Exposition. Quarante artistes andalous dressent le portrait de leur ville en marge de « l’appareil muséal ». Fin de fiesta à Séville au Miam à Sète tout l’été.
Après les expositions consacrées à Manille et Mexico, le MIAM (Musée des arts modestes) fondé par Hervé Di Rosa poursuit son exploration des grandes capitales culturelles en restant fidèle à son approche qui mêle cultures savantes, modestes et populaires pour ouvrir en grand l’accès au monde de l’art.
Cet été le MIAM redessine les contours de la capitale de la communauté autonome d’Andalousie à partir de ses créateurs contemporains. Sous le commissariat de l’artiste peintre Curro Gonzalez illustre représentant sévillan de la génération des années 80, période d’explosion du monde artistique qui accompagne la transition politique vers la démocratie.
Chimpanzé aux castagnettes
Fin de fiesta à Séville fait découvrir à un large public près d’une quarantaine d’artistes de renommée nationale et internationale. Du chimpanzé à castagnettes de Jabi Machado à la femme qui fume au lit avec un toro de Pilar Albarracin, en passant par les terres cuites à l’arsenic d’Anna Jonsson le parcours revisite la gloire et la splendeur de Séville.
On songe à la tournure spéciale qu’a pu prendre l’art contemporain en Espagne. Pays où les circonstances politiques exceptionnelles, qui maintinrent la monarchie dans une situation d’isolement prolongé, ont accentué les contrastes. Ce marquage torride s’accentue encore pour les artistes sévillans dont la ville au passé prestigieux, a légué un patrimoine artistique d’une immense richesse.
Vitalité créative
Parce qu’elle évoque la réalité, populaire et sans fard, l’expo met à mal l’auréole d’un certain prestige celui de son histoire glorieuse surexploitée par l’économie touristique, les fêtes traditionnelles et toutes ces Carmens dans leurs robes à pois mais aussi sa modernité de façade. Celle de son développement urbain sans âme pour accueillir devises et visiteurs d’Expositions universelles.
Maria Canas qui qualifie son travaille de « vidéomachie », monte un puzzle corrosif des quartiers pauvres «Le meilleur endroit du monde pour mourir» selon un de ses habitants. Joan Rodriguez filme la ferveur, le sang et les larmes de la semaine sainte. Antonio Sosa entoure ses Christs de vie quotidienne.
Tous les artistes se libèrent le cœur et l’esprit sans renier leur attachement à la grande Séville.Tous assument l’héritage mais parviennent à le dépasser, dans une fougue et une vitalité créative salvatrice. Leurs oeuvres, comblées de mémoire vivante, préservent une âme espagnole magnifiée par le mouvement de ceux qui y vivent avec une sensualité certaine.
Jean-Marie Dinh
Fin de fiesta à Séville au MIAM à Sète jusqu’au 21 septembre.
Exposition. « La Mélancolie à Ressorts », cet été au Carré Ste-Anne de Montpellier.
Le Carré Sainte-Anne ouvre les portes de son espace désacralisé à Robert Combas jusqu’au 21 septembre. Pilier de la figuration libre, Combas investit ce lieu particulier avec conscience, son goût pour le mystère le porte à l’approfondissement, un peu comme si l’artiste s’était fixé l’objectif d’inventer de nouvelles prières païennes pour avoir le privilège d’en saisir toute l’âme.
Il joue, s’inspire des effets lumineux colorés des vitraux projetés par la lumière naturelle sur l’intérieur de l’église. Associe les effets dynamiques et les formes floues et aléatoires à la scénographie de l’exposition. Pour habiter le lieu, Combas s’empare des formes et des volumes de l’édifice néogothique qu’il fait sien en le peuplant de personnages.
L’univers vivant de l’artiste transporte sa propre mythologie, les êtres humains et les animaux se constituent d’éléments et de fantasmes en circulation. A l’image de sa sculpture de femme qui se fond dans l’architecture autant qu’elle occupe avec une présence forte le cadre spatial. Coiffée d’une caravelle, elle semble explorer le temps. L’allure de ce grand personnage est à la hauteur des colonnes de marbres, ses bras détendus, presque passifs, contrastent avec l’intensité de son couvre-chef qui change de voilure.
Chez Combas, la force du corps sur lequel s’inscrivent les éléments de la vie, s’impose. Et l’oeuvre, nourrie d’enthousiasme et de désinvolture, évolue dans le temps et l’histoire.
Danse et photographie sont deux arts de l’éphémère et de l’espace. L’espace sculpté par le geste chorégraphique et l’espace investi par celui du photographe se rencontrent une nouvelle fois au Festival Montpellier Danse.
Artiste invité du festival, le photographe Grégoire Korganow réalise une création au long cours baptisée Sortie de Scène. Ce projet, actuellement visible sur les murs de l’Agora, s’opère avec un petit déplacement dans l’espace et dans le temps qui offre une vraie et nouvelle proximité avec les danseurs. Le photographe a souhaité installer un autre rapport à l’image en imaginant une exposition avec des prises de vue réalisées en « sortie de scène ».
« Je photographie la danse en creux sur le corps arrêté des danseurs. Ce n’est pas le mouvement qui m’intéresse mais sa trace sur l’interprète immobile ». Ce travail s’inscrit dans la continuité d’une oeuvre liée « au corps de l’autre ».
En 2011 Grégoire Korganow part à la rencontre des femmes, hommes, et enfants, victimes civiles des attentats en Irak. Il en revient avec Gueules cassées, une expo qui montre leur visage et leur corps meurtris « pour que nous ne les oublions pas ». Le photographe a récemment présenté Père et fils, une série saisissante mettant en scène des pères, de 30 à 80 ans, torse nu, avec leur fils de quelques mois pour les plus jeunes ou entrés dans la cinquantaine pour les plus âgés. Les personnages peau contre peau attisent l’imaginaire du spectateur dont l’artiste recherche le questionnement. « La nudité des corps jette le trouble, brouille un peu les pistes ».
Depuis le début du festival, Grégoire Korganow a installé son studio à l’Agora. Sortie de Scène le conduit à travailler dans une grande immédiateté. Il s’immerge dans les créations chorégraphiques en étant lui-même en situation de création. La série de plus de deux cents portraits déjà réalisés constitue un fil témoin qui fera trace de cette édition. Elle dit aussi le rapport intrinsèque du danseur avec son corps.
Grégoire Korganow capture l’espace d’un instant l’essence au plus près du geste. Les personnages reprennent leur esprit tandis que leurs corps semblent encore ailleurs. « C’est le silence après la dernière note que je souhaite explorer. Ce que le corps dit encore quand le mouvement s’arrête ».
Jean-Marie Dinh
Le travail que conclut Grégoire Korganow occupera les murs de l’Agora jusqu’à la fin de l’année A voir aussi une installation de portraits croisés jusqu’à la fin juillet : Entretien à Montpellier.
Souvenir du photographe de presse
Grégoire Korganow fait ses premiers pas en tant que reporter en 1992 en suivant les mutations de l’ancien bloc soviétique. En 1993, il débute une collaboration de près de dix ans avec Libération. Ses images sont régulièrement publiées dans la presse. « Je suis arrivé à la photo par le militantisme. Mon expression c’était la photo plutôt que de tenir des banderoles. » Il était notre invité en conférence de rédaction où il a évoqué la place et le travail difficile des photographes de presse. Grégoire a connu l’âge d’or du métier.
« Je suis un bébé Libé. C’était mon rêve de bosser pour Libé qui avait une vraie politique photo. Je l’ai réalisé pendant dix ans, puis j’ai bossé pour Géo, Marie-Claire et différents titres. »
Il a aussi observé le déclin d’une profession dont il défend toujours l’utilité même s’il a lui-même pris des distances. « J’ai rendu ma carte de presse en 2009 parce que personnellement, l’espace ne me convenait plus. Je pensais que la photo n’était plus considérée comme une écriture en soi, que l’on attendait plus que le photographe s’investisse dans le récit. J’avais une certaine amertume et le sentiment que l’on me demandait des taches colorées dans les maquettes. On voulait de l’efficace, il y avait moins de place pour les images décalées. »
Depuis, la situation s’est encore complexifiée pour les photographes de presse dont le regard est pourtant toujours important. « J’ai des copains qui continuent ce métier, certains partent en Ukraine, en Syrie, d’autres s’attachent à l’actu ici. On a besoin de ces gens-là.»
Le photographe commente l’actualité
Pôle emploi : l’oeil de Grégoire
Photo Dr
« Je me souviens des sujets dictés par l’augmentation du chômage ou par l’aggravation de la crise, quand on m’envoyait à Pôle Emploi. C’était un vrai casse-tête. Les rédacteurs ne se rendent pas toujours compte des problèmes auxquels les photographes sont confrontés. Quand vous devez écrire, vous avez toujours de la matière, des rapports, des dossiers presse, des éléments d’appui pour traiter votre sujet… Mais quand vous vous retrouvez de bon matin avec votre appareil dans le morne quotidien d’une agence pour l’emploi pour la dixième fois – et je peux vous assurer que ces endroits ne sont pas photogéniques – là, vous connaissez de grands moments de solitude. Je me rabattais sur les files d’attente ou je faisais des gros plans sur les annonces d’emploi. Aujourd’hui le sujet consiste à présenter une personne qui a été nommée et qu’on ne connaît pas. C’est un exercice où l’on doit s’adapter rapidement. Le métier de photographe fait appel à des trésors d’inventivité. »
Manif des sans papiers : l’oeil de Grégoire
Photo Télérama
« Etre sans papier, c’est cumuler les injus tices, les discriminations et les inégalités mais c’est aussi avoir un rapport à l’image très particulier. A partir du moment où vous êtes censé ne pas exister, la question qui se pose au photographe c’est : comment montrer ce qui n’existe pas… Ce problème est intéressant et l’évolution dans son traitement m’a beaucoup impressionné.
Au début on floutait les visages pour les rendre anonymes. Il a fallu du temps mais petit à petit on a réussi à sortir de ce statut complètement insatisfaisant et honteux pour les personnes concernées, pour les photographes , pour les lecteurs et même pour les politiques. Aujourd’hui on peut faire des vrais portraits. Ce qui signifie à travers le regard que l’on porte que ce sont des gens comme tout le monde. La photographie a permis cette avancée.
En même temps cela reste un acte de dignité et de courage pour les personnes qui s’exposent. Car ils risquent toujours la garde à vue ou le centre de rétention. Même si les choses ont évolué, il n’est pas anodin de prendre en photo des personnes qui n’ont pas de papier. Cela demande au photographe d’être à la hauteur».
Grégoire Korganow. Le photographe invité ose le corps-à-corps avec la danseet les danseurs. Il est le passeur de la 34e édition de Montpellier Danse.
Le photographe Grégoire Korganow travaille sur un projet de création photographique autour de la danse. Tout au long du festival, il installera son studio photo à l’Agora cité internationale de la danse et prendra des clichés des danseurs en sortie de scène. Il exposera chaque jour son butin en images dans tous les espaces de l’Agora. Rencontre
Comment photographier le mouvement ?
La danse immobile m’intéresse plus que la danse. Avec ce projet, je souhaite suggérer ce qui s’est passé à travers les stigmates, l’énergie, l’émotion laissés sur le corps… Je veux proposer une exploration de la photographie en creux.
C’est une approche singulière vous visez à montrer l’invisible ?
L’invisible et l’indicible oui. Aujourd’hui on peut tout montrer. Nous vivons les conflits mondiaux en direct. Je trouve intéressant de dématérialiser. Ce qui m’intéresse c’est ce qui se passe avant et après le drame. Je pense que la part de l’imaginaire devient plus importante que l’image en elle-même. L’image n’est qu’un résumé, une invitation à raconter. Je me sens plus passeur que témoin.
Pourquoi capter les danseurs à la sortie du plateau ?
Cela aurait pu aussi être l’avant scène. Quand je faisais des paysages, je travaillais toujours à l’aurore ou au crépuscule. Au moment où la lumière jaillit ou quand l’obscurité l’éteint, aux moments où tout est possible. La photographie aime bien le drame. Les danseurs seront les acteurs d’une fiction. Ils seront mes héros. Je pourrai plus facilement me les approprier dans un espace qui peut évoluer.
Vous jubilez déjà …
Le métier de photographe oscille entre le don et l’appropriation. C’est un jeu de tension permanent que je trouve sublime car au final l’image est évidente.
Quel rapport avez-vous avec le milieu de la danse ?
J’ai eu un grave accident de moto qui m’a cloué un certain temps au lit. Un chorégraphe intervenait à l’hôpital. J’ai saisi comment son métier le mettait en danger. Je me suis ouvert à ce monde à cette occasion. Cela ne m’a pas donné envie de faire des photos de danse mais de mêler l’écriture chorégraphique et photographique.
Ces deux langages vous semblent-ils proches ?
Je suis fasciné par la très grande liberté d’expression de la chorégraphie. C’est un monde non cloisonné où tout est possible. Il n’y a pas d’académisme. La danse contemporaine peut se nourrir de tout. Elle est comme une caisse de résonance de la société, de sa violence, de sa poésie. On met un pied dans le réel et la légèreté t’emmène… J’envisage mon travail de photographe de la même manière.
Mais le rapport au temps diffère…
Le temps de création chorégraphique est un temps long, puis vient le spectacle vivant avec tout ce qui se passe sur le plateau. Pour la photographie, il y a un travail de rétention. On se remplit et à un moment on lâche. C’est un temps court. Je suis passé au film parce que j’avais besoin d’un temps long.
Comment appréhendez-vous l’art numérique ?
Je regarde la génération du numérique avec envie et crainte. Le champ est immense. Je pense que la création ne fait que réinventer ce qui s’est déjà fait. Le numérique démocratise le côté bourgeois qu’avait la photo. Aujourd’hui l’image a pris le pouvoir. L’acte photo a perdu.
Vous proposez une proximité entre public et danseur ?
Je souhaite favoriser l’immédiateté et l’immersion dans la création. Par ailleurs je propose une installation sur la base d’une inversion où le public en mouvement ira vers le danseur à l’arrêt. L’oeuvre écrase trop souvent le spectateur.
La culture était pour Pasolini « l’interprétation d’une existence entière »
Théâtre. « Une vitalité désespérée ». Que la conscience fougueuse nous emporte ce soir à l’ENSAD…
C’est inhabituel mais en cette saison, les spectacles se font rares… Pour tromper la morosité sans perdre le fil avec le mouvement qui traverse le monde du spectacle vivant, on vous conseille vivement d’aller voir Une vitalité désespérée jusqu’à ce soir à (Ensad). C’est le premier spectacle programmé dans le cadre du Printemps des Comédiens qui joue en accord avec le mouvement unitaire des intermittents du Languedoc-Roussillon. Les élèves de première année qui se sont déclarés solidaires du mouvement peuvent ainsi livrer le fruit de leur travail au conservatoire d’Art dramatique de Montpellier. En revanche le spectacle de la promotion de 2011 – les 3e année en fin de parcours – qui devaient donner Les balayeurs de l’Aube dans le Bassin du Domaine d’O, ont rejoint les grévistes.
Le spectacle, comme son titre, est plutôt de circonstance. Il a été conduit par l’homme de théâtre Christophe Perton, viscéralement lié à la création et aux écritures contemporaines. On passe deux heures captivantes, habilement construites autour de la vie et l’oeuvre de Pier Paolo Pasolini qui se confondent dans une incandescente trajectoire. A partir de bandes documentaires, d’extraits de pièces, de lettres et de poèmes Christophe Perton confie au douze élèves de l’Ensad la tâche de déployer la radicalité critique de l’artiste engagé. Un pari risqué et réussi. L’espace de jeu laissé aux acteurs permet d’atteindre une extrême exigence, de toucher l’immense sensibilité dans une douleur et une violence assumées.
L’intensité emplit la salle. L’énergie et la puissance revendicative propres à la jeunesse se libèrent sur les planches dans une mise en scène précise qui emprunte au cinéma pour les cadres, et à la chorégraphie pour la mise en espace.
La vision politique de Pasolini était de donner une explication sans tabou à l’angoisse qui habite la société bourgeoise. Le résultat d’une telle puissance de vie était jugé trop de gauche et l’est toujours, au point que l’on souhaite aujourd’hui encore, sa mort.
JMDH
Ce soir à 20h à l’Ensad, 19 rue Lallemand à Montpellier, entrée libre.
Le spectacle est dédié à la mémoire de Richard Mitou
