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Montpellier Danse : La création face à la noirceur comme un phare dans la nuit

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Sharon Eyal & Gai Behar OCD Love. Crédit Photo Ron Kedmi

Sharon Eyal & Gai Behar OCD Love. Crédit Photo Ron Kedmi

La 36e édition s’est clôturée samedi avec le sentiment d’avoir fait de nombreuses rencontres artistiques qui disent le monde d’aujourd’hui. Les déclarations de Jean Paul Montanari attestent cependant d’un regard paradoxal qui pose la question d’une restructuration.

Il serait injuste de bouder notre plaisir, celui que nous ont transmis bon nombre de chorégraphes invités cette année en provenance des quatre coins du monde. La question des origines notamment méditerranéennes posée cette année, comme celle de la transition semble avoir hanté le directeur artistique.

La sidérante et très actuelle pièce OCD Love (première en France) de la Chorégraphe Sharon Eyal associée au compositeur et Dj Gai Behar s’inscrira dans la mouvance d’un art habité plutôt mondial, tandis que la levée de rideau du festival sur The Primate Trilogy de l’Américain Jacopo Godani, successeur de William Forsythe à la tête de la Compagnie de danse de Dresde-Francfort, résume le savoir-faire irréprochable de la danse américaine, juste en oubliant l’âme et la pensée.

Mais une fois encore le Festival Montpellier danse a résumé dans une longue prise de vue panoramique les horizons chorégraphiques du moment. Nous devons les grands temps de cette édition à la Sud africaine Robyn Orlin avec la présence écarlate du performer Albert Ibokwe Kholza, à la liberté que le chorégraphe burkinabé Salia Sanou exprime dans Du désir d’Horizons, au céleste Still Life de Dimitris Papaioannou et aux engagements indisciplinés de la Franco-Algérienne Nacera Belaza ou de l’Iranien Hooman Sharifi.

Avec 32 000 spectateurs et un taux de fréquentation de 89% l’institution artistique Montpellier Danse a répondu cette année à l’extension métropolitaine en assurant une présence dans quinze villes de la Métropole. « Que vous le vouliez ou pas, vous nous avez transmis le goût et l’intensité de l’art chorégraphique, résumera le vice-président en charge de la culture métropolitaine, Bernard Travier à l’attention de Jean-Paul Montanari qui annonce dans le rôle de Cassandre la disparition de la danse contemporaine.

Le Festival et son directeur prévoient pour l’année prochaine un retour au ballet romantique avec Gisèle par le ballet du Capitole ainsi que la présence du ballet de Lyon et d’Amsterdam. Gageons que le festival maintiendra son soutien à la création, Sharon Eyal et Marlène Freitas sont déjà dans les tablettes de 2017.

 

 JEAN PAUL MONTANARI ET LE TROIS EN UN

S’il est attentif à l’évolution de l’art, le directeur de Montpellier Danse l’est aussi concernant l’évolution du secteur culturel montpelliérain. Aussi le dernier des Mohicans de l’ère culturelle frêchienne, qui constate une légère érosion de la fréquentation, a-t-il lancé l’idée non conventionnelle d’un regroupement des trois grands festivals de l’été, le sien, le Printemps des Comédiens et le Festival de Radio France.

Selon Jean-Paul Montanari, cette fusion qui pourrait également concerner le CDN dirigé par Rodrigo Garcia, serait une manière de renforcer la puissance culturelle de Montpellier face à Marseille, Aix, ou Avignon. Mais  s’ils ne s’opposent pas à une meilleure communication, voire à trouver des synergies, les deux autres directeurs de festival concernés, Jean Varela pour le Printemps des Comédiens et Jean Pierre-Rousseau pour le festival de Radio France ne l’’entendent pas de cette oreille. Le public fidèle des différents événements non plus, car il a bien saisi que cette restructuration aboutirait nécessairement à une réduction de l’offre culturelle.

A l’heure où le Conseil Départemental et la Métropole se disputent la compétence culturelle, cette question est éminemment politique. Le président de la Métropole a déclaré que cette idée pouvait être creusée. La présidente de Région Carole Delga, premier partenaire financier du festival de Radio France, a souligné l’importance de conserver l’identité forte et lisible de chaque festival.

Montanari, dont le goût pour la provocation est connu s’amuse-t-il à vouloir redistribuer les cartes, ou joue-t-il le rôle de poisson pilote de Philippe Saurel ?

JMDH

Source : La Marseillaise 12/07/2016

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Jean-Pierre Rousseau : « Radio France est revenu en force, c’est un signe positif »

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Jean-Pierre Rousseau à temps plein sur le festival qui ouvre lundi avec « Les mille et quelques nuits » Photo Marc Ginot L'utilisation de l'article, la reproduction, la diffusion est interdite - LMRS - MARC GINOT

Jean-Pierre Rousseau à temps plein sur le festival qui ouvre lundi avec « Les mille et quelques nuits » Photo Marc Ginot

Jean-Pierre Rousseau a été nommé directeur de la Musique de Radio France par Mathieu Gallet. Il est aujourd’hui directeur du Festival de Radio France qui débute lundi à Montpellier.

Il a été directeur général de l’Orchestre philharmonique royal de Liège, institution qu’il a profondément restructurée et tournée vers l’international. Jean-Pierre Rousseau a également été producteur responsable de la musique symphonique, à la Radio Suisse Romande.

Depuis votre nomination à la direction en 2014, vous avez assuré une transition l’année dernière qui offre à nouveau des perspectives au festival de Radio France. Aujourd’hui, les feux semblent au vert. Dans quel état d’esprit abordez vous cette nouvelle édition ?

J’entendais, il est vrai l’année dernière de façon pesante que ce serait sans doute le dernier festival, pour un certain nombre de causes comme la position de Radio France à l’égard du festival, la grève qui avait marqué la Maison ronde, les incertitudes liées à la grande région… Pour toutes ces raisons, nous devions réussir l’édition 2015, pas seulement pour les 30 ans, mais parce que c’était le meilleur plaidoyer pour pérenniser le festival. J’ai expliqué à mon équipe que nous étions en campagne, qu’il fallait motiver nos partenaires afin qu’ils nous épaulent. Avec le soutien du PDG Mathieu Gallet, nous avons rappelé à toutes les chaînes de Radio France que leur festival se déroule ici. La présidente de Région Carole Delga vient de le réaffirmer, c’est un festival emblématique pour le maillage du territoire et le large accès à la culture qu’il propose à tous, avec plus de 90% de manifestations gratuites. Nous avons conquis 120 000 auditeurs l’an passé. Je suis donc dans un état d’esprit serein, puisque le dernier CA qui s’est tenu en février à Paris confirme la convention cadre avec nos deux principaux partenaires jusqu’en 2019 voir en 2020, et à la fois conscient du travail de développement qu’il reste à mener.

Pourquoi avoir quitté vos fonctions de directeur de la Musique de Radio France ?

Historiquement la fonction de directeur de la Musique n’est pas liée à celle de la direction du festival, même si elle a pu être cumulée à certaines périodes. Mathieu Gallet m’a nommé à la direction de la Musique en me demandant de prendre aussi celle du festival, je ne sais pas comment j’aurais fait en cumulant les deux fonctions. C’est humainement impossible. Pour Radio France , je gérais 200 concerts dans l’année avec un budget de 60 millions. Pour le festival, je gère 200 concerts en trois semaines avec 3,9ME de budget, ce qui demande une implication complète. Je suis très heureux d’avoir fait ce choix.

Outre le maillage du territoire régional votre mission consiste aussi à hisser le festival au niveau des grands rendez-vous musicaux européens. Avez-vous des pistes ?

Je dispose d’une équipe qui fonctionne bien. J’ai aidé à répondre à un certain nombre de questions. De par la présence de Radio France, nous ne sommes pas un festival comme un autre. Au-delà des 120 000 auditeurs , combien en concernons nous par les ondes et la diffusion numérique ? Le Fantasio créé l’an passé a été demandé par 34 radios publiques dans le monde. Je pense que nous devons optimiser notre communication et mettre en place des outils qui valorisent le festival au-delà du territoire en démultipliant les capteurs de ce potentiel fugitif. Le fait que Radio France soit revenu en force sur le festival est à cet égard très positif.

Quelle est votre position sur la proposition émise par Jean-Paul Montanari de fusionner les trois grands festivals montpelliérains, Le Printemps des Comédiens, Montpellier Danse et Radio-France au sein d’une même entité pour gagner en visibilité internationale ?

Je comprends les raisons du directeur de Montpellier Danse. Ce n’est du reste pas une idée nouvelle. Quels seraient les avantages, les inconvénients et les conséquences d’une fusion ? Je partage l’idée qu’il faut mieux exploiter l’enchaînement de ces trois festivals, mais je ne suis pas convaincu qu’en matière de culture un chapeau unique serait plus vendeur. Pourquoi faire un seul festival ? Dans ma position , je peux me permettre de jouer les naïfs. Cela représente un risque sérieux pour que les partenaires diminuent leur contribution et je ne vois pas de gain pour le public.

Au final la balance penche plutôt du côté des inconvénients mais je rejoins l’idée de Jean-Paul Montanari pour unir nos forces.

Voyage d’Orient, la thématique 2016 du festival semble inscrire la musique comme un vecteur d’altérité…

Le choix de cette thématique s’est opéré avec Corinne Delafons en charge de la programmation avec qui je collabore très bien, nous sommes très complémentaires. Ce choix nous fait quitter le terrain rationnel. Il a pour vocation de proposer une invitation et de tracer des perspectives qui éclairent aussi bien les artistes que le public. Au départ il y avait une intuition et le constat que l’Orient pâtit d’une image catastrophique depuis la fin de la seconde guerre mondiale, avec l’embourbement du conflit israélo-palestinien, les révolutions arabes, Daesh… L’image de ces cultures qui nous ont tant fascinés jusqu’au début du XXe est devenue plutôt négative. Le choix de ce thème, permet de rappeler que l’Orient est aussi une immense source d’inspiration notamment musicale.

Comment avez-vous déployé la programmation autour de l’Orient ?

Nous proposons une exploration, partielle et subjective à l’instar de la soirée d’ouverture Mille et quelques nuits réunissant Lambert Wilson, Karine Deshayes, Michael Schønwandt et l’Orchestre national de Montpellier autour des secrets de Shéhérazade. Une création et une relecture des oeuvres de Nielsen,Rimski-Korsakov, et Ravel. On peut citer la chinoiserie d’ Offenbach, Ba-Ta-Clan, Des programmations thématiques au parfum oriental comme La route du thé ou Aimez-vous Brahms ? qui était fasciné par la liberté tsigane, tourneront en Région au même titre que des orchestres symphoniques qui sont programmés à Mende et Perpignan.

Il semble que l’offre pourtant très suivie des concerts gratuits de 12h30 et 18h30 soit en recul ?

Ces propositions autour de des jeunes solistes talentueux et de la musique de chambre sont maintenues. Il peut y avoir un effet d’optique notamment sur la première semaine où se cumule l’arrivée du Tour de France le 13 et le 14 juillet. Nous sommes aussi dans une nouvelle répartition territoriale à budget constant. Il faut néanmoins rappeler que 90% des concerts sont gratuits. C’est le cas notamment pour la musique électro avec Tohu Bohu, ainsi que toute la programmation Jazz au Domaine D’o . Ce principe de gratuité est réaffirmé.

Poursuivez vous l’exploration des oeuvres méconnues ?

Oui cela participe à l’identité du festival. On pourra voir cette année à Montpellier Marco Polo et la princesse de Chine, Iris de Mascagni. Et l’opéra Zoroastre de Rameau qui est rarement donné.

 

Recueilli par JMDH

 Du 11/07 au 26/07. Informations : http://www.festivalradiofrancemontpellier.com

Source : La Marseillaise 11/07/2016

Voir aussi : Actualité France, Rubrique Festival,  rubrique Musique, rubrique Politique, Politique Culturelle, rubrique Montpellier, rubrique Rencontre, rubrique Médias,

 

Festival. Les sept escales lumineuses de Jazz à Sète

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Stanley Clarke à l'affiche de Jazz à Sète cette année

Stanley Clarke à l’affiche de Jazz à Sète cette année

21 ème édition du festival Jazz à Sète, juste pour le plaisir du 13 au 19 juillet.

Fidèle au poste, le capitaine et directeur artistique Louis Martinez, a présenté jeudi au Dôme l’édition 2016 de Jazz à Sète, 21ème du nom. Un moment renouvelé qui met les fidèles amateurs en appétit. Sept soirées d’exception où l’amour du jazz est rythmé par la relation à l’espace qu’offre le Théâtre de la mer. Tandis  que le souffle de la musique se diffuse le regard porte nos esprits vers d’autres rivages, avec cette vertu particulière qui fait éclater les sphères individuelles.

Ce lieu d’échange est d’autant plus propice à la sérénité que le goût du jazz se trouve en partage, ouvert à l’air libre et marin. S’il est une sensation qui caractérise la programmation de Jazz à Sète, c’est bien celle du plaisir pure. Elle appréhende simultanément les dimensions du genre généralement séparées par la spécialisation. Cette année encore, le jazz traditionnel côtoiera la soul, le jazz-rock, la folk, le rythm ’n blues et même le hip hop.

Le  souffle du rêve
L’ouverture sera marquée par le retour de Snarky puppy qui, outre le fait d’avoir fait entrer la tempête dans le théâtre l’an passé, peut symboliser par sa vitalité et sa fusion instrumental l’esprit du festival. Le collectif basé à Brooklyn, compte plus d’une cinquantaine de musiciens qui se produisent selon des géométries variables entre neuf et quinze d’entre eux sont attendus pour mettre le feu. La saxophoniste Géraldine Laurent, élue musicienne de l’année par Jazz Mag, apportera à cette soirée un complément de souplesse appréciable.

Le lendemain la jeunesse virtuose prend le pouvoir avec Cory Henry dont le jeu d’orgue capture l’essence même du jazz et du gospel. Il est accompagné de cinq musiciens dont le plus vieux n’a que 24 ans. Le jeune trompettiste (28 ans) Christian Scott natif de la Nouvelle-Orléan partage cette soirée en y faisant entrer des touches rock, soul et hip hop.

Le 15 juillet annonce l’accueil de la légende vivante Stanley Clarke pour son troisième passage à Sète de retour avec son dernière album  «Up». Un autre bassiste et contrebassiste marquera cette soirée de son élégance avec Kyle Eastwood qui a démontré son talent de compositeur dans les film de son père avant de s’affirmer sur les scènes internationales.

Le samedi 16 juillet la soirée spéciale Fip sera pleine de couleurs avec le pianiste Thomas Enhco emporté par la magie de l’amour.  L’accordéoniste Vincent Peirani, étoile montante du jazz européen et son quintet, enfin la rencontre prolifique entre les guitaristes  Sylvain Luc & Luis Salinas.

La soirée du 17 juillet est une ouverture sur le hip hop avec le collectif Jurassic 5 qui feront la démonstration que le genre fait bien partie de la famille Jazz. La première partie de la soirée est assurée par la talentueuse NDobo-Emma  lauréate du tremplin national organisé par Jazz à Sète. Le 18 juillet soirée tonic avec les californien Vintage Trouble révélation rythm’n blues et Soul de la décennie. Malted Milk & Toni Green et leur cocktail bluesy funky seront là pour donner le change. La fin du festival est pensée en douceur avec le duo soyeux Jell-OO et la rayonnante Diana Krall.

JMDH

Source La Marseillaise 21/05/2016

Voir aussi : Rubrique Festival, rubrique Musique,

Performance de Marino Formenti. « Nowhere » comme une respiration

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Performance
Avec Nowhere, Marino Formenti ouvre un espace musical en ville où le temps s’abolit. Proposé par hTh avec la complicité du Printemps des Comédiens.

Jusqu’au 18 juin à 22h, Nowhere est un non-lieu au centre-ville de Montpellier occupé par le pianiste, chef d’orchestre, performer Marino Formenti. Dans les locaux privés d’Epitech, des matelas et des coussins sont posés dans les couloirs et les nombreuses pièces  mises à la disposition du public qui y circule librement. Réparti sur deux niveaux, l’espace offre la possibilité de déplacement ou d’isolement. Les pièces sont vides ou occupées par des concitoyens avec qui il est possible de partager un moment d’intimité.

Dans l’une de ces salles, le pianistes enchaîne au gré de son inspiration, un répertoire riche et diversifié allant de la musique baroque à la musique contemporaine qu’il consigne toutes les quinze minutes au marqueur sur les murs.   Leur lecture donne une idée des oeuvres jouées en notre absence: Erik Satie, Brian Eno, John Cage, Morton Feldman, Jean-Henri d’Anglebert, Gaspard le Roux en bien d’autres. A côté des titres figure l’heure d’interprétation, plus en lien avec la valeur de trace qu’avec un quelconque repère temporel. Car la sensibilité d’interprétation, le cadre où l’habituelle division entre scène et vie est abandonnée, tout comme les conventions et la relation à l’écoute, apportent une forme de plénitude où le temps et l’espace se fondent…

Né en Italie, Marino Formenti est l’un des interprètes les plus originaux de sa génération, pour la création des formes performatives nouvelles et expérimentales. Avec Nowhere, les activités de Marino Formenti se résument à jouer du piano et assurer ses besoins vitaux : manger, dormir, aller aux toilettes. « Une sorte de chapelle païenne où la vie et la musique peuvent se fondre. » C’est ainsi que  Marino Formenti décrit son projet.

Jusqu’à samedi 22h, rien ne sert de lui adresser la parole, il ne vous répondra pas. Pour communiquer, il utilise des post-it sur lesquels il griffonne les quelques mots nécessaires à l’échange avec l’équipe d’encadrement. Pendant huit jours, il occupe l’espace où il réside et y joue douze heures quotidiennement.

Formenti « disparaît » dans la musique en nous entraînant dans une sédation  plus ou moins forte ce qui explique peut-être que l’espace soit équipé de couchettes, comme les fumeries d’opium. Avec Nowhere, le musicien révèle sa capacité à réduire l’anxiété. Il procure une sensation de soulagement, de protection et ouvre de nouvelles fenêtres de respiration…

JMDH


Vous pouvez y assister : de 10h à 22h, 16 bd du Jeu de Paume, et 24/24h par live streaming sur le site d’hTh : www.humaintrophumain.fr

Source : La Marseillaise 15/06/2016

Voir aussi : Actualité France Rubrique Musique, rubrique Montpellier,

Dumping social chez les chanteurs lyriques français

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Pourquoi les scènes lyriques qui vivent à 50% grâce aux subventions publiques boudent-elles les chanteurs français ? La question est épineuse dans le milieu de l’art lyrique. Il a fallu plusieurs mois pour obtenir témoignages et données chiffrées.

Tout le monde le sait mais personne n’en parle. Un rapport du ministère de la culture a finalement chiffré ce phénomène en novembre 2014 : les maisons d’opéra, les festivals d’art lyrique et les structures de concerts n’emploient que 30% de chanteurs domiciliés fiscalement en France, au profit des chanteurs étrangers.

Ce rapport est né de l’initiative de solistes français qui en juillet 2012 se sont organisés en collectif, sous la houlette du SFA-CGT. En épluchant les productions à travers toute la France, ils ont forcé le ministère de la culture à se pencher sur ce déséquilibre, jusque-là ignoré.

« Nous avons tous partagé le même constat. Des contrats de moins en moins nombreux en France. L’impossibilité pour les jeunes de se lancer et dans le même temps le jeunisme qui fait venir sur les scènes d’opéra des critères du mannequinat que le cinéma ne suit même plus. Allez dire qu’Isabelle Huppert est trop vieille pour tourner ? Tout le monde vous rira au nez ! A l’opéra, non » (une soliste du collectif de juillet)

Contrairement aux Etats-Unis où les maisons d’opéra sont obligées d’employer 70% d’Américains, la France est soumise aux règles européennes qui interdisent les quotas. Pourtant, sur les scènes italiennes ou allemandes, le civisme des directeurs et des programmateurs artistiques fait la part belle aux nationaux. En France, il n’y a pas ce réflexe. Pourquoi ?

Snobisme

Tous le répètent dans le métier : un chanteur étranger, ça fait toujours plus chic sur une affiche.  C’est ainsi que dans le Faust de Gounod qui commence le 22 juin prochain à l’opéra de Toulouse, on peut entendre des chanteurs roumains, espagnols, américains, polonais, ou italiens, mais pas un seul chanteur français.

«  Aller chercher à Pétaouchnock une Barberine alors qu’on en a des tonnes en France, c’est ridicule ! Alors, le directeur va dire, c’est ma liberté ! Mais il y a quelque chose de dérangeant tout de même lorsque c’est l’Etat et donc le contribuable français qui paye. Empêcher, par snobisme, les chanteurs français de travailler, je trouve ça scandaleux ! » (Thérèse Cédelle, agent artistique)

Cette préférence du chanteur étranger n’est pourtant pas toujours consciente chez les directeurs d’opéra en France. Nommés à la suite d’une expérience dans une autre structure européenne, ils arrivent avec leur carnet d’adresse au détriment de la recherche sur le terrain de nouveaux chanteurs domiciliés en France.

Un problème de formation

Démarrer une carrière en France est devenu très compliqué pour les jeunes solistes. Beaucoup de jeunes Français s’exportent en Allemagne, où les troupes existent toujours pour se faire l’expérience de scène exigée par les directeurs d’opéra français.

« On forme trop de chanteurs en France pour le nombre de productions et les jeunes chanteurs sortent du conservatoire sans aucune expérience de scène » (Alain Surrans directeur de l’opéra de Rennes)

L’opéra de rennes vient donc de passer un partenariat avec le pôle supérieur de Bretagne afin de former dès septembre une poignée de jeunes étudiants à la scène ; mais en attendant, les chanteurs lyriques français sont de plus en plus nombreux à se reconvertir.

Pour faire des économies

Ce qui revient notamment dans le rapport du ministère, c’est le poids des charges salariales en France. Contrairement à d’autres pays européens, les chanteurs français sont soumis au régime du salariat,   ce qui impose aux scènes lyriques de payer des charges sociales. En moyenne, le coût d’un chanteur domicilié fiscalement en France est 12 à 40% plus cher que pour un chanteur étranger.
Rares sont les directeurs d’opéra qui acceptent de reconnaitre ouvertement ce critère financier. Certains le nient formellement (comme le directeur de l’opéra de Rennes) d’autres préviennent que les demandes d’économies proviennent directement du ministère de la culture.

Pourtant, le rapport du même ministère prévient qu’il faut cesser de faire des économies en piochant sur les plateaux de chanteurs et opérer un rééquilibrage des postes budgétaires.
Dans un opéra de taille moyenne, comme Limoge, qui ne propose que cinq productions par an, un spectacle vaut plusieurs centaines de milliers d’euros quand le plateau de chanteurs ne dépasse pas les 30 000 euros. En cause : le marché des chefs d’orchestre et des metteurs en scène aux rémunérations de stars, qui déséquilibrent tous les budgets.

Le rôle du public

Le public a sans doute un rôle important à jouer.

 « En France, on a des Carmen aberrantes où le texte chanté en Français est incompréhensible. Cela ne passerait jamais ni en Allemagne ni en Italie. Le public français doit réagir ! » (Une soliste française du collectif du 13 juillet)

Certaines scènes lyriques françaises, comme celle du Grand Est (Strasbourg Metz Reims et Nancy) ou Saint Etienne et Limoge, jouent la carte de la co-production et exhument de plus en plus d’œuvres de compositeurs français comme Offenbach et Massenet.

« Exhumer ces œuvres françaises est une chance pour le répertoire mais aussi pour de jeunes chanteurs français qui ont l’énergie et le talent pour les défendre ! » (Josquin macarez directeur artistique de l’opéra de Limoges)

Et le ministère dans tout ça ?

Pour faire face à la baisse des dotations publiques, le ministère de la culture encourage depuis des années le financement mixte (public-privé) des scènes lyriques ; mais il détient toujours la moitié du financement.

La direction de la création artistique au ministère de la culture se dit très attentive à ce dumping social dont pâtissent les chanteurs français. La nouvelle loi sur la liberté de création qui est en lecture au sénat devrait permettre de protéger les choristes et d’assurer le suivi de carrière des solistes.

Surtout, le ministère promet de faire pression sur les directeurs d’opéra afin qu’ils pensent « en brut » lors des contrats avec les chanteurs solistes ; c’est-à-dire qu’au lieu de s’arrêter au versement du cachet, ils calculent aussi le défraiement, le logement du chanteur étranger, favorisant ainsi le chanteur vivant sur place.

Dans l’idée de la direction de la création artistique, il s’agit de créer un maillage musical autour des maisons d’opéra en région ; sortes de troupes territoriales avec des chanteurs solistes rattachés officieusement à chaque grande maison. Problème : le ministère ne veut pas prévoir de mesures contraignantes pour faire fonctionner ce beau rêve.

par Victor Tribot Laspière , Jean-Baptiste Urbain, Cécile de Kervasdoué

Source France Musique 30/05/2016

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