Massino Stanzione Suzane et les veillards. photo DR
Musée Fabre. L’âge d’or de la peinture à Naples de Ribéra à Giordano à découvrir jusqu’au 11 octobre.
Après l’expo Corps et ombres : Caravage et le caravagisme européen qui avait suscité en 2012 la jalousie des parisiens, on peut découvrir, L’Âge d’or de la Peinture à Naples : de Ribera à Giordano au musée Fabre jusqu’au 11 octobre. Le parcours composé de 84 oeuvres majeures de la peinture napolitaine suit l’évolution du caravagisme au baroque.
Tous les grands maîtres de la peinture napolitaine sont représentés Caravage, Caracciolo, Vitale, Ribera, Stanzione, Di Lione, Cavallino, Giordano, Beinaschi, Solimena. L’exposition trace aussi le portrait de la cité où réside le vice-roi et siège l’administration du royaume de Naples. Les artistes qui répondent aux commandes fastueuses ne se privent pas de montrer les aspects populaires du port de commerce très actif et la foule qui grouille au marché.
Ribera St Marie l’Egyptienne
Parmi tous les grands maîtres de la peinture napolitaine présents figurent douze oeuvres majeures du fécond Ribera dont la saisissante et pathétique St Marie l’Egyptienne. Le biographe de Ribera souligne comment l’artiste se rallia au style Caravage tout en notifiant qu’il aurait eu une vie de bohème agitée. Ce que semble attester le regard de l’ange dans le Baptême du Christ.
Au-delà des thèmes classiques des oeuvres ayant attrait au religieux, à la mythologie, aux natures mortes et à l’humanisme, on est saisi par l’ambiance ténébreuse que renforce l’usage du clair obscur. Comme si le climat de guerre politico-religieux qui enflamme l’Europe de l’époque, transparaissait de manière diffuse dans l’expression des grands maîtres tout comme la proximité menaçante du capricieux Vésuve et de la grande peste qui dévasta 60% de la population du royaume. La peinture témoigne de l’inventivité technique des peintres napolitains mais pas seulement. A l’instar du lyrisme sensuel qui se dégage de la martyre Saint Agathe de Guarino.
Montpellier Photographie. A découvrir l’exposition Fabrik : une épopée industrielle 1933-1953 consacrée au photographe Jakob Tuggener au Pavillon Populaire jusqu’au 18 octobre 2015.
Par JMDH
Contraste au Pavillon Populaire de Montpellier après l’expo “La vie en Kodak de 1950 à 1970”, qui idéalisait en colorimétrie un modèle de société en pleine expansion. On traverse la vitrine du rêve américain pour toucher la réalité des ouvriers dans leur environnement professionnel avec « Fabrik : une épopée industrielle 1933/1953 », une exposition consacrée au photographe suisse Jakob Tuggener sous la direction artistique de Gilles Mora et le commissariat de Martin Gasser.
Changement de thème, d’époque, passage de la couleur au noir et blanc et retour à une ligne artistique, souvent perturbée pour ce haut lieu de la photographie d’art en province qui peine à creuser sa ligne de force en alternant radicalement les esthétiques pour ne déplaire à personne. Au même titre que les américains Brassaï et Eugène Smith, Jakob Tuggener est un photographe de terrain passionné qui a su capturer l’essence de son époque en apportant un regard libre et singulier qui le place aujourd’hui comme une référence dans l’histoire de la photographie.
L’art subjectif de dire
Employé de l’usine allemande MFO (Ateliers de construction mécanique Oerlikon) qui tourne à plein régime mais connaît quelques problèmes d’encadrement. On attend de son travail photographique qu’il réduise le fossé entre les travailleurs et la direction. Lui ne souhaite rien moins que de rendre photographiquement tous les aspects de son usine.
Les machines, les murs de briques, les toits de zinc, attestent par leur gigantisme d’un glorieux environnement industriel. Tout fonctionne mais la dimension subjective des images de Jakob Tuggener laisse penser que les machines pourraient s’emballer à l’image des valeurs virtuelles du marché toujours en convalescence après la crise de 1929.
Quand l’artiste montre les chaînes de production, il n’omet pas de présenter les stocks de munitions qui s’accumulent en Allemagne. Sa notion du temps passe par les horloges de pointages qui nous ramènent aux hommes. A l’instar de la photo de l’affiche de l’exposition montrant Berti la coursière qui presse le pas de bon matin après que le lourd portail de l’usine se soit fermé dans son dos. Le gardien lui aura sans doute fait une réflexion sur son retard.
Loin du réalisme socialisme, l’univers discret et onirique de Tuggener qui fut aussi réalisateur, procède par une mise en exergue des symboles proches du cinéma expressionniste.
Une carrière sous l’angle de la passion
Présence du photographe dans le regard de son modèle. photo dr
Jakob Tuggener débute sa vie professionnelle en tant que dessinateur industriel à Zurich. 1930-1931 il étudie à Berlin puis s’initie au graphisme, à la typographie, au dessin et au cinéma à l’école des arts et métiers en Allemagne. A son retour en Suisse, il travaille comme photographe industriel. En 1934 Tuggener achète un Leica et photographie pour la première fois le Grand Bal russe à Zurich.
Le thème du bal qui le fascine revient durant sa carrière. Il a photographié de nombreux bals en Suisse dans le Grand Hôtel de Zurich où à l’Opéra de Vienne. Il se consacre également à des sujets de la vie quotidienne et s’éprend de la relation entre l’Homme et la machine. En 1943, Tuggener publie un essai photographique Fabrik (Usine ) relatant la relation de l’Homme dans le monde industriel des machines. Cet ouvrage le propulse dans l’avant-garde de la photographie suisse en dépit des critiques de l’époque qui rejettent son innovation artistique.
Après la Seconde Guerre mondiale ses photos sont exposées au Musée d’Art Moderne de New York et publiées dans le magazine photographie Leica. Une grande exposition rétrospective lui est consacrée en 1969 à Munich. Tuggener a développé un style poétique qui est devenu un modèle pour nombre de jeunes photographes se réclamant de la photographie subjective.
L’exposition de Montpellier puise partiellement dans les maquettes des livre Métal noir 1935-50 et Le temps de la machine 1942-51. Projets de livres que Tuggener n’est jamais parvenu à publier de son vivant. Parmi ces images, certaines seront exposées pour la toute première fois.
Montpellier Danse. Un spectacle reporté pour panne de secteur à l’Opéra.
Ne pas savoir à quoi s’attendre est l’état d’esprit le plus adapté pour se rendre à un spectacle de l’imprévisible Va Wölfl. Cette figure radicale de la scène allemande fait du reste tout pour préserver l’effet de surprise en laissant le moins de trace possible sur ses méfaits passés et en devenir.
Chor(e)ographie:Journalismus programmé dans le cadre de Montpellier Danse est un spectacle performatif adaptable. Vendredi, l’arrivée en limousine devant l’Opéra Comédie avec en arrière plan, une manif en soutien au peuple Grec donnait déjà un premier goût du sens des contrastes et de la mise en scène de Va Wöfl.
A l’intérieur la cage de scène de l’opéra transformée en White Cube cher aux Galerie d’art, donnerait envie d’aller se trémousser sur la musique techno de superette qui fait légèrement vibrer le grand lustre. Seulement il y a ces carabines, un peu dissuasives qui tournent sur le sol de l’avant scène.
Durant la présentation aussi profonde que les campagne électorale aux USA les danseurs saisissent les fusils en visant le plafond. Au deuxième acte, un chef dirige un orchestre à partir d’un lance-balles qui projette violemment ses boules vertes sur une ligne de guitares électriques qui sonnent déglingues. Deux danseuses s’écroulent et puis c’est le grand noir.
Suite à l’incident, jamais vu en 35 ans de festival, on ne peut s’empêcher de se demander si Va Wöfl n’a pas eu la brillante idée de loger une balle dans l’armoire électrique.
Printemps des Comédiens. L’autre hiver, opéra fantasmagorique et dramaturgique de Dominique Pauwels.
« Il y eut un soir où contrairement aux autres soirs, les chants se mirent à se brouiller dans leurs échos. » Il y a la force du livret de Normand Chaurette. Il y a ce découpage scénographique qui laisse la part belle à la profondeur de champs comme pour rendre transparente la brume obsessionnelle emplissant les deux voyageurs. Peut-être Verlaine et Rimbaud dont la relation amoureuse fut expérimentale. Nous sommes sur le pont d’un navire errant à travers les glaces du nord.
Entre expérimentation et lyrisme L’autre hiver, nouvel opéra de Dominique Pauwels mis en scène par le duo Denis Marleau et Stéphanie Jasmin poursuit l’exploration des rapports entre théâtre et musique. La pièce conclut le Printemps des Comédiens sur une note profondément évaporée et en même temps très puissante.
Le processus de création associe la vidéo à travers un dispositif de mannequins fantômatiques incarnant le choeur. La capacité expressive de la musique associant un orchestre à cordes avec des sonorités électro se rapproche de l’art pictural. On touche à l’art total pour un spectacle qui campe les esprits.
Si Pacifique 231 est composée entre les deux guerre (1923) j’ai choisit d’évoquer le contexte de la vie artistique sous l’occupation parce que cette période et intéressante. Elle touche et stimule le compositeur et concerne aussi mon travail sur Jean Anouilh.
Hormis quelques intellectuels, qui prennent les armes tous les acteurs du champ culturel traverse une période spéciale entre 1940 et 1944 parce que la France souffre, de l’oppression nazie, parce qu’il y a la censure du gouvernement de Vichy et aussi, qu’une partie du public portait l’uniforme allemand.
L’auteur Guégan qui à examiner l’attitude des artistes sous l’Occupation – parle d’une zone de liberté dans laquelle s’engouffrent les créateurs comme le public, car elle entretient une forme de respect de soi. La culture serait une forme de résistance qui aura contribué à la libération des esprits et du pays. » dit-il.
Les nazis laissent se développer à Paris une vie artistique, alors qu’à Berlin ils brûlent les livres et l’art dégénéré.
Certain livre interdit sont diffusés clandestinement comme Le Silence de la mer de Vercors, et le poème Liberté de Eluard. Dans la peinture, Matisse s’est retiré à Nice, Picasso se mouille peu. Les artistes et intellectuels juifs connaissent un sort dramatique. On spolie les juifs de leur collections d’art.
Bio résumée
Né de parents zurichois, Honegger acheva sa formation à Paris. Il est marqué par une éducation protestante et est très attaché au renouveau de la musique classique. Il a beaucoup composé car il désirais illustrer à travers sa musique les transformations de la société.
Honegger écrit pour le théâtre, la radio et le cinéma aussi bien que pour la salle de concert : ballets, chansons, concertos, musique de chambre, musiques de films, opéras, oratorios, symphonies.
En 1921, il connaît le succès avec le Roi David. Son œuvre la plus célèbre, créée en 1923, est Pacific 231, premier de trois mouvements symphoniques et dédiée à la locomotive à vapeur du même nom. Il existe deux autres mouvements qui sont liés à Pacific 231 et qui s’intitulent Rugby et Mouvement symphonique no 3.
Durant la guerre, Honegger refuse de quitter Paris, et réagit à la dégradation de la situation internationale en écrivant et composant, ses mouvements évoquent la mort, le deuil, puis la libération. C’est pendant cette période qu’il vie notamment de commandes pour musique de film.
Il a fréquenté Paul Claudel, Paul Valéry (écrivains), Jean Cocteau, Pablo Picasso (peinture), Louis Jouvet (théâtre), Abel Gance (Cinéma) et certains lui ont fourni des sujets pour ses œuvres.
Entre classicisme et modernité
Porté par la volonté de renouveau qui caractérise le monde de la musique à son époque, Honegger n’abandonne pas pour autant les compositeurs classique qui l’ont inspirés.
Le compositeur voue un culte à Bach (1685-1750) et à Beethoven(1770-1827), cultivant volontiers les grandes formes classiques, son écriture, d’un lyrisme vigoureux et tend vers un dramatisme (qu’on retrouve particulièrement dans ses oratorios comme Jeanne au Bûcher).
Le succès est immédiat et se renouvelle notamment parce que le compositeur s’efforce d’être accessible à l’homme de la rue en intéressant aussi le musicien.
« Il me parais indispensable, pour aller de l’avant, d’être solidement attaché à ce qui nous précède. Il ne faut pas rompre le lien de la tradition musicale. Une branche séparée du tronc meurt vite » répondra t-il à Cocteau qui lui reprochait son attachement à la tradition.
Il est en même temps très influencé par Igor Stravinsky l’un des compositeurs les plus influents dans la modernité musicale du XXe siècle
L’artiste adhèrera au Groupe des Six*( Georges Auric, Louis Durey, Darius Milhaud, Francis Poulenc et Germaine Tailleferre), un groupement de musiciens aux styles divers. Parrainée par Jean Cocteau et Erik Satie, elle prôna un retour à la musique légère, simple ou même comique. Le choix esthétiques du groupe des six reflétaient le désir de sortir du wagnérisme et de l’impressionnisme de Debussy.
Plus généralement, cet après-guerre est l’époque du rejet, dans l’art et la littérature, de certains styles trop raffiné ou luxuriants, en usage jusque-là. Dans ces Années folles, la simplicité, parfois proche de l’art populaire ou du cabaret, s’impose facilement, parallèlement à l’apparition du surréalisme (mouvement au cinéma, en littérature et arts plastique exemple Dali qui critique la bourgeoisie).
Très indépendant, Honegger reste étranger aux principes du mouvement et ennemi de tout système aussi bien de Schoenberg de toute autre école comme la musique sérielle (langage musicale qui révolutionne l’écriture 12 sons).
Le style de Honegger
Arthur Honegger est un compositeur qui, paraît difficile à cerner à cause de la diversité de son œuvre. Il utilise tous les registres, du quatuor à cordes à l’opéra, et respectant autant les acquis du passé que les apports de ses contemporains. Toute sa vie, il a été marqué par des compositeurs allemands (Beethoven, Bach) mais aussi français (Debussy), ce qui contribue à situer son œuvre en marge des courants musicaux. Si l’on peut lui attribuer un style personnel, il n’est en revanche d’aucune école estimant les systèmes de classification trop stricts en musique.
Il est à la recherche d’une musique authentique, capable de porter un message et veut se renouveler à chaque œuvre, il a exploré différents genres et techniques en s’intéressant tout autant à l’harmonie de Debussy, à la rythmique de Stravinsky, à la forme beethovenienne, aux innovations de Schönberg et même à la musique électronique.
La diversité de la musique d’Honegger reflète sa volonté de faire de la musique un moyen d’expression à démarche humaniste. L’apparente simplicité de certains passages de sa musique doit être examinée dans le sens de l’objectivité.
Il cherche à émouvoir, avec des œuvres religieuses, ce qui explique le succès de Jeanne d’Arc au bûcher entre autres. Il a aidé les compositeurs des générations suivantes tels qu’Olivier Messiaen.
Un goût pour le cinéma
En 1923, Arthur Honegger compose ses premières partitions pour le cinéma. Il signe la musique de La roue d’Abel Gance puis Napoléon.
Honegger cherche à traduire les impressions que lui procurent le film.
Il écrit la bande originale de 37 films, dont Crime et châtiment (1935), après sa mort Jean-Luc Godard utilise ses partitions pour Détective (1984) et Maurice Pialat pour Van Gogh (1991).
Pacific 231
La partition fut composée en 1923 et créée à Paris en 1924.
Circonstances de composition et de diffusion :
L’œuvre a longtemps été la plus célèbre de Honegger. Le titre fait allusion à une locomotive à vapeur, la « Pacific » qui fit la renommée des chemins de fer français.
A propos de ce poème symphonique* en un mouvement, Honegger déclare :
« J’ai toujours aimé passionnément les locomotives ; pour moi, ce sont des êtres vivants Je n’ai pas cherché l’imitation des bruits de la locomotive, mais la traduction d’une impression visuelle et physique. La construction musicale part de la contemplation objective : respiration de la machine au repos, l’effort du démarrage, l’accroissement progressif de la vitesse pour aboutir à l’état lyrique, au train de 300 tonnes lancé en pleine nuit à 120 à l’heure… J’ai voulu donner le sentiment d’une accélération mathématique du rythme, tandis que le mouvement lui-même se ralentit ».
Pacific 231 est une œuvre très personnelle mais la fascination pour les machines et la mécanique se propageait dans les arts, la musique et le cinéma. En 1922 sortit le film d’Abel Gance, La Roue, qui est à l’origine du projet Pacific 231.
La technologie prise comme contenu de l’œuvre rappelle les conceptions développées par les Futuristes italiens,(L’Art des Bruits, 1913)*, auxquels les usines, les trains, les avions et les machines modernes servirent de modèles .
L’ambition de transposer artistiquement l’ère des machines résonna d’un large écho. Ainsi la musique mécaniste fut-elle valorisée, à une certaine période, en concordance avec la glorification de l’industrialisation et Honegger connu un commun succès dans les deux blocs de la guerre Froide.
Analyse de l’œuvre
L’orchestre symphonique utilisé par Honegger est important en taille.
Honegger résume son style
« Mes préoccupations générales sont restées les mêmes que celles qui présidèrent à la composition de toutes mes œuvres symphoniques :
Rigueur de la forme
Recherche de thèmes suffisamment claires pour attirer l’attention de l’auditeur et lui permettre de suivre le développement de l’histoire
« Si cette œuvre exprime ou fait ressentir des émotions, c’est qu’elles se sont présentées tout naturellement, puisque je n’exprime ma pensée qu’en musique, et peut-être sans en être absolument conscient. »
