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Le roman « Noon Moon » de Percy Kemp ouvre les fenêtres

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Photo Hermance Triay

Percy Kemp. Photo Hermance Triay

Percy Kemp, figure parmi les nombreux auteurs invités du Festival International du Roman noir (Firn) ce week-end à Frontignan. On peut se faire un avis sur sa personnalité à travers quelques éléments connus de sa biographie. C’est un Anglais, né à Beyrouth en 1952 d’un père britannique et d’une mère libanaise. Il parle l’arabe couramment, écrit des romans en français et complète ses activités en tant que conseil dans le renseignement stratégique. On peut le lire aussi sur le site de Rue 89 où il tient des chroniques décalées.

Après des attentats manqués en Grande-Bretagne il y a trois , il signait du nom de Ben Laden, PDG d’Al Qaeda SA, un courrier où il s’insurgeait contre l’usage abusif de son label : « Le succès retentissant que notre marque connaît depuis quelques années, sa conquête impérieuse de l’audimat et la manière magistrale dont elle a su s’imposer dans tous les foyers, ont suscité d’innombrables vocations et autant d’imitations et de contrefaçons (…) Un peu partout dans le monde aujourd’hui, des paumés en crise d’identité et en mal de notoriété bricolent de ridicules petits attentats visant les infidèles et les apostolats. Attentats minables que des médias en mal de copie nous imputent immanquablement.

Le style de Percy Kemp est là. L’homme d’apparence flegmatique allie le savoir-faire à l’humour en s’ancrant avec érudition au cœur des enjeux post-11 septembre desquels se déploie  les manoeuvres de la politique internationale. Dans son dernier roman, Noon Moon, l’auteur s’est nourri de la pensée grecque. A travers une double intrigue le livre pose une réflexion philosophique sur les dessous de la prétendue guerre des civilisations.

noon-moonL’ouvrage s’ouvre sur un cafard qui progresse sur le corps de Zandie enchaîné dans une cellule. Après avoir été enlevé par les fous de dieu, Zandie est terrorisé. Il redoute le moment où son bourreau va ouvrir la porte et le saigner comme un mouton devant une caméra. Mais la porte s’ouvre sur un vieil homme féru d’hellénisme qui commence par évoquer la fin de Socrate et poursuit en l’instruisant sur la nature réelle et complexe du contexte historique global. L’écrivain use de la situation pour ouvrir des perspectives. La proximité de la mort fait du prisonnier un auditeur attentif à la profondeur du propos qui parvient à le libérer de la peur et de l’ego. Ailleurs, dans le théâtre des services secrets américains se joue une partie plus mouvementée. On pénètre dans les arcanes de la manipulation liée aux enjeux de la politique intérieure américaine. Et l’on suit le destin de Charlie lancé sur les pentes hors piste de la traque du terrorisme islamiste.

Noon Moon est un grand roman où les apparences se révèlent trompeuses. Et où les vérités les plus répandues sont mises en défaut. Il y a  du Graham Greene dans cette manière éclairante d’explorer l’ambivalence morale et politique du monde. On pense à un Américain bien tranquille resitué dans le contexte beaucoup moins mélodramatique du XXIe siècle. Un contexte dont le réfractaire Percy Kemp dévoile les stratégies et la géographie secrète en s’appuyant sur la sagesse antique.

Jean-Marie Dinh

Noon Moon, Seuil Thrillers, 22 euros.

Sade et les composantes érotiques de la volonté

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De multiples dissonances se glissent à l’intérieur des personnages.

Au Printemps des Comédiens. La pièce Madame de Sade explore les rapports de pouvoir sur lesquels se fondent l’érotisme.

La rencontre attendue entre Sade et Mishima a tenu ses promesses au Printemps des Comédiens vendredi et samedi, avec la pièce Madame de Sade mise en scène par Jacques Vincey. A première vue rien ne paraît bien enviable dans la situation de Renée, la marquise de Sade. Pour s’être prêtée au jeu à quelques reprises, celle-ci n’ignore rien du comportement déviant de son mari. C’est sans compter sur la lecture qu’en offre l’auteur du Pavillon d’or qui explore les effets de l’inversion transgressive sur la gente féminine. La pièce se déroule entre 1772 et 1790, alors que l’histoire avance à grand pas.

Dans le salon de madame de Montreuil, la mère manipulatrice de Renée, six femmes habitées par l’ombre monstrueuse et géniale du divin marquis, se trouvent en prise à leurs propres limites. Le contenu subversif de son influence, où se mêlent raffinement et incroyable barbarie, heurte toutes les formes conventionnelles. Il satirise les sentiments pieux de Mme de Simiane, épuise Mme de Saint-Fond dans la débauche, captive la sœur Anne et fascine la domestique Charlotte. Dans ce monde fait de préciosité, s’insuffle une dualité entre l’esprit et la matière, le contenu et le contenant, le bien et le mal… de multiples dissonances se glissent à l’intérieur des personnages. A propos de son terrible mari, Madame de Sade fait face à Mme de Montreuil dans une confrontation mère-fille passionnante. Telle une figure de proue, la femme se dévoue corps et âme à son marquis emprisonné : « si mon mari est un monstre de vice, il faudra que je devienne pour lui un monstre de fidélité » mais elle décide de le quitter alors qu’il retrouve sa liberté au lendemain de la Révolution.

Une lecture réelle

En évitant la parodie et en se gardant du mauvais goût, Jacques Vincey concocte une mise en scène d’une grande intelligence. L’esthétisme de la pièce, les costumes et la scénographie puisent subtilement dans les sources du théâtre japonais traditionnel et du théâtre français du 18e siècle, pour se mettre au service d’une mécanique précise. Comme tenues par un invisible maître de marionnettes, les scènes s’enchaînent avec une redoutable efficacité. Le plus remarquable s’exprime dans la profondeur lucide des personnages. La pureté de jeu des acteurs ouvre sur l’individualisme exacerbé qui les met à nu face à la réalité de leurs sensations, fussent-elles perverses. Jacques Vincey restitue la pluralité de filiation existant entre Sade et Mishima. Malgré l’heure tardive, le public reste tendu jusqu’au bout, à la recherche d’une juste (voire futile ?) distance entre rejet et identification.

Jean-Marie Dinh

Bonnes gorgées d’Irlande pour rincer le monde

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Montpellier Danse 2010 Roaratorio. A partir d’un texte de Joyce, Cunningham crée une pièce dont la modernité éclatante résonne encore.

Avec cette pièce jouée pour la première fois en 1983, le géant de la danse contemporaine américaine, disparu l’année dernière, pénètre l’univers littéraire du roman Finnegan Wake de Joyce, pour en donner à entendre le paysage mental.

A propos de conscience, il s’avère peut-être utile de réaffirmer que la danse est un art où l’émotion prime sur la compréhension. Ce qui ne veut pas dire que la naissance du mouvement, condamné à une disparition immédiate, pourrait se passer pour autant, d’une conséquente période de gestation. « ?En posant ce signe d’égalité entre la pensée et la danse, Merce Cunningham m’a en quelque sorte, autorisé à faire le pont entre l’intellect et la danse?« , confie Jean-Paul Montanari dans le livre édité (Actes-Sud) à l’occasion de se trentième anniversaire.

L’esprit d’invention est au cœur de Roaratorio qui dépasse la simple transposition de l’œuvre littéraire pour incarner la langue au-delà du langage en usant du vecteur musical. La composition tient lieu de décor et, au-delà, matérialise proprement le rapport de la culture irlandaise au monde. Elle s’appuie sur une création de John Cage. Un magnifique festin de bruits recueillis en Irlande, de sons envoyés par toutes les radios du monde et d’éclats de mots.

Le réalisme et la qualité du mixage s’emparent de l’espace pour en bouleverser les normes. Dans un contexte nouveau, se déploie l’énergie transcendée des corps qui peuplent l’espace de leur humanité. C’est toute la vie quotidienne, sociale et populaire qui défile en accéléré et passe devant les yeux par vagues régulières. On est saisi par la vivacité constante des gestes, la magie animale, les mouvements d’ensemble dans les changements de direction. Comme si les regroupements et les séparations obéissaient à une présence invisible. L’impression aérienne d’une grande légèreté nous emporte. On a le sentiment que les pieds ne touchent plus le sol. La liberté apparente masque la rigueur technique et la maîtrise spatiale.

Avec Roaratorio, Cunningham pénètre une œuvre majeure de Joyce publiée quarante ans plus tôt. Cette exploration en profondeur en fait à plusieurs égards une référence du processus de création. Entre poésie et chaos cette pièce invente un monde nouveau. Elle a permis à l’artiste le redéploiement de l’invention chorégraphique, sa présentation près de trente ans plus tard en ouverture de Montpellier Danse paraît symbolique. Elle peut aussi faire écho aux ressources créatives inépuisables de la danse contemporaine à l’heure où d’aucun serait enclin à baisser les bras.

Jean-Marie Dinh

Lorsque plus rien ne sort de l’intuition, la proposition Cunningham ne manque ni d’habileté ni de mérite. N’est-ce point puiser dans le renouvellement de l’inconscient que d’ouvrir sur l’invisibilité d’un tout?? La pièce Roaratorio, présentée aux Ursulines par la Merce Cunningham compagny, c’est à peu près ça. Un tout danse qui rejoint le tout d’un festival célébré non sans ambages mais avec un certain désabusement pour son trentième printemps. De nature complexe, le spectacle d’ouverture s’avère régénérant et le pari du choix artistique apparaît une fois de plus réussi.

Voir aussi : Rubrique Danse festival 2010 Jiri Kylian, Akram Khan,

Conte du bambou après la pluie

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Lang Toi le nouveau cirque vietnamien au Printemps des Comédiens

Le jour se lève sur un village vietnamien. Cette image paisible ouvre le spectacle. Elle est belle et le restera jusqu’au bout de la représentation. Une image qui vient contredire partiellement celle d’une mémoire cinématographique où le calme des villages est généralement suivi d’une intrusion brutale de l’armée – française ou américaine – et de scènes de violences insoutenables . Cette page-là est tournée. Ce que donne à voir Lang Toi mon village, c’est l’humanité d’avant-guerre qui a resurgi après-guerre. Parce que les fondements de la culture vietnamienne, son attachement profond à la terre ne semblent pas prêts de s’éteindre.

La nature reine

Ce n’est pas un hasard, si la toute première représentation de nouveau cirque créée au Vietnam a été conçue pour le musée des Arts Premiers du quai Branly. Le spectacle est un tout qui invite à la découverte de la culture vietnamienne. La scénographie et les costumes sont inspirés par la vie rurale des différentes ethnies vietnamiennes (on en dénombre 54). Elle remonte aux origines dans une continuité dramaturgique dont le tempo est calé sur la nature. Si le bambou s’y taille la place du tigre, la force et la souplesse des artistes, une vingtaine sur scène, sont proprement captivante. Rien ne résiste tout se transforme. Avec très peu de moyens, l’âme du peuple vietnamien se façonne sous le regard subjugué des spectateurs. Les groupes se font et se défont faisant par moment surgir la personnalité d’un artiste avant de la fondre dans l’énergie commune. Ce mouvement continu offre un hommage à l’impermanence de toute chose sans se prendre un instant au sérieux.

Captivante densité du style

lang-toi2Prendre le cirque comme témoin n’est pas une simple vision de l’esprit tant celui-ci a, sous l’influence chinoise, traversé les siècles. Les tableaux d’acrobatie, d’équilibre et de jonglerie s’enchaînent dans une parfaite maîtrise technique que l’on oublie captivé par la fluidité des mouvements. La place du rythme est prédominante. L’univers musical qui occupe une place de choix est assuré par un orchestre de cinq musiciens qui explorent avec virtuosité les sonorités des instruments ancestraux (vielle, tambour, flûte, cithare). et accompagnent les artistes sur scène.

Ce spectacle se réclame à juste titre du nouveau cirque du Vietnam. Pour n’être point classique, il n’en est que plus vigoureusement libéré des servitudes traditionnelles et politiques. Ce qui lui permet de renouer librement avec les origines : l’ingéniosité des paysans, le jeu, la poésie, le chant, la douceur et la mélancolie qui fondent l’esthétisme de la culture vietnamienne.

Nhat Ly et Lan Nguyen, les créateurs du spectacle sont français d’origine vietnamienne. Ils ont été formés à l’école nationale du cirque de Hanoi, ont puisé dans la culture occidentale en passant notamment par le cirque Plume et l’école de cirque de Chambéry. Tuan Lé, le metteur en scène,  a gardé sa nationalité vietnamienne, il vit entre Berlin et le Vietnam.  Nhat Ly vient de s’établir à Hanoi où il se consacre à la production de spectacle vivant. A l’image de Lang-Toi-mon village, ces artistes reviennent aux racines à travers une réinvention. Beaucoup plus qu’un simple exercice de style démonstratif leur proposition s’inscrit dans une réelle modernité qui n’a rien à voir avec le pastiche d’un art ancien. Il suffit de s’y rendre pour s’en convaincre.

Jean-Marie Dinh

Le cirque Romanès guidé par une « brindille sur le bord du chemin »

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Photo Marie Clauzade.

Photo Marie Clauzade.

Rien dans les poches ». Le cirque tsigane Romanès, c’est presque comme à la maison jusqu’à mercredi au Printemps des Comédiens

Un jour on les voit passer, un autre ils s’arrêtent là où vous habitez, gonflent la toile de leur chapiteau et partagent quelques moments de votre vie avec la leur. C’est comme ça, chez les Romanès, on a le sens de l’hospitalité. On vous accueille au cœur. Toute la famille est là assise face à vous. Ce sont au moins trois générations réunies et disponibles qui participent au spectacle endiablé par une troupe de cinq musiciens qui rythment les numéros d’un bout à l’autre de la représentation.

Fondée par Alexandre Romanès, la troupe de cirque tsigane est née en 1994. Equilibriste et dresseur, l’homme est issu de la famille Bouglione dont il se sépare à vingt ans pour y revenir plus tard en choisissant la vie libre et nomade du cirque itinérant. Alexandre est aussi un auteur. Il écrit des poèmes sur les conseils de Jean Genet qu’il rencontre en 1976 lors d’un spectacle de rue à St Germain des Prés. Tous deux entretiennent une longue amitié jusqu’à la mort de l’écrivain dix ans plus tard. Genet n’avait pas tort. Celui qui ne savait ni lire ni écrire apprend pour exprimer ce qu’il vit. Comme sur les planches, ses mots forment des petits moments représentatifs de ce qu’il ressent « Moi je préfère la brindille sur le bord du chemin et la tresse impeccable des petites filles. » Aujourd’hui son troisième recueil de poésie vient d’être publié chez Gallimard.

Sur scène, Alexandre tient son rôle de chef de famille. Il veille au grain. C’est l’homme orchestre, celui qui assure la sécurité des petits et dit aux grands de bien se tenir. Il paraît difficile d’évoquer un numéro en particulier parce que c’est la famille dans son ensemble qui est l’esprit conducteur. On ne sait jamais vraiment ce qu’il y a d’écrit sous leur crane. Ce sont des poètes, ceux dont les ailes montent et descendent. Ils ont des yeux dans lesquels entre la lumière. Enfants de la balle, acrobates, trapézistes, jongleurs, funambule se succèdent à un rythme effréné entraînant les spectateurs dans un grand vertige. Le chapiteau est un peu grand pour parvenir à nous perdre totalement. Mais la tête tourne suffisamment pour nous faire rejoindre un ailleurs. Demain à l’aube, ils partiront vers une nouvelle destination tirée au sort.

Jean-Marie Dinh