise
Résa en ligne www.lesnuitsduchat.com/: 04 67 58 71 96
L’univers lynchien de Montpellier par le photographe toulousain Yohann Gozard.
Exposition
A la Panacée débute le premier cycle d’expositions présentées sous la direction de Nicolas Bourriaud en charge du futur Centre d’art contemporain, nouvelle génération attendu pour 2019. Sous le titre Retour sur Mulholland Drive une vingtaine d’artistes rendent compte des tendances actuelles de l’art contemporain.
En attendant le MoCo, futur navire amiral de Montpellier Contemporain, La Panacée se recentre sur l’art contemporain après quelques errements autour de la création numérique. Non que l’art numérique soit inintéressant dans les formes de langage qu’il a mis à jour, mais plutôt qu’il était peu opportun d’axer les lignes programmatiques du lieu sur un terme aussi générique. On a senti le moment où la notion d’art elle-même se trouvait en souffrance face à sa particule numérique. La page s’est tournée avec l’arrivée de Nicolas Bourriaud nous évitant peut-être la chasse aux Pokémons tendances, dans les couloirs de la Panacée sponsorisée par SFR.
L’arrivée de cet historien et critique d’art contemporain n’est pas pour autant un gage de confort pour le visiteur. Exit les balises pédagogiques, et place à l’émotion, aux interrogations, au malaise parfois qui peuvent émaner des oeuvres contemporaines. La proposition d’exposition autour du film de David Lynch Mulholland Drive en témoigne.
Etre dérangé en trois fragments « L’art d’aujourd’hui ne relève pas d’une esthétique unique. On ne peut pas tout résumer par un point de vue ou un regard, explique Nicolas Bourriaud, le cycle d’expositions à la Panacée s’ouvre à tous les médiums et toutes les disciplines.» Une manière de répondre à la masse de propositions artistiques en provenance des quatre coins de la planète et de préfigurer le modèle nouveau du futur MoCo en connexion avec le monde.
Conception basée sur le constat que Paris n’est plus l’instance de validation. La proposition qui s’ouvre aujourd’hui se découpe en trois expositions distinctes. Solo show de l’artiste iranienne Tala Madani, jamais exposée en France, propose un univers grotesque et critique centré sur une représentation masculine où s’agitent des hommes décervelés. Mus par leurs instincts sexuel primaires, ces personnages semblent désigner un recul certain de la conscience dans tout ce qui existe.
Tala Madani opère un détournement de l’usage de la lumière spirituelle qui exprime la vibration énergétique par laquelle les choses deviennent visibles ou sont éclairées. Les représentations de l’artiste opèrent une forme de redistribution du sacré et du moi intérieur dégénéré qui met à niveau la lumière cosmique, avec celle d’un d’orifice ou d’excréments.
Intérims, l’art contre emploi, présente neuf artistes qui prennent le monde du travail comme matériau et explorent les mécanismes du salariat avec un regard militant ou ironique. Cette seconde exposition fait lien avec le concept Exform – forme saisie par les artistes autour des enjeux d’exclusion, culturels, sociaux ou politiques, et territoire traversé par des mécanismes de rejet et de réhabilitation – au coeur des dernières recherches de Nicolas Bourriaud.
Intitulée Retour sur Mulholland drive, la troisième proposition explore l’univers lynchien à partir des travaux d’une vingtaine d’artistes et plus particulièrement du film sorti en 2001 qui a marqué une génération de créateurs par la force de son esthétisme et l’ambivalence du rapport à la réalité. Les travaux exposés ont pour dénominateur commun d’utiliser des objets du quotidien pour y insuffler une puissance d’évocation singulière. Les formes proposées sont empruntes d’une gravité à la hauteur du vertige lié à la perte d’identité sans pour autant s’inscrire comme forme de contre-pouvoir.
Jan Lauwers?: «?Qu’il est beau l’échec de la langue au théâtre?!?» Photo marc Ginot
Begin the Beguine de Cassavetes, création mise en scène par Jan Lauwers, au CDN hTh de Montpellier jusqu’au 3 février.
Ecrite en 1987, peu avant la mort de John Cassavetes, la dernière pièce du cinéaste culte a été montée par Jan Lauwers dans une première version au Burgtheater de Vienne. A l’invitation de la fondation Cassavetes de N.Y. Le directeur du CDN de Montpellier Rodrigo Garcia reconduit cette invitation en proposant au metteur en scène flamand de créer une nouvelle version de ce texte peu connu.
C’est chose faite avec cette première en France, qui associe Gonzalo Cunill et Juan Navarro, deux acteurs proches de Rodrigo Garcia, aux deux actrices de la Needcompany, Inge Van Bruystegem et Tomy Louise Lauwers, la propre fille de Jan Lauwers. Ce choc des énergies fait vibrer le plateau en jouant sur les contrastes, de cultures et de langues pour donner un prolongement européen à ce drame issu des zones déchues et marginales de la société américaine.
Les quatre performers font preuve d’un souffle de liberté éblouissant. Dans un appartement au bout d’une route donnant sur la mer deux hommes commandent des femmes par téléphone et philosophent sur le sexe, l’amour et la mort.
Dans un temps non défini, leurs rapports avec les prostitués s’inscrit comme une fin et un éternel recommencement. Réduits à se perdre, les deux antihéros ne parviennent pas à tromper leur profond désespoir. Le sexe tarifé ne satisfait plus les fantasmes si bien que la rencontre entre clients et prostitués prend parfois un tournant désarçonnant et l’amitié entre les deux hommes enregistre des distorsions.
Begin the beguine porte à son paroxysme le rapport au corps et au réel. Jan Lauwers travail la scène comme Cassavetes l’image, en faisant du plateau un immense terrain de jeu où s’expose la vie déchue des hommes seuls.
