Cédric Gerbehaye a choisi la photographie comme forme d’écriture. Photo Agence Vue
Photo. Cédric Gerbehaye raconte l’indépendance du Soudan en inscrivant son reportage dans la durée, loin des emballements médiatiques épisodiques.
En janvier 2005, un accord de paix qui mettait fin à la plus longue guerre civile africaine fut signé entre le Nord et le Sud-Soudan. Selon ce qui a été convenu, les Sud-Soudanais ont donc pu voter lors d’un référendum historique en janvier de cette année, et se sont prononcés à 98 % en faveur de la séparation… mais les défis persistent. La malnutrition est chronique et 75 % de la population n’a pas accès aux soins de santé primaires. À cela s’ajoutent les conflits internes pour le pouvoir, le partage de la manne pétrolière, ainsi que la démarcation de la frontière Nord-Sud.
Né en 1977 en Belgique, journaliste de formation, Cédric Gerbehaye a choisi la photographie comme forme d’écriture. Il raconte l’indépendance du Soudan en inscrivant son reportage dans la durée, loin des emballements médiatiques épisodiques. Son exposition nous fait découvrir son point de vue, grâce à des photographies dont l’engagement journalistique et artistique livre un réel parti pris.
Le photographe Cédric Gerbehaye figure parmi les trois lauréats de la première Bourse Fnac d’aide à la création photographique, d’un montant de 8 000 euros chacune. Son travail sera exposé dans le cadre de Visa sur l’Image à Perpignan ainsi que dans plusieurs Fnac.
Visa pour l’image Cédric Gerbehaye Du 27 août au 11 septembre Tous les jours de 10h à 20h Entrée libre
« Il s’agit, à l’évidence, d’un travail de journaliste, au meilleur sens du terme, exigeant et difficile parce qu’il se confronte à une situation complexe et refuse de la caricaturer. Pour Cédric Gerbehaye, il ne s’agit ni de décrire ni de témoigner, mais d’enquêter, en opérant par strates, par moments, par catégories. Il y a chez lui une « volonté de savoir » qui est un besoin de comprendre. Comprendre l’inacceptable autant que l’incompréhensible, les gens comme les paysages, la dévastation et les émotions. Les siennes et celles de ceux qu’il rencontre, avec pudeur, avec empathie, avec une curiosité qui au-delà de la situation spécifique, interroge les individus et leur relation aux groupes qui les ont fondés ou formés, auxquels ils appartiennent et desquels parfois ils se détachent. »
L’ambition du Pavillon populaire de devenir l’un des lieux de rendez-vous international de l’art photographique se poursuit. Sous l’impulsion de l’adjoint à la culture Michaël Delafosse et du directeur artistique Gilles Mora, l’expo Brassaï en Amérique* porte une significative contribution à cette idée. Elle propose 50 images en couleur et 110 tirages d’époque en noir et blanc jamais publiés par l’artiste français d’origine hongroise. L’expo s’inscrit comme « une découverte qui devrait faire date dans l’histoire de la photo », note le spécialiste de la photo américaine Gilles Mora.
Greenwich Village, New York 1957. Mise en espace d’une curieuse et très contemporaine façade.
Brassaï (1899/1984), pseudonyme de Gyula Halász, a trois ans quand sa famille emménage à Paris. Ses études de peinture et de sculpture le conduisent à devenir un artiste multifacette. Au cœur des années 20, Brassaï fréquente Montparnasse. Il peint dessine, écrit et sculpte mais au grand dam de son ami Picasso, il choisit de se consacrer prioritairement à la photographie. Paris demeure sa ville de prédilection. Le recueil « Paris la nuit » réalisé en 1932 est à l’origine de son succès. Un travail qui a vu le jour avec la complicité amicale et décadente de son ami Henri Miller qui l’accompagne dans ses pérégrinations nocturnes. « Jusqu’en 57, la carrière de Brassaï fut une succession de rendez-vous manqués avec les USA, souligne la commissaire de l’exposition Agnès de Gouvion Saint-Cyr. Il fut sollicité en 1932 par le galeriste new-yorkais Julien Lévy puis en 36 par le directeur artistique du magazine de mode Harper’s Bazaar, mais il ne se sentait pas prêt. » En 1957, il accepte l’offre du magazine Holiday qui lui donne carte blanche. La commande lui impose juste de photographier la foule dans la 5e avenue et de se rendre en Louisiane. « Une année plus tôt, son exposition sur le graffiti avait révolutionné la vision des Américains sur la photo » précise la commissaire.
C’est cette appropriation d’une culture et d’un territoire urbain par un photographe complice des surréalistes qui nous est donnée à voir au Pavillon Populaire. Brassaï pour qui l’urbain est un sujet de prédilection s’adapte à ce nouvel espace. Il joue des oppositions entre la foule et l’environnement, ne s’arrête pas aux sens nouveaux qui lui apparaissent mais cherche à le dépasser en sortant de la réalité par la lumière. Il suit les passants pour s’imprégner de leur vie, utilise la couleur, se lance dans les petits formats… Le talent s’impose avec des photos comme celle du laveur de vitres où son sens de l’esthétique et du flou se conjugue à celui du mouvement. La force de l’histoire s’affirme dans ce regard sur le dernier bateau à roue du Mississipi porté par des vagues angoissantes qui semblent le conduire vers son dernier voyage. La scène a lieu sous les yeux de quatre minuscule spectateurs. L’humour ne fait pas défaut comme on l’observe avec ces trois clichés d’une statue de Napoléon que l’on imagine pris sur le vif. L’empereur trouve à mesurer sa fierté avec une femme de Louisiane.
Les femmes, un autre sujet majeur de l’univers pictural de Brassaï qui mériterait bien des développements… Le mieux est de se rendre au Pavillon Populaire en toute liberté pour les découvrir…
Jean-Marie Dinh
Au pavillon Populaire du 17 juin au 30 octobre, entrée libre.
Un beau catalogue rend compte de cette exposition éditions Flammarion.
Boris Mikhailov, Sans titre de la série "At Dusk" 1993.
Exposition. Le Pavillon populaire de Montpellier ouvre l’espace urbain à des interventions photographiques qui traversent l’histoire de l’Europe de ces quarante dernières années.
Comme la lumière, la photo traverse les frontières. Après l’Amérique, retour en Europe au Pavillon Populaire dont l’ambition est de s’affirmer comme un lieu qui compte pour la photographie d’art à l’échelle nationale et internationale. Le succès de la dernière l’exposition Les Suds profonds de l’Amérique qui a rassemblé 20 000 visiteurs, réjouit l’adjoint à la culture de Montpellier Michaël Delafosse très impliqué dans la nouvelle dynamique impulsée par Gilles Mora.
« A la différence de l’Amérique, la photographie européenne de rue est marquée par son implication sociale, politique, et par une dimension plus fun, explique le directeur artistique du Pavillon Populaire. La ville apparaît pour certains comme un lieu de plaisir, alors qu’elle est revendiquée par d’autres comme un lieu de douleur. » Une impression dont on découvre les contrastes palpables dans le parcours de l’expo consacrée aux figures de la photographie urbaine en Europe depuis 1970.
Gilles Mora a confié le premier volet d’une série de quatre expos sur le thème de la photographie urbaine à la conservatrice en chef du Musée de l’Albertina à Vienne, Monika Farber, qui assure le commissariat de Aires de jeux champs de tensions à voir jusqu’au 24 avril prochain. « J’avais trois grands artistes en tête, Bogdan Dziworski, Michael Schmidt, Christ Killip, qui me semblaient répondre à la proposition de Gilles Mora, puis j’ai ouvert à des artistes talentueux que j’apprécie pour la singularité de leur travail. Je voulais mettre en avant la qualité. La différence de reconnaissance entre ceux qui vendent très bien sur le marché de l’art et des artistes qui disposent de peu de notoriété n’a pas d’importance. J’ai voulu aussi adjoindre la vidéo aux possibilités photographiques »
Jeux et tensions
L’expo propose trois vidéos dont le travail très percutant du Suisse Christoph Rütimann qui fixe des roulettes à sa caméra pour attaquer, façon skater, les rambardes du mobilier urbain. De Londres à Zurich, on fuse sur les lignes à grande vitesse et on évite la chute grâce à un montage cut ingénieux.
Face à la ville, l’approche du photographe varie pour effectuer ses prises de vue. Pour le Japonais Seiichi Furuya qui brave l’interdiction en vigueur et photographie le mur de Berlin côté Est dans les années 70, les images sont saisies à la sauvette. En photographiant les manifestations officielles en noir et blanc et les activités de loisirs dominicales en couleur, l’artiste joue sur les tensions et montre comment le gouvernement utilise la rue. A la même époque, le réalisateur polonais Dziworski dont on découvre l’œuvre photographique remarquable dans le travail sur le mouvement, saisit l’instant.
Les faux passants. David Rosenfeld Amiens 1997/1998.
A l’inverse, le photographe français David Rosenfeld présent à Montpellier lors du vernissage s’arrache au mythe d’une photographie de rue hors d’usage. « Mon regard est fuyant. Je travaille sur des petits formats. Pour sortir de l’inflation des grands formats et du regard sociologique. Ce qui m’attire c’est l’intemporalité dans le temporel. Ce qui est antérieur à ce que l’on voit. Je recherche le désir dans la neutralité. Je traite la dimension urbaine comme un décor de théâtre. Pour moi la ville est formelle. L’humain est comme un comédien dans sa scène. Je m’intéresse à cette fausse absence. Au simulacre par exemple sur certaines de mes photos. On croit voir des gens qui marchent, mais ils ne marchent pas. »
Juxtaposition des réalités
On retrouve un peu de cette juxtaposition simultanée des réalités dans les photos de la photographe tchèque Jitka Hanzlovà dont les portraits sont baignés d’une lumière radieuse mais où les visages sont fermés. L’artiste accentue l’ambivalence des sentiments avec des cadres sans horizon.
Chris Killip, Father and Son, Newcastle, 1980
Côté tension, le regard de l’Anglais Chris Killip osculte les effets des années Thatcher à travers le sombre quotidien des chômeurs. La qualité narrative de ses mises en scène de rue traduit l’impossibilité d’évolution de la classe des ouvriers sacrifiés. Celui de l’Ukrainien Boris Mikhailov nous transporte sur les traces amères et radioactives de l’effondrement économique de l’URSS avec un travail panoramique bien trash dont les effets cinématographiques donnent froid dans le dos.
L’Autrichien Octavian Trauttmans-Dorff est peut-être le seul à revendiquer un regard plus sociologique sans se départir d’une esthétique singulière. Il présente un échantillon de la population viennoise grandeur nature photographiée dans la même rue sur une toile de 18 mètres de long avec des effets obtenus par absence de fixateur. L’artiste affirme pour sa part être arrivé à ce résultat en effectuant ses tirages avec l’eau polluée du Danube.
Jean-Marie Dinh
Aires de jeux champs de tensions au Pavillon Populaire jusqu’au 24 avril prochain.
Un livre qui sera suivi d’expositions, un regard, celui de Philippe Fourcadier et une plume celle de Jean-Claude Feuillarade se lancent sur les traces de Pierre-Paul Riquet. « Un personnage intéressant. Contemporain du roi Soleil, Riquet est un visionnaire qui a su désobéir à Colbert et finalement démontrer que son idée était la bonne » explique Philippe Fourcadier. Né à Béziers en 1609, Pierre Paul Riquet voulait relier l’Atlantique à la Méditerranée. Il y parvient en trouvant dans la Montagne noire la solution au problème d’approvisionnement en eau du canal. Appliquant les théories d’Adam et Craponne, il positionne le point culminant du canal, à 48 mètres au-dessus du niveau de la Garonne.
Le photographe partage cette aventure sensible avec un ami sétois. A travers ses commentaires, l’expert maritime Jean-Claude Feuillarade répond au regard et ouvre l’espace temps : » J’entends les bavardages des lavoirs, ceux de Montgiscard sont mêlés du rire lumineux des femmes. L’odeur des linges lavés sous les coups de battoirs transperce l’été d’une fraîcheur surprenante. «
L’association s’avère féconde, » Jean-Claude a un rapport à l’eau extraordinaire. Nous nous sommes répondus naturellement au fil du projet « , confie Philippe Fourcadier. A d’autres moments, l’auteur pénètre de manière imaginaire la mémoire que Riquet voulait emporter en ne laissant derrière lui que l’œuvre achevée.
Les images sont le fruit de vagabondages de part et d’autre du canal du Midi. Les prises de vue sont en noir et blanc, mais les photos donnent aux paysages familiers une couleur poétique. Les sujets s’alignent suivant les circonstances. Si ce n’est la volonté quasi spectrale de Riquet, aucun personnage ne vient troubler le cours de cette réflexion sur la force de l’eau, de la nature et de la pierre. Philippe Fourcadier explore les ressources esthétiques de la lumière.
Une balade agréable au bord du Canal du Midi qui fixe les instants lorsqu’on prend le temps d’observer et nous parle de l’histoire à travers le ciel, la pierre et l’eau.
Lucybelle Crater and her P.O Brother. Ralph Eugene Meatyard 1970-1972
A Montpellier au Pavillon Populaire, l’exposition Les Suds profonds de l’Amérique donne un nouvel élan à la photo. Nommé à la direction artistique d’un navire d’images de 600 m2, Gilles Mora (1) avait pour première mission la célébration du 55e anniversaire du jumelage de Montpellier avec Louisville. Il livre une exposition qui fait événement et ouvre grand la porte de l’imaginaire américain. Jusqu’au 30 janvier 2011, les œuvres de trois photographes singuliers s’invitent dans des espaces circulaires bien aménagés où l’on a procédé à un accrochage soigné. Dans l’aile gauche, certaines œuvres bénéficient d’un éclairage plus intime, propice à découvrir l’univers de Ralph Eugene Meatyard (1925–1972).
La profondeur Maetyard
L’exposition est la première rétrospective française consacrée à son travail. Meatyard revendique le statut d’amateur. S’il opère dans un espace géographique réduit, la petite ville de Kentucky où il occupe le métier d’opticien, son œuvre marque la photographie américaine des années 60 et 70 par son originalité. L’artiste explore à temps perdu, différentes esthétiques photographiques, dont le dérèglement volontaire de la mise au point ou les jeux sur les effets de lumière. « Dans ce travail méticuleux, on cherchera en vain ce qui relève de l’inutile , souligne Gilles Mora qui met en évidence des correspondances entre le travail du photographe et certaines démarches littéraires. Il se pare de toutes les ambiguïtés de Lewis Caroll ou d’Henry James en se gardant du voyeurisme. C’est une œuvre limite. » On peut aussi y trouver des points communs avec Beckett dans la dissolution des corps et avec Françis Bacon dans la relation au morbide. « Je tiens de son fils qu’il avait acheté une table de dissection pour faire les lavages de ses tirages », confie Gilles Mora qui a longuement séjourné en Louisiane. Les images secrètes de Meatyard expriment une mort spirituelle et physique sans tabou, qui résonne aussi avec la peinture expressionniste abstraite américaine.
Entre magie et menace
Trois ans avant sa disparition prématuré à 47 ans, Meatyard réalise une fiction visuelle qui fait date dans l’histoire de la photographie avec une série de 64 images intitulées L’album de la famille de Lucybelle Crater. Aventure hallucinante et étrange tirée d’une nouvelle d’Ambroise Bierce (2). Pour mettre en scène cette saga familiale, le photographe pose masqué avec sa femme et un ami proche. La ville a acquis quinze œuvres de cette série pour enrichir sa collection qui compte un fonds important de près de 1 500 tirages actuellement en cours d’inventaire.
Pèlerinage vers Katrina. Alex Harris 2007
Il y a une certaine concordance entre le travail de Clarence John Laughlin (1905-1985) et le regard plus récent d’Alex Harris réalisé en 2005 après le passage de l’ouragan Katerina en Louisiane. De retour de la catastrophe, ce dernier laisse son travail en jachère pendant cinq ans avant de revenir sur l’après cataclysme sous forme de triptyque.
La fissure intérieure de John Laughlin
head in a precipitated dream. Clarence John Laughlin 1941.
Quand il promène son œil sur la Nouvelle Orléans de son époque, John Laughlin s’éloigne lui de l’esthétique documentaire. L’artiste qui se revendique surréaliste, joue de superpositions pour mettre en scène le processus de dissolution du passé à la Nouvelle Orléans. Il semble résister au progrès qui le pousse à tourner une page trop pesante. John Laughlin a recours à une esthétique proche de l’art funéraire, mettant en scène des femmes rédemptrices qui conspirent contre d’invisibles et pourtant perceptibles enjeux. A travers la proximité spatiale des travaux de Meatyard et de Laughlin, on découvre que l’étrangeté ne désigne plus simplement les troubles obsessionnels compulsifs qui pourraient hanter les artistes, mais bien l’héritage culturel du Sud qu’ils ont en partage. Le passé colonial d’une région, ses traditions protestantes évangéliques, et son histoire séparatiste qui s’effrite. Avec Les Suds profonds de l’Amérique, on pénètre dans l’étrangeté fascinante de la fin d’un monde.
Jean-Marie Dinh
Les Suds profonds de l’Amérique au pavillon populaire jusqu’au 31 janvier 2011.
(1) Gilles Mora a enseigné le français en Louisiane. Il a fondé les cahiers de la photographie et dirige actuellement une collection au seuil. Il a été directeur artistique des RIP d’Arles.
(2) Ecrivain et journaliste américain (1842-1914) profondément marqué par la guerre de Sécession.
