Théâtre Time’s Journey through a room de Toshiki Okada
Au CDN hTh la pièce scénarisée et mise en scène par Toshiki Okada s’insère dans la programmation entre le bruit et la fureur. Reconnu aujourd’hui comme une figure majeure des arts de la scène dans le monde, Toshiki Okada met en scène les complexités et les doutes d’un Japon hyper contemporain post-Fukushima.
C’est à la suite du séisme qui frappa la côte pacifique du Japon en 2011 que la vision théâtrale du dramaturge s’est orientée vers l’exploration de la validité de la fiction. Mettant à profit la capacité japonaise d’une interrogation profonde post traumatique à l’instar du Butô qui s’inscrivait en rupture avec les arts vivants traditionnels du nô et du kabuki, impuissants à exprimer des problématiques nouvelles. Né en réaction aux traumatismes laissés par la Seconde Guerre mondiale.
Un demi siècle plus tard, la catastrophe de Fukushima semble demander un nouveau dépassement. «?Les émotions qui ont surgi dans le coeur des Japonais durant les jours qui ont suivi la catastrophe n’étaient pas seulement limitées à la douleur et au mal-être?; il y avait également une lueur d’espoir, l’idée que les choses allaient s’améliorer par la suite. Aujourd’hui, alors qu’il n’est plus possible d’espérer ceux qui continuent de vivre sont tourmentés par les fantômes de ceux qui, avant de disparaître, croyaient en l’avenir.?»
Avec Time’s journey through a room Toshiki Okada construit un espace temps commun au passé et au présent qui semble imperméable à l’avenir. Dans cette forme d’expression post Fukushima, plus aucun appui n’est possible, les corps parlent en suspension, l’existence se cherche entre l’ombre et la lumière.
Fondateur du parti national fasciste italien, Mussolini arrive au pouvoir en 1922. Il engage aussitôt une politique de développement sportif de masse qui encadre l’activité physique sous l’autorité de l’Etat.
En reprenant l’idée de la fonction militaire de la gymnastique, déjà largement répandue en Europe au début du vingtième siècle, Mussolini utilise le sport comme un moyen de forger et d’embrigader les masses et la jeunesse, qu’il veut dynamiques, fortes et fidèle à leur chef selon sa devise « croire, obéir, combattre ».
La volonté uniformisatrice totalitaire du Régime se traduit par une politique de fascination qui embrasse tous les domaines de la société dont les milieux sportifs. Le régime fasciste italien encadre l’activité physique des jeunes par un système d’organisation pyramidale qui débute dès l’âge de 8 ans et la pratique obligatoire de la gymnastique se poursuit à l’âge adulte
Avant même le déploiement de la propagande nationale socialiste des jeux de Berlin en 1936, la dictature fasciste a été, sans aucun doute, le premier régime politique à mener une action d’envergure dans le domaine du sport et de l’éducation physique, allant de l’introduction massive des exercices corporels dans l’éducation des jeunes italiens, à la construction de stades aux allures futuristes, en passant par l’obtention de succès de prestige aux jeux olympiques.
En quoi le sport a-t-il pu constituer une politique à part entière s’inscrivant dans le projet fasciste de contrôle totalitaire ?
Pour répondre à cette question, l’historien italien Felice Fabrizio s’est intéressé au phénomène sportif comme un espace social à investir par le régime, devenant, après réorganisation, un instrument de contrôle des masses, visant à transformer le peuple italien en nation sportive.
Puisant notamment son inspiration dans l’œuvre de Wilhelm Reich, Fabrizio tient les exercices corporels pour un moyen essentiel de contrôle des pulsions par le pouvoir.
« L’instinct rationalisé »
il devait donc être canalisé vers des finalités d’utilité concrète afin que le sport puisse acquérir une fonction de première importance. Ainsi, à la lumière des travaux réalisés depuis trente ans, on peut résumer l’attitude initiale du Régime à l’égard du sport dans les préoccupations suivantes : maintenir l’ordre public, épurer les milieux sportifs des éléments jugés séditieux, et prendre le contrôle des principales organisations pour lancer des projets d’envergure dans le domaine de l’éducation physique et du sport. »
Dans la perspective de la « révolution anthropologique » qui devait transformer la « race italienne », au cœur du projet fasciste, la formation de l’homme nouveau passait d’abord par « la seule conception de l’homme identifié au citoyen soldat ».
C’est dans cette optique que l’éducation physique et les sports modernes furent mobilisés pour transformer physiquement et spirituellement le peuple italien.
L’homo sportivus
fasciste était à la fois un but concret à atteindre dans l’éducation des jeunes italiens et un élément de la politique de l’image mené par le Régime. La jeunesse fasciste devait se jeter avec bonheur dans l’action, elle devait se détacher des lois de la liberté jugée incertaine, de l’esprit démocratique tenu pour stérile.
Bruno Geslin travaille avec Salvatore Cappello, artiste circassien et le danseur performeur Nicolas Fayol, son complice de longue date. Ensemble, ils tentent d’imaginer comment le corps a pu être un instrument de propagande et d’embrigadement des masses en général et de la jeunesse en particulier. Et ils cherchent à comprendre en quoi la pratique sportive a constitué une politique à part entière s’inscrivant dans les projets fascistes de contrôle totalitaire.
Mise en scène par Bruno Geslin Parallèle sera donnée au Théâtre de Nîmes les 25 et 26 janvier 2017, à Montpellier à hTh les 2 et 3 mars 2017, les 22 et 23 mars au Théâtre de l’Archipel à Perpignan.
Performance Avec Nowhere, Marino Formenti ouvre un espace musical en ville où le temps s’abolit. Proposé par hTh avec la complicité du Printemps des Comédiens.
Jusqu’au 18 juin à 22h, Nowhere est un non-lieu au centre-ville de Montpellier occupé par le pianiste, chef d’orchestre, performer Marino Formenti. Dans les locaux privés d’Epitech, des matelas et des coussins sont posés dans les couloirs et les nombreuses pièces mises à la disposition du public qui y circule librement. Réparti sur deux niveaux, l’espace offre la possibilité de déplacement ou d’isolement. Les pièces sont vides ou occupées par des concitoyens avec qui il est possible de partager un moment d’intimité.
Dans l’une de ces salles, le pianistes enchaîne au gré de son inspiration, un répertoire riche et diversifié allant de la musique baroque à la musique contemporaine qu’il consigne toutes les quinze minutes au marqueur sur les murs. Leur lecture donne une idée des oeuvres jouées en notre absence: Erik Satie, Brian Eno, John Cage, Morton Feldman, Jean-Henri d’Anglebert, Gaspard le Roux en bien d’autres. A côté des titres figure l’heure d’interprétation, plus en lien avec la valeur de trace qu’avec un quelconque repère temporel. Car la sensibilité d’interprétation, le cadre où l’habituelle division entre scène et vie est abandonnée, tout comme les conventions et la relation à l’écoute, apportent une forme de plénitude où le temps et l’espace se fondent…
Né en Italie, Marino Formenti est l’un des interprètes les plus originaux de sa génération, pour la création des formes performatives nouvelles et expérimentales. Avec Nowhere, les activités de Marino Formenti se résument à jouer du piano et assurer ses besoins vitaux : manger, dormir, aller aux toilettes. « Une sorte de chapelle païenne où la vie et la musique peuvent se fondre. » C’est ainsi que Marino Formenti décrit son projet.
Jusqu’à samedi 22h, rien ne sert de lui adresser la parole, il ne vous répondra pas. Pour communiquer, il utilise des post-it sur lesquels il griffonne les quelques mots nécessaires à l’échange avec l’équipe d’encadrement. Pendant huit jours, il occupe l’espace où il réside et y joue douze heures quotidiennement.
Formenti « disparaît » dans la musique en nous entraînant dans une sédation plus ou moins forte ce qui explique peut-être que l’espace soit équipé de couchettes, comme les fumeries d’opium. Avec Nowhere, le musicien révèle sa capacité à réduire l’anxiété. Il procure une sensation de soulagement, de protection et ouvre de nouvelles fenêtres de respiration…
JMDH
Vous pouvez y assister : de 10h à 22h, 16 bd du Jeu de Paume, et 24/24h par live streaming sur le site d’hTh : www.humaintrophumain.fr
Le directeur du CDN Rodrigo Garcia évoque son spectacle Mort et réincarnation en cow-boy présenté à hTh du 10 au 14 mai.
Une fois n’est pas coutume, dans la perspective du prochain spectacle de la saison d’hTh, Rodrigo Garcia le directeur du CDN de Montpellier s’est prêté lundi au jeu des questions réponses avec la presse. Au coeur de cette rencontre la pièce Mort et réincarnation en cow-boy créée en 2009 au Théâtre national de Bretagne. « C’est peut-être la pièce la plus mystérieuse que j’ai fait » indique spontanément Rodrigo Garcia avec cet éclair singulier que l’on observe dans son regard alors que le reste de son apparence corporelle semble sortir d’un songe lointain.
Venant d’un metteur en scène considéré comme sulfureux, avant d’apparaître comme un grand auteur de la scène contemporaine européenne dont les pièces désarçonnent les attentes, le premier acte de cette qualification, qui appelle à la profondeur du mystère ne peut qu’attiser la curiosité. « C’est un diptyque, poursuit l’artiste, où se confronte le problème, toujours le même chez moi, d’être un auteur et un metteur en scène. »
S’ensuit une description sommaire du déroulement de la pièce scindée en deux parties. Dans la première s’exerce le mouvement dans la seconde, le texte. « Cela marque une dichotomie entre l’action sur le plateau et la littérature mais il demeure une ambiguïté, pas très clair dans ce rapport... » Que cultive sans doute le metteur en scène lorsqu’il demande à ses comédiens, qui ne disposent d’aucune expérience en danse contemporaine, d’interpréter des extraits d’une chorégraphie de Merce Cunningham.
« Il y avait cette idée de départ d’une personne à l’agonie, qui s’illustre dans la pièce par un extrait du film Cris et chuchotements de Bergman. Et aussi la volonté de rupture avec cet univers noir. J’ai demandé aux comédiens de danser le mieux qu’ils pouvaient mais aufinal, la recherche se révèle pathétique et la chorégraphie ridicule. C’était un moyen de casser la gravité. Comme l’arrivée de la musique, une basse et une guitare qui campentun univers de bruit et de douleur dans la création sonore de Vincent Le Meur dont le travail colore l’obscurité.»
La scénographie s’inspire des visions du plasticien américain Bruce Nauman. « J’imaginais un couloir étroit avec une cabane au fond dans une ambiance lynchienne avec de la drogue et des putes. Mais on ne trouve rien de tout ça finalement puisqu’à l’arrivée, comme dans un espèce de rêve, émerge du fond de la cabane un troisième personnage, une geisha... »
Et les cowboys dans tout ça ? « Pourquoi des cow-boys, je ne sais pas. C’est un stéréotype pour parler du quotidien. »
Fin de saison
A l’issue de cette présentation Rodrigo Garcia a évoqué les projets à venir d’hTh. L’accueil du spectacle Las Ideas de Frédérico Leon artiste phare de la scène indépendante argentine du 18 au 20 mai. Et celui du musicien Marino Formenti qui avec Nowhere jouera du piano à la vue de tous de 10h à 22h sans dire un mot pendant une semaine (16bd du jeu de Paume du 11 au 18 juin).
JMDH
hTh du 10 au 14 mai réservation . : 06 67 99 25 00. www.humaintrophumain.fr
Les comédiens Sofia Dias et Vitor Roriz , grandeur et subtilité . Photo dr
Antoine et Cléopâtre mis en scène par Tiago Rodrigues. Shakespeare est mort, vive Shakespeare…
Antoine et Cléopâtre, la pièce montée par Tiago Rodrigues, a été créée en mémoire à la tragédie de Shakespeare. « L’érosion du temps et du langage condamne la mémoire à l’incomplétude et, pour cela même, ouvre la porte à notre contribution personnelle », indique le jeune directeur du Théâtre National D. Maria à Lisbonne, invité par Rodrigo Garçia au CDN de Montpellier hTh. Les sources de la mise en scène empruntent à Plutarque comme l’avait fait lui-même le dramaturge dont on célèbre cette année les 400 ans de sa disparition.
Tiago Rodrigues change les valeurs relatives des incidences et des personnages secondaires, tire sur un fil de conscience, s’émancipe du texte pour se concentrer sur le couple prestigieux et donner toute la force au thème central de la pièce. L’histoire du couple Antoine et Cléopâtre qui assume les valeurs mythiques de leur passion dans les rapports avec l’histoire extérieure qui déterminera leur destin.
L’oeuvre en elle-même poussait à cet acte transgressif. Elle ne figure pas sur le podium des tragédies de Shakespeare en raison de sa structure construite sur une série de dichotomies?: Orient et Occident, raison et sentiments, masculin féminin, sexe et politique… Autant d’appels à la liberté dont Tiago Rodrigues et son équipe se saisissent en réduisant la distribution pharaonique à un duo intense.
Dans un corps étranger
Suivant la trame de Plutarque selon laquelle «l’âme d’un amant vit dans un corps étranger», dans ce spectacle, Antoine et Cléopâtre assurent et précisent la possibilité d’une transcendance des passions humaines au sein même de la corruption et du désespoir et en face de la mort. «Il est important de dire qu’étranger ne signifie pas éloigné, précise Tiago Rodrigues. Bien au contraire. Cette collaboration est née de la reconnaissance de l’affinité artistique à ce corps étranger. Bien qu’il soit étranger, nous pourrions l’imaginer nôtre.» Le propos fait écho à l’actualité, tout comme cette pièce complexe où la richesse et l’expérience humaine et poétique s’enchevêtrent. A cet endroit, Shakespeare n’infléchit pas la tragédie vers le drame politique.
Loin des contingences
Il est question d’une tragédie personnelle, dans le cadre d’une lutte gigantesque au cours de laquelle, malgré leur statut, les amants seront écrasés. Mais qu’importe, l’autre, l’étranger, ouvre sur une renaissance, sur les vastes perspectives d’un monde où l’homme pourrait se réconcilier avec ses passions.
Cléopâtre parle obsessionnellement d’un Antoine et Antoine parle avec la même minutie de Cléopâtre. L’amante décrit tous les faits et gestes de son amant vivant dans une mise en scène imaginaire. Et vice et versa. Le procédé offre des passages d’une grande beauté. La passion est traitée au présent de manière pleine et entière. Elle ne craint pas le passage du temps. Chacun garde sa personnalité et l’infléchit chez l’autre.
Toutes les épreuves contingence, absence, infidélité, tentation de puissance, honte de la défaite, n’ont d’autre effet que de renforcer l’emprise de l’amour, jusqu’au dépassement final.
L’espace scénique et la création lumière jouent sur l’instabilité et le mouvement permanent renforçant l’exaltation, la sensualité et la puissance des comédiens qui transmettent une énergie vitale.
JMDH
Ce soir et demain à 20h. Domaine de Grammont. Montpellier (34).
04 67 99 25 00 ou http://www.humaintrophumain.fr/web
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