Smith & Matthieu Barbin : « De nouvelles formes peuvent exister dans le chaos »

Publié le 11 février 2017 par admin

Matthieu Barbin dans Traum, une fiction multidisciplinaire en cours de création.Photo dr

Entretien
En janvier le centre chorégraphique national ICI accueillait en résidence la plasticienne et cinéaste Dorothée Smith et le chorégraphe Matthieu Barbin qui travaillent sur une fiction multidisciplinaire et fragmentaire autour de la métamorphose. «Traum» casse les codes de la narration classique. La résidence a donné lieu à une expo, deux projections et une performance chorégraphique à Montpellier. Le travail se poursuit au Centre national de la danse à Pantin.

Si Traum aborde la question de la métamorphose, c’est aussi une création qui semble en mutation permanente. Comment s’est déroulée votre rencontre et qu’a-t-elle transformé ?

Smith. Nous nous sommes rencontrés il y a deux ans. J’étais sur le projet d’écriture du scénario du film. Une fiction futuriste, qui décrit l’amitié de deux cosmonautes dont l’un devient un héros spatial tandis que l’autre narcoleptique, devient l’opérateur du lancement de la fusée. Mais il s’endort et provoque la mort de son ami. Suite à cet accident, il reste hanté par ce souvenir traumatique au point de perdre son intégrité mentale et corporelle. Au départ il y avait l’idée de situer l’intrigue depuis le point de vue d’un personnage vivant des traumatismes. Celui qui tue, éprouve des pulsions de retour, des pulsions de mort. On passe d’une réalité à l’autre. Le film joue sur différents registres d’image et de réalité. On est dans un état d’entre- deux lié au sommeil et à la mort.

Dans mon travail , je questionne les médiums . Sur ce projet nous avons cherché à constituer une sorte d’archipel autour de la mutation originale dans un système où s’imbriquent les écritures. Le défi avec Matthieu a été de retraduire et recontextualiser les questions pour les réinjecter hors champs dans le contexte du spectacle vivant. Nous avons opéré des ajustements sur le fond et la forme. Cela nous a permis de revisiter certains endroits, de repenser la notion d’être dedans et dehors.

© SMITH / Spectre Productions / Galerie les Filles du Calvaire 2016

Matthieu Barbin photo dr

Où situez-vous la place de la fiction par rapport à l’objet proprement esthétique ?

Smith.A l’état foetal, le projet offre des possibilités de transformation intime, la fiction engendre et modifie la subjectivité des personnages. Elle permet par ailleurs de lier différents centres d’intérêt dans une histoire qui forme une galaxie faisant tenir tous les éléments. J’aimerais que cela soit lu à partir des lunettes du monde dans lequel nous sommes.

Matthieu. La fiction est nécessaire dans les temps troubles. Elle autorise l’extrapolation de principes scientifiques que l’on ne peut pas appliquer à l’échelle humaine comme la physique quantique. La fonction des ondes n’est pas une entité exclusivement symbolique. Le spectacle vivant offre la possibilité d’inclure des outils permettant une expression de cette nature. La narration induit un effet miroir chez les spectateurs qui sont renvoyés à un signifiant sensible. Il y a le besoin d’un retour à l’histoire pour se mouvoir. Dans la première phase de ce projet, nous avons accumulé beaucoup de matière théorique. Maintenant il faut laisser les choses décanter pour faire émerger la poésie.

Comment se déroule votre collaboration avec les chercheurs ?

Smith. J’aime travailler avec des scientifiques. La Science et l’art ont des langages différents. L’art produit du savoir au même titre que la science. Avec une plus grande liberté pourrait-on penser, mais pas forcément…Les disciplines ont littéralement à apprendre les unes des autres. Nous avons travaillé avec des astrophysiciens pour approcher la physique quantique mais aussi avec des philosophes ou des psychologues cliniciens. C’est une manière d’appréhender le monde de manière différente. A partir de là, on s’est demandé comment nous pouvions créer. Nous croisons les disciplines et les théories scientifiques. Les chercheurs se servent de notre travail pour enrichir leurs travaux. Dans la phase de création nous invitons des gens qui viennent du monde artistique, technique, théorique à s’impliquer en tant que collaborateur. Nous participons aussi à des rencontres débats qui nous font sortir de la sphère artistique.

Dans la performance chorégraphique présentée en sortie de résidence au CCN de Montpellier le corps semble alterner entre conscience et inconscience ?

Matthieu. On voulait se donner la possibilité de l’impossibilité du corps. Travailler sur son absence. Dans la vie, on fait porter au corps des charges qui ne sont pas les sienne, mais en réalité, il peut s’avérer très utile ou inutile. La pièce dessine des formes sans les arrêter. Elles s’esquissent juste. Le corps est un corps dont on pourrait se débarrasser, pour le remplacer par des poèmes ou des chants. Cette notion était un des enjeux du travail. Le plateau fonctionne comme un système imbriqué d’écritures. Texte, lumière, musique, corps, images, composent cet univers, chacun des éléments pouvant s’effacer. On a quand même eu besoin de créer des repères. La présence du texte dans le spectacle permet vraiment cela. C’est en anglais, mais avec des résonances, des répétitions qui balisent un peu. Il y a aussi une porte quantique. Une terre inconnue vers laquelle ont essaye d’attirer les gens.

A propos de résonance, la question de la perte d’identité fait écho à notre monde et peut générer un certain nombre d’inquiétudes or, dans votre travail, elle apparaît plutôt comme une forme de plaisir de la perte. S’ouvrir à de nouvelles formes esthétiques suppose-t-il de s’affranchir des formes critiques ?

Matthieu. Nous traversons une époque de totale indétermination. C’est un état de fait. Cet état de jouissance de la perte, peut exister, pas uniquement comme porte possible pour un après…

Smith. Nous ne sommes pas dans un rapport d’épouvante. Cet état participe au processus post-modern. On traverse un moment de déconstruction des identités. Le film évoque un traumatisme qui pulvérise l’identité et qui nous plonge dans le neutre. Cela n’exclut pas une nouvelle création. De nouvelles formes peuvent exister dans ce chaos. Nous tentons de les faire émerger.

Recueilli par Jean-Marie Dinh

La création Traum devrait voir le jour à l’automne au Théâtre de la Cité à Paris.

Source : La Marseillaise 10/02/2017

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Assasinat de l’ambassadeur de Russie à Ankara : story telling d’une photographie historique

Publié le 27 décembre 2016 par admin

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Intitulée « ambassadeur russe à Ankara blessé dans une attaque armée », la photographie de Burhan Ozbilici pour /AP/SIPA .

« Pendant que l’ambassadeur faisait un discours, un homme grand, portant un costume, a tiré d’abord en l’air puis a visé l’ambassadeur », a rapporté à l’Agence France-Presse Hasim Kiliç, correspondant du quotidien Hurriyet à Ankara. Selon l’agence de presse turque progouvernementale Anadolu, l’assaillant a été « neutralisé », sans toutefois préciser s’il est mort ou vif.

L’index levé de l’homme debout en arme contraste avec le corps couché de l’homme blessé, dont le visage n’est pas visible. C’est l’autorité du diplomate qui est attaquée. Derrière, les oeuvres d’art du musée semblent dérisoires, comme prisonnières des miroirs du passé. Face à l’oeil du spectateur de la photo, visionneur indirect des faits, l’homme armé pavoise. Il nous met mal à l’aise, car nous assistons impuissants aux instants qui suivent une tentative de meurtre dont nous ne savons pas encore les mobiles.

Une photo en trop ?

On le devine sur cette image : le journaliste a donc continué son travail après que le coup de feu a retenti, ce qui n’est pas sans soulever une question de déontologie : fallait-il diffuser une telle photographie dans la presse avant de donner au lecteur des éléments factuels sur l’assassinat de l’ambassadeur de Russie à Ankara ?

Peut-on dire de cette photographie qu’elle est sensationnaliste, c’est à dire qu’elle a été prise dans le principal but de générer le « buzz » ? On peut défendre que non. Toute image qui choque n’est pas pour autant qu’elle choque un artefact indécent. Il y a des événements où la narration par l’image précède utilement la description par le récit écrit des faits. C’est le cas, il semble, d’une scène où un diplomate est assassiné.

Résonance historique

D’ailleurs, la photographie capturée par Ozbilici n’est pas sans rappeler la lithographie de l’assassinat de l’archiduc François-Ferdinand le 27 juin 1914 en quatrième de couverture du Petit Journal du 12 juillet 1914. Ce jour là, l’archiduc avait prévu pour le lendemain une visite de Sarajevo, capitale de la Bosnie-Herzégovine, avec son épouse Sophie, afin d’inaugurer…un nouveau musée.

Référence immédiate au concret

Le rapport d’une image à ce qu’elle désigne, ce dont elle parle, peut être complété par la dé- signation du doigt, par une démonstration concrète, par un objet présenté. C’est le cas justement lorsqu’il s’agit de montrer une scène de crime pour en alerter le monde entier.

Or, cette référence immédiate au concret est impossible dans l’écrit. L’écrit oblige sans cesse le lecteur à se représenter ce dont on lui parle. Il y a donc une logique propre du texte qui excède sa fonction de trace. Or, quelques secondes après qu’il a été commis, ce meurtre ne pouvait pas encore être verbalisé. La trace de l’image est irremplaçable dans l’écriture du récit de l’événement du 19 décembre.

Sur un second plan d’interprétation de la photographie, l’on peut voir l’index du criminel comme celui du photographe de presse, qui cherche à bousculer notre indifférence face au corps gisant du diplomate russe. Le photographe nous avertit que ce fait qui aura des effets sur l’actualité internationale à venir.

Dans la soirée, nous apprendrons que le meurtrier a été identifié : il se nomme Mert Altintas, et c’est un membre de la police turque anti-émeute.

Clara-Doïna Schmelck*

Clara-Doïna Schmelck*, journaliste, philosophe des médias. Rédactrice en chef adjointe d’Intégrales – aussi à la rédaction de Socialter ; chroniqueuse radio, auteur, intervenante en école de journalisme et de communication (Celsa …).

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Etrange et fabuleux voyage sur la planète de Ziggy Stardust

Publié le 12 décembre 2016 par admin

David Bowie séance de maquillage devant un miroir rond . Photo Mike Rock Ecosse 1973.

L’exposition Life On Mars du photographe Mike Rock nous plonge en 40 clichés dans l’intimité de David Bowie entre 1972 et 1973, une période charnière de sa carrière qui voit naître le personnage de Ziggy Stardust. A découvrir en exclusivité Au Multiple à Toulouse jusqu’au 15 janvier 2017.

Sur la porte de l’immense hangar du Multiple, encore destiné il y a peu, au stockage des chars du carnaval de Toulouse, s’affiche l’image de Ziggy, icône absolue du glam rock. L’événement à quelque chose de surnaturel et d’étrange comme si le personnage avait choisi ce cadre industriel pour opérer son retour.

On apprend que cette exposition exceptionnelle organisée par Autantyk fut le fruit de plusieurs coïncidences. A l’origine, l’exposition devait se dérouler à Barcelone, mais la disparition prématurée de l’artiste le 10 janvier dernier, en a décidé autrement. Une fois le contrat passé, Patrick Thaunay, producteur de l’expo qui développe différents projets sur le lieu, découvre que Serge Friand, un des artistes abrités au Multiple, se trouve être le président du David Bowie Fan club Toulouse. Propulsé commissaire de l’expo, celui-ci s’implique à 200% dans le projet qui aura été monté en six mois. En partenariat avec le photographe Mike Rock, il contribue grâce aux perles de sa collection personnelle à rendre le parcours captivant.

Les mutations du personnage
Les photographies jamais montrées jusqu’alors s’intègrent dans une scénographie, signée Lorena Acin, inspirée du tournage du célèbre clip Life on Mars. Le 12 mai 1973, Mike Rock immortalise la scène, Bowie y figure dans un impeccable costume bleu ciel avec chemise rayée noir et blanc et cravate à pois. « Ce qui est fantastique sur la période que couvre précisément l’exposition, c’est de suivre la création du personnage de Ziggy, explique Serge Friand, elle passe par trois étapes, il y eut d’abord, Major Tom, puis Starman et enfin Ziggy. »

Bowie présente pour la première fois son alter ego en juillet 1972 comme un messager humain d’une intelligence extraterrestre cherchant à transmettre à l’humanité, un message d’amour et de paix. Face à l’étrange, on ramène naturellement l’inexplicable à des faits connus, à une expérience préalable et par là, au passé que l’expo rend très palpable. Le cas d’une visiteuse de la première heure, dame sexagénaire, très émue de se trouver là en témoigne : « Moi et mon mari on a toujours été des fans de Bowie. Mon mari est mort mais je sais que ma présence ici est un cadeau pour lui. C’est formidable d’avoir la primeur à Toulouse.»

Mike Rock présent au Multiple de Toulouse pour l’exposition Life on Mars Photo France 3

Parmi la dizaine de photographes ayant côtoyé Bowie, Mike Rock est son photographe attitré. Il suit l’artiste dans son quotidien. Ce que révèle un certain nombre de photos où l’on découvre la star en train de lire dans le train, téléphonant de l’Hôtel Plaza après son premier concert à New York, ou méditant entre deux concerts en Ecosse.

« David Bowie a été mon ami pendant 44 ans. Il a eu un impact énorme sur ma carrière et ma sensibilité, confie le photographe Mike Rock très proche de la star, il est aussi – à mes yeux – l’artiste le plus important de ma génération, un véritable révolutionnaire culturel. Il a changé tant de choses… Non seulement dans la musique, l’art, la mode… mais aussi dans la façon dont les gens se voient » indique le photographe en ajoutant, « Bowie a donné aux hommes la possibilité de dévoiler une facette plus soft. Pas seulement dans leur sexualité mais aussi dans leur attitude sensorielle. Il a rendu l’androgyne beau. »

Le 3 juillet 1973, Bowie « tue » Ziggy sur la scène de l’Hammersmith Odeon, avant d’entamer un nouveau parcours vers Rock ‘n’ Roll Suicide et de nouvelles identités…

Jean-Marie Dinh

Autantyk favorise la place de l’Art dans les PME

L’exposition, organisée par Autantyk se déroule au Multiple, une halle industrielle qui accueille toutes sortes de projets. Autantyk a pour mission de réinventer le monde des PME pour améliorer leur performance économique tout en privilégiant la collaboration et l’épanouissement au travail. La structure expérimente de nouveaux lieux et espaces de travail et accompagne des PME dans leur stratégie du changement et dans la mutualisation de moyens. « Nous décloisonnons le monde de l’entreprise avec l’environnement culturel et artistique, indique son directeur Patrick Thaunay durant les six mois de préparation de l’expo on a travaillé ensemble sans avoir un seul conflit. » Du grand art !

« Life on Mars » de Mick Rock jusqu’au 15 /01/2017. Le Multiple 27 bis allée Maurice-Sarraut, Toulouse (31). De 10h à 19h30 tous les jours sauf les lundis et jours fériés. Informations : http://www.lifeonmars.eu

Source La Marseillaise 10/12/2016

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Centre d’Art Contemporain Montpellier : En attendant le Moco

Publié le 9 décembre 2016 par admin

Nicolas Bourriaud et Philippe Saurel déjà dans l’univers Lynchien de Mulholland Drive, . Photo JMDI

Dès janvier, la Panacée, centre de culture contemporaine, va prendre une nouvelle orientation pour assurer la transition et donner la tonalité du futur Centre d’Art Contemporain. Philippe Saurel et Nicolas Bourriaud, en charge de la conduite du projet, en ont tracé la vocation.

Le projet de Centre d’art contemporain de Montpellier qui ouvrira en juin 2019 enfin dévoilé. Il s’appellera Moco, combinaison des deux premières lettres de “Montpellier” et de “contemporain”. « On vise la planète. C’est un projet public d’envergure, innovant, qui s’inscrit dans un modèle de ville durable en recyclant deux bâtiments historiques. Nous avons pris en compte dans la réflexion à la fois la proximité et l’international » s’enthousiasme le maire de Montpellier aux côtés de Nicolas Bourriaud, cofondateur du Palais de Tokyo et ancien directeur de l’école des Beaux-Arts de Paris.

« La France n’a pas connu de projet public de cette ampleur depuis le début des années 2000 », assure l’historien de l’art et éminent critique qui assure la direction de la Panacée, depuis février. Et le maire d’ajouter : « L’espace public est notre partenaire pour l’art contemporain. Les artistes y ont encore leur place. »

Il n’y aurait pas d’espace collectif sans artistes et pas d’artistes sans art… Ces propos relevant de l’argumentaire essentiel à l’art contemporain, soulèvent d’emblée un certain scepticisme. N’avons-nous pas assez vécu et abusé de la « tradition du nouveau » en politique comme en marketing ? Mais l’idée de décloisonnement qui préside au projet et s’inscrit véritablement dans la transversalité en fonctionnant sur la mise en réseau et la synergie des acteurs locaux, apparaît dans sa nature et son intention novatrice.

Défi de l’esprit et de l’ouverture

Rien de commun avec la précédente programmation de la Panacée qui a offert quelques propositions intéressantes sous le concept très générique des écritures numériques. On ne compte plus aujourd’hui les artistes emprisonnés dans cette manie de l’innovation numérique à tout prix, ni les hordes sauvageonnes se revendiquant du street art en peine de reconnaissance institutionnelle.

« Je crois à la singularité du regard, indique Nicolas Bourriaud, une pensée novatrice peut s’exprimer avec un stylo. Il n’y a pas de lien entre l’outil dont on use et ce qu’on exprime. » Localement l’ambition consiste à rattraper le retard. Montpellier n’a jamais décollé en matière d’arts plastiques.

Le projet contourne une partie de la problématique financière. Il n’y aura pas de collection mais de multiples connexions avec le monde. Il contourne aussi le paradoxe inhérent à l’idée de politique en faveur de l’art contemporain. A l’instar des FRAC qui devaient être gouvernés par un principe d’éclectisme et qui ont finalement adopté la logique de collection régie par un principe de cohérence en opposition avec l’idée même d’éclectisme.

Ces instruments de la décentralisation de l’art sont devenus les partenaires, voire les acteurs du marché de l’art. Avec comme corollaire la politique de commande publique qui néglige la création au profit de l’art d’Etat.

Rien de tout cela dans le futur Moco, pôle d’un réseau dont l’objet sera de répondre à la masse d’informations et d’assumer ses choix en provenance de toute la planète. Mais aussi de revenir dans le passé pour désigner les tendances esthétiques importantes dans ce qui forge notre sensibilité.

En janvier la première expo constituera une rêverie inspirée de l’oeuvre de David Lynch. La démarche citoyenne et ouverte de ce centre d’art du XXIe siècle apparaît bien en cohérence avec le monde d’aujourd’hui.

JMDH

Compléter et consolider la place de Montpellier dans l’art

Le Centre d’Art Contemporain tient de longue date une bonne place dans la boîte à outils culturelle de Philippe Saurel dont le diplôme en histoire de l’art et l’expérience en urbanisme le rendent plus sensible aux arts plastiques qu’au spectacle vivant. Adjoint d’Hélène Mandroux en charge de la culture, le futur maire et Président de la Métropole de Montpellier évoquait déjà l’idée d’implanter un Centre d’Art dans les locaux de l’ancienne mairie.Trois jours après son élection, il transforme le Musée de l’histoire de France et de l’Algérie, lancé par son mentor Georges Frêche, en Centre d’art contemporain. Dans l’ancienne résidence militaire de l’hôtel Montcalm, les travaux sont réorientés pour accueillir cette nouvelle institution qui aura pour nom Moco. Le projet de Centre d’art contemporain tendra à consolider la place croissante qu’occupe Montpellier dans le secteur culturel, et plus particulièrement dans le domaine de l’art. Il complète les « outils » publics déjà existants, tels que le musée Fabre (Beaux-arts), le Pavillon populaire (photographie), le Carré Sainte-Anne (art contemporain), le Pavillon Bagouet (artistes régionaux), la galerie St Ravy (nouveaux talents). Le Moco constituera avec la Panacée et l’Ecole des Beaux-arts un trio dédié à l’art contemporain.

Source : La Marseillaise 07/12/2016

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These moving photos of the refugee crisis just won a Pulitzer Prize

Publié le 8 juillet 2016 par admin

Gripping images of Europe’s refugee crisis won the 2016 Pulitzer Prize for breaking news photography on Monday.

The judging committee said that the joint first place prize was awarded to Mauricio Lima, Sergey Ponomarev, Tyler Hicks and Daniel Etter’s work for The New York Times and the photography staffers of news agency Thomson Reuters for photos that « captured the resolve of refugees, the perils of their journeys and the struggle of host countries to take them in. »

Covering hundreds of miles and telling dozens of individual stories, the images capture people at an uncertain moment in their lives, on unknown roads to uncertain destinations:

Refugees arrive by a Turkish boat near the village of Skala, on the Greek island of Lesbos (The New York Times/Sergey Ponomarev – November 16, 2015).

Desperate refugees board the train toward Zagreb at Tovarnik station on the border with Serbia (The New York Times/Sergey Ponomarev – September 18, 2015).

Ahmad Majid, in blue T-shirt at centre, sleeps on a bus floor with his children, his brother Farid Majid, in green sweater at right, and other members of their family and dozens of other refugees, after leaving Budapest on the way to Vienna. (The New York Times/Mauricio Lima – September 5, 2015).

Migrants walking past a church, escorted by Slovenian riot police to a registration camp outside Dobova, Slovenia. The small Balkan nations along the path of the human migration through Europe have seen record numbers of refugees cross their borders, and have been overwhelmed in their ability to manage the human flow (Sergey Ponomarev, The New York Times – October 22, 2015).

A man tries to shield his child from police beatings and tear gas at the border crossing in Horgos, Serbia (The New York Times/Sergey Ponomarev – September 16, 2015).

After battling rough seas and high winds from Turkey, refugees arrive by rubber raft on a jagged shoreline of Lesbos. Fearing capsize or puncture, some panicked and jumped into the cold water in desperation to reach land (The New York Times/Tyler Hicks – October 1, 2015).
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Laith Majid, an Iraqi, broke down in tears, holding his son and daughter after they arrived safely in Kos, Greece, on a flimsy rubber boat (The New York Times/Daniel Etter – August 15, 2015).

An overcrowded inflatable boat with Syrian refugees drifts in the Aegean sea between Turkey and Greece after its motor broke down off the Greek island of Kos. (Thomson Reuters/Yannis Behrakis – August 11, 2015)

A Syrian refugee holds onto his children as he struggles to walk off a dinghy after crossing a part of the Aegean Sea from Turkey to Lesbos (Thomson Reuters/Yannis Behrakis – September 24, 2015).

Syrian migrants cross under a fence as they enter Hungary at the border with Serbia, near Roszke (Thomson Reuters/Bernadett Szabo – August 27, 2015).

A police officer tries to stop someone from boarding a train through a window at Gevgelija train station in Macedonia, close to the border with Greece (Thomson Reuters/Stoyan Nenov – August 15, 2015).

A Syrian man kisses his daughter as he walks through a rainstorm towards Greece’s border with Macedonia, near Idomeni (Thomson Reuters/Yannis Behrakis – September 10, 2015).

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Le vent se lève

Alors alors James, quelles nouvelles?

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