Festival de Radio France. Un bilan satisfaisant avant la grande région

Publié le 29 juillet 2015 par admin

Les concerts payants à Montpellier ont rassemblé 22 872 spectateurs (120 375 en tout). photo dr

Les concerts payants à Montpellier ont rassemblé 22 872 spectateurs. photo dr

Festival de Radio France. La trentième édition qui s’achève a fait appel aux artistes qui ont marqué l’histoire de l’événement. Une nouvelle ère débute…

Le trentième festival de Radio France Montpellier L-R s’est achevé samedi 25 juillet dans un faste joyeux. Une forme d’appel au bonheur pour tous avec la belle soirée Beethoven au Corum « Ode à la joie » et la chaleur musicale convoqué sur le parvis de la mairie par la chanteuse brésilienne Renata Rosa.

Au-delà du feu d’artifice final, la force du festival reste liée à l’imposante machine qui déploie en 16 jours 212 manifestations dont beaucoup sont gratuites (175) ainsi qu’à l’irrigation du territoire, urbain, 93 concerts à Montpellier dans 22 lieux différents, métropolitain, 29 concerts, et régional, 63 concerts dans quarante villes et villages.

Depuis de nombreuses années, les collectivités territoriales n’ont eu de cesse que de prêcher la décentralisation auprès des directeurs successifs du festival. Cette volonté politique légitime à laquelle s’est parfois opposée (et pourrait se confronter à l’horizon 2017), la question des moyens techniques, organisationnels, humains et artistiques, semble avoir marqué le pas pour le bonheur du plus grand nombre.

Les chiffres annoncés – 120 375 spectateurs pour l’édition 2015 – apparaissent comme un argument de poids mais celui de l’identité du festival des radios publiques demeure. Reconduit dans ses fonctions, le directeur Jean-Pierre Rousseau le souligne. « Ce Festival on l’aime, parce qu’on y entend ce qu’on n’entend nulle part ailleurs ».

L’édition 2015 a permis de découvrir trois opéras inconnus : Don Quichotte chez la Duchesse de Boismortier, Fantasio d’Offenbach et La Jacquerie de Lalo. L’autre singularité du festival réside dans l’ouverture musicale proposée. Le jazz a rassemblé 21 400 spectateurs au Domaine d’O, l’Electro et les musiques du monde 20 000 sur le Parvis de l’Hôtel de Ville de Montpellier. Ce qui représente en terme de fréquentation une somme quasi équivalente aux concerts classiques payants à Montpellier (22 872) et aux 62 concerts donnés en régions qui ont rassemblé 22 250 spectateurs.

Cette trentième édition se ferme sur cet équilibre conséquent avec de solides perspectives. Toutes les tutelles du festival – Région Languedoc-Roussillon, Métropole de Montpellier – et Radio France ont validé le budget et le projet de l’édition 2016. Elles s’engagent à pérenniser le festival dans le cadre de la future grande région fusionnée sans donner de détail et pour cause. Personne ne sait encore qui tiendra les cordons de la bourse et quelles seront les orientations de la politique culturelle en 2017.

D’ici là, JP Rousseau à qui l’on prête un bon réseau relationnel à Toulouse à la charge de trouver des synergies et de construire des passerelles.

JMDH

Source La Marseillaise 28/07/15

Voir aussi : Rubrique Festival, rubrique Musique, Montpellier,

Le conservatisme du théâtre public freine l’émergence de nouveaux talents

Publié le 28 juillet 2015 par admin

Par Thibaud Croisy, metteur en scène

À plusieurs reprises, je me suis exprimé sur la nécessité de mettre en œuvre des politiques culturelles qui soutiennent et promeuvent durablement les jeunes générations d’artistes ( « Non au cumul des mandats ! », Le Monde ,18 juillet, 2013). Ces derniers mois, la situation a bien évolué à l’échelle nationale, notamment grâce au renouvellement de nombreux postes de direction, mais des efforts méritent encore d’être accomplis. En effet, à l’heure où les théâtres dévoilent leur programmation pour la saison prochaine, plusieurs d’entre eux font preuve d’assez peu d’ouverture. Il suffit, par exemple, de lire la brochure du Théâtre de l’Odéon pour constater qu’elle ne rassemble que des « poids lourds » de la scène européenne : Angélica Liddell, Romeo Castellucci, Joël Pommerat, Thomas Ostermeier, Krzysztof Warlikowksi, Luc Bondy.

Sur les neuf metteurs en scène invités, tous y ont déjà présenté au moins une pièce ces dernières années, à l’exception de Séverine Chavrier, seule primo-accédante et unique metteuse en scène française de la saison. Au Théâtre des Amandiers (Nanterre), les nouveaux directeurs, Philippe Quesne et Nathalie Vimeux, ont introduit une franche rupture par rapport à leur prédécesseur, Jean-Louis Martinelli. Mais leur programmation fait surtout la part belle à des metteurs en scène consacrés tels que Joël Pommerat, Rodrigo García, Gisèle Vienne, Jérôme Bel ou encore Claude Régy, dont la prochaine création y est déjà prévue pour la saison 2016-2017.

Le débat que je souhaiterais ouvrir ne porte pas tant sur le talent de ces artistes, tous reconnus internationalement, mais bien plutôt sur ces programmations qui réduisent la part de nouveauté à une portion infime et qui donnent le sentiment de se répéter d’une année sur l’autre. Car il suffit de passer au crible les différentes brochures de saison pour s’apercevoir que c’est souvent la même poignée d’artistes qui est produite, accueillie et diffusée par les théâtres nationaux, les centres dramatiques et les structures parisiennes.

Un théâtre à deux vitesses

On ne s’étonnera donc plus de voir circuler les mêmes noms ou les mêmes pièces sur les scènes du Théâtre de l’Odéon, Théâtre des Amandiers, Théâtre de la Ville, Centre Georges Pompidou ou CentQuatre. Autant d’établissements qui, en fin de compte, n’en forment plus qu’un seul… Le cas de Joël Pommerat illustre bien ce phénomène car après avoir été artiste en résidence aux Bouffes du Nord, l’auteur-metteur en scène a été simultanément associé au Théâtre de l’Odéon, Théâtre des Amandiers et Théâtre national de Bruxelles. Dès lors, l’écosystème du théâtre public fonctionne à deux vitesses : d’un côté, des artistes surreprésentés, largement coproduits, diffusés et parfois indistinctement accueillis par des centres dramatiques, chorégraphiques et d’art contemporain ; de l’autre, des artistes moins visibles et plus précaires, éternels émergents que les opérateurs culturels concentrent dans des festivals à thèmes (festival de jeunes, festival de femmes, festival des cultures d’Afrique, etc.).

Cette fracture, pour ne pas dire cette ségrégation, provoque évidemment un sentiment d’injustice et de violentes crispations. Elle continue en tout cas de véhiculer l’idéologie du « maître en scène », figure tutélaire que le système n’en finit jamais de célébrer, et elle témoigne de la difficulté à inclure l’autre, c’est-à-dire cet artiste qui n’est pas forcément un homme, pas forcément blanc, pas forcément quinquagénaire et qui n’a pas forcément produit une pièce à succès. D’ailleurs, si certains théâtres font parfois une exception en promouvant subitement un artiste dit « émergent », c’est trop souvent pour remplir un quota minimum et se donner bonne conscience.

Lire le débat : « Le théâtre face à la querelle des nominations »

Alors, comment faire pour déverrouiller et diversifier les programmations du théâtre public et pour que les jeunes n’y figurent pas en tant que simple caution ou produit du moment ? En 2013, Aurélie Filippetti avait créé le premier comité ministériel pour l’égalité des hommes et des femmes dans le domaine de la culture. Composé d’élus, d’associatifs, de directeurs et d’artistes, ce comité prenait appui sur un observatoire qui rendait public des indicateurs objectifs sur la situation des femmes et il définissait une politique incitative pour promouvoir l’égalité sur tous les plans : nomination, rémunération, programmation. C’était un premier pas pour briser les conservatismes les plus archaïques.

Aujourd’hui, alors que les Assises de la jeune création initiées par Fleur Pellerin viennent de s’achever dans une relative indifférence et dans un contexte où beaucoup de lieux intermédiaires sont menacés, on espère qu’elles ne feront pas l’effet d’un coup d’épée dans l’eau et qu’elles encourageront les institutionnels à joindre, pour de bon, les actes à la parole. Cela reviendrait à porter une attention accrue à la représentativité et au renouvellement des artistes au sein des théâtres, des territoires, et inciterait à composer des programmations plus équilibrées, plus expérimentales, qui ne viendraient plus consacrer un mûrissement social ou l’aboutissement d’une carrière. Désormais, que ce soit dans les théâtres nationaux ou les centres dramatiques, le défi est bien de produire et de faire cohabiter sereinement quatre générations d’artistes allant de vingt à quatre-vingts ans, tout en évitant les phénomènes de mimétisme dans les logiques de soutien. Il est donc urgent de procéder à un rééquilibrage générationnel et à des ajustements structurels pour mieux partager les moyens de production entre les équipes artistiques et répartir plus équitablement les deniers publics. Ou plutôt ce qu’il en reste.

Source : Le Monde.fr 27.07.2015

Voir aussi ; Rubrique Théâtre, Politoque, Politique Culturelle,

Rémunération des auteurs en chute libre : la solution est-elle politique ?

Publié le 22 juillet 2015 par admin

Paupérisation

Depuis plusieurs années, articles, tribunes et essais se multiplient pour dénoncer la chute de la rémunération des auteurs, toutes disciplines confondues.

En France, les auteurs de BD ont défilé cette année au festival d’Angoulême pour dénoncer la précarisation croissante de leur situation. Sur 1 300 auteurs de BD professionnels, seule une cinquantaine en vivrait à peu près bien, les autres se débrouillant avec un peu moins qu’un smic.

« Spirale de paupérisation »

La Société des gens de lettres, qui représente des auteurs littéraires, alerte elle aussi sur une « spirale de paupérisation », liée à « une baisse des tirages, une baisse des à-valoir, et une baisse des pourcentages de droits d’auteur ».

illeurs, même chose : en Grande-Bretagne, une récente étude indique que le revenu médian des auteurs professionnels (qui tirent plus de 50% de leurs revenus de leur plume) est inférieur au salaire minimum.

Face à cette situation, c’est à l’Etat de réagir, en finançant des dispositifs pour assurer à certains des carrières viables.

C’est la thèse soutenue par un récent essai, intitulé « La Culture n’est pas gratuite » (« Culture isn’t free ») et publié dans une revue américaine d’inspiration marxiste, Jacobin.

Témoignages de dèche

Miranda Campbell, professeure d’art et auteure de l’essai, prend comme point de départ la recrudescence des témoignages de dèche d’artistes connus et moins connus.

Ceux-ci prennent le contre-pied du mythe de la bohème (pauvre mais libre) et détaillent les misères de leur vie sans argent. Tant il est vrai que vivre sans chauffage n’est marrant que dans une chanson d’Aznavour.

« De plus en plus d’écrivains rejettent l’idée bohème selon laquelle les artistes devraient fuir le capital économique pour poursuivre l’art pour l’art. […] Parler de combien on est payé pour un projet créatif, et même le quantifier précisément, est en train de devenir à la mode. »

L’article donne comme exemple les récentes déclarations de l’auteur britannique Rupert Thompson (expliquant qu’à 60 ans, il ne pouvait plus vivre de ses livres pour la première fois), de David Byrne des Talking Heads retirant sa musique de Spotify ou encore du groupe de rock indé Grizzly Bear, internationalement reconnu mais pour autant toujours obligé de compter ses sous.

En France, plusieurs auteurs de BD ont expliqué publiquement pourquoi ils abandonnaient un métier qui les passionnait mais ne leur permettait pas de vivre.

Peu d’empathie

Ces récits, qui montrent la réalité peu glamour du métier d’artiste, font-ils pour autant avancer la question de la juste rémunération des auteurs ?

Non, répond Miranda Campbell. Car ils sont trop facilement réductibles à des cas singuliers, susceptibles de prêter le flanc à la critique personnelle. De fait, les plaintes des artistes ne suscitent pas vraiment l’empathie chez les internautes qui commentent leurs témoignages.

Car ceux-ci sont prompts à souligner qu’il faut être naïf pour croire qu’on peut vivre de sa plume, que les auteurs qui chouinent n’ont qu’à prendre un vrai boulot comme tout le monde, ou encore que s’ils étaient vraiment bons, ils vendraient, c’est tout…

En France, les auteurs de BD mobilisés ont ainsi été stupéfaits de découvrir les violentes réactions de certains internautes face à leur mobilisation.

Un enjeu de société

C’est pourquoi, explique l’auteur, il faut penser cette question de façon politique. Car le problème n’est pas celui des artistes qui ne peuvent payer leur loyer mais celui de la place de l’art dans la société.

Si on laisse décliner les revenus des artistes jusqu’au point où de moins en moins de gens choisiront cette carrière, on laissera de fait l’art aux mains des plus aisés.

Que faut-il faire ? Plutôt que d’appeler à l’extension du droit d’auteur, Miranda Campbell, s’appuyant sur les travaux de plusieurs critiques, en appelle à l’intervention de l’Etat :

financer des institutions publiques tels des espaces de travail partagé ou des logements à prix modérés ;
protéger les petits lieux qui prennent des risques et exposent des auteurs inconnus ;
réfléchir au revenu de base universel, qui permettrait à tous les volontaires de s’investir dans des projets non lucratifs, artistiques ou autres.

Même si la situation n’est pas nouvelle

Bien sûr, on peut rétorquer :

que les auteurs ont rarement vécu de leur plume et que la majorité des écrivains, par exemple, ont un second métier (c’est « la double vie des écrivains », selon le sociologue Bernard Lahire) ;
que, parmi les auteurs du XIX^e siècle qui sont passés à la postérité, beaucoup étaient rentiers (cf. Flaubert, Baudelaire, Proust pour ne citer que les plus connus) ;
que la multiplication contemporaine des titres publiés et du nombre d’aspirants artistes y est aussi pour quelque chose ;
que les carrières artistiques sont risquées par essence et qu’il pourrait être contre-productif de vouloir les subventionner.

Pour autant, il est vrai que la rémunération des auteurs est bien une question politique, qui pose en filigrane celle des activités non immédiatement rentables et des économies du don.

Qu’il s’agisse d’investissements de l’Etat – qui subventionne déjà largement la culture – ou d’expérimentations comme la licence globale ou le revenu minimum de base, tout modèle viable de rémunération sera aussi une décision politique et sociale sur la valeur que nous voulons donner à l’art.

Source : Rue89 21/07/2015

Voir aussi : Rubrique Livre, Edition, BD,

Le secteur artistique et culturel face à la parité

Publié le 3 juillet 2015 par admin

Politique culturelle. L’association HF L-R dévoile une étude qui révèle l’inégalité homme/femme en Languedoc Roussillon comme ailleurs en France.

Le domaine des arts et de la culture, que l’on pourrait croire enclin à interroger la société et à en dénoncer les injustices est un secteur où se traduit comme ailleurs l’inégalité entre les hommes et les femmes. C’est fort de ce constat révélé par une première étude du ministère de la Culture en 2006 que des acteurs et des actrices de la société civile ont décidé d’agir. Des collectifs et associations HF voient ainsi le jour en région. A l’occasion du festival d’Avignon en 2011 se fonde une fédération interégionale du Mouvement HF qui compte aujourd’hui quatorze collectifs régionaux.

En finançant une première étude quantitative sur cette problématique, la Région Languedoc-Roussillon a répondu à la demande de l’association HF-LR de disposer d’indicateurs sur la situation régionale. « L’étude conduite par le sociologue Aurélien Jackouane permet notamment de mesurer à quelle hauteur nos impôts financent la vision des hommes de culture et pas celle des femmes, souligne un brun provocateur, le militant Bruno Paternot, comédien, directeur de la compagnie Soliloque, un des rapporteurs de l’étude en région.

Les femmes pénalisées

Ce premier état des lieux des inégalités hommes/femmes dans le monde de la culture en L-R vient d’être présenté aux spectateurs du Printemps des Comédiens et de donner lieu à une journée de travail en atelier avec les professionnels dans le cadre du festival Montpellier Danse. La situation globale sur la totalité du secteur du spectacle vivant donne une représentation de 24% de femmes contre 76% d’hommes. Concernant la direction de lieux, les femmes occupent 38% des postes et les hommes 62%. Elles sont 48% à diriger des compagnies contre 52% d’hommes.

« On est globalement dans les clous par rapport aux chiffres nationaux, indique Bruno Paternot, mais il faudrait affiner pour obtenir une analyse régionale plus précise. Par exemple pouvoir déterminer la différence de coûts alloués aux hommes et aux femmes pour des spectacles comparables.» Au niveau national le coût moyen du montage d’un spectacle dans les CDN et CDR s’élève à 77 271 euros s’il est mis en scène par un homme et à 43 791 s’il est mis en scène par une femme.

« Les inégalités apparaissent également dans la gestion des lieux. On a souvent un directeur et une administratrice qui bute sur le plafond de verre. L’homme prend les décisions, la femme gère les relations publiques, et la médiation.»

L’association HF-LR dresse un premier état des lieux, sensibilise et ouvre le débat sur un aspect méconnu de la politique culturelle pourtant essentiel. Peut-être parce que cette inégalité concerne la politique tout court. Les soixante membres de l’association rencontreront prochainement à Avignon leurs homologues de Midi Pyrénées bien déterminés à faire évoluer le socle de notre société si paternaliste.

Jean-Marie Dinh

Source La Marseillaise 02/07/2015

Voir aussi : Actualité Locale, Rubrique Société, Droit des femmes, rubrique Politique, Politique Culturelle, On line, Les femmes artistes réclament la parité,

Cet étrange étranger qui nous rapproche

Publié le 27 juin 2015 par admin

L’auteur écossais et poète William McIlvanney, est l’invité d’honneur de cette 18e édition. (DR)

Festival international du roman noir. Le Firn convoque le monde à la grande table du noir qui se tient à Frontignan jusqu’à dimanche. Polars, débats, BD, cinéma figurent au menu festif.

« Les étrangers forment l’humaine humanité…»

Après une année de transition liée au décés de son père fondateur Michel Gueorguieff, le Festival international du roman noir de Frontignan reprend de la voile en conservant son ADN.

Le thème Etrange étranger sert de trame à cette dix-huitième édition et demeurera au cœur du festival dont la marque de fabrique est de construire sa programmation autour du thème choisi en explorant toutes les pistes à ouvrir. La méthode présente le double avantage de ne pas s’éparpiller en courant après l’actualité éditoriale et de favoriser des rencontres pleines de consistance entre les maîtres et les nouveaux auteurs prometteurs.

Le temps fort se concentre ce week-end avec l’arrivée massive des auteurs dès aujourd’hui. Ils sont une soixantaine, venus de partout, certains de loin, pour échanger jusqu’à dimanche sur ce thème éminemment contemporain et à la fois constant dans l’histoire littéraire. Depuis la nuit des temps, la littérature offre un espace d’exil proprement étranger à l’homme purement théorique, et aujourd’hui, à l’Homo œconomicus.

Ces dernières quarante années, l’ensemble multidimensionnel du néolibéralisme n’a cessé d’intensifier le vertige, au point de nous séparer d’une partie de nous-mêmes, si bien que la notion d’étranger ne concerne plus seulement l’altérité. Sur ce point, ce ne sont pas les Ecossais invités, John Burnside qui développe dans son œuvre une réflexion sur la pollution des âmes et des corps, ou William McIlvanney, fils de mineur et poète, invité d’honneur, qui défendront le contraire. Pas plus que la marraine du festival, Fred Vargas, dont les origines normandes ne l’empêchent nullement de se sentir étrangement étrangère au monde diurne.

A Frontignan, les terres littéraires vont surgir comme contrepoint à la déshumanisation en nous rappelant ce que nous avons de semblable dans nos différences. Entendu comme la rencontre de ce qui n’est pas nous, l’étranger sera évoqué par les auteurs de roman noir dont nous connaissons le goût pour l’étrange et la capacité à se jeter à corps perdu dans des univers inconnus.

De là à soutenir que l’étranger rassemble public et auteurs autour de la cuvée officielles 2015 et de la traditionnelle brasucade, il suffit de se rendre à Frontignan pour s’en convaincre.