Oeuvres monde pour lâcher prise au MRAC

Per Barclay, Cahrine Portrait de l’artiste en jeune homme jusqu’au 29 novembre

 

Musée. Tout était fictif et plein de mystère dans l’expo d’été du Mrac de Sérigan. Le Musée d’art contemporain propose un nouvel accrochage de sa collection et se prépare à son extension.

 Amis des cérémonies de passage, si vous souhaitez vous ouvrir les chakras donnant accès au vaste réservoir d’imaginaire de l’art d’aujourd’hui, un petit tour au Musée régional d’art contemporain (MRAC) de Sérignan s’impose.

Ce lieu d’envergure national situé dans une commune de 7 000 habitants a pris place en 2006, dans les murs de l’ancienne cave viticole. Les vitrages qui projettent la lumière à l’intérieur comme à l’extérieur du bâtiment de 2 700 m2 sont signés Daniel Buren.

Labellisé centre régional Languedoc-Roussillon en 2010, le MRAC  affirme des choix artistiques forts et invente de nouvelles formes de médiation à l’art. Ce travail s’est particulièrement développé sous la houlette d’Hélène Audiffren l’ex directrice du musée remplacée depuis un an par Sandra Patron qui reprend le flambeau avec de nouvelles perspectives.

L’exposition d’été qui vient de s’achever a été l’occasion de mettre en action le slogan « J’aime pas l’art contemporain mais je me soigne ». Elle présentait les oeuvres de quatre artistes fédérés par une approche ludique qui chacune à leur manière, interroge le  monde en allant chercher du sens, très loin dans les murmures de notre vie intérieure.

L’installation de l’artiste conceptuel mexicaine Mariana Castillo Deball associe l’archéologie et l’ethnographie pour jouer sur un aller-retour temporel qui génère une approche différente et ouverte sur la modernité. L’allemand Reto Pulfer investit le Cabinet d’art Graphique du musée avec une recherche autour des rituels et processus créatifs qui font se croiser l’art et la vie. Hicham Berrada fait émerger un monde chimérique fascinant en manipulant des produits chimiques.

Les travaux du portugais Francisco Tropa développent une géométrie propre. L’artiste questionne, à travers des représentations abstraites, l’imbrication de la vérité et de la fiction. Il joue sur la surprise en prélevant des éléments dans la nature qu’il restitue avec des répliques parfaites en bronze. Nous invite à envisager des hypothèses à partir de ses antipodes. Evoque des oeuvres philosophiques grecques, ironise sur l’économie de moyen des minimalistes américains… Autant de propositions qui ont interpellé les visiteurs.

A découvrir jusqu’au 29 novembre Portrait de l’artiste en jeune homme un nouvel accrochage des collections.

 

 

 

Un an après sa nomination la directrice du Mrac Sandra Patron envisage l’avenir avec enthousiasme

 

Sandra Patron directrice du MRAC dans l’univers de Tropa.

Sandra Patron directrice du MRAC dans l’univers de Tropa.

 

A 42 ans Sandra Patron a dirigé le Parc Saint Léger, Centre d’art contemporain en plaçant la production des artistes et la sensibilisation des publics au coeur du projet. De 1998 à 2007, elle a dirigé triangle France à la Friche de la Belle de Mai à Marseille. Elle s’est engagée dans le bureau de l’association de développement des centres d’art qu’elle a présidé jusqu’en 2014. Elle a également été  membre du Comité d’acquisition du Centre national des arts plastiques.

Dans quel état d’esprit vous trouvez-vous après un an à la tête du Mrac de Sérigan ?

Je suis très heureuse. Nous avons reçu cette année 20 000 visiteurs. Ce qui démontre l’intérêt que les gens portent au Mrac qui est éloigné de la capitale régionale. Nous sommes dans le chantier d’extension du musée qui va porter la superficie à 3 000 m2 et nous permettre de disposer de nouveaux espaces pour la collection et les expositions temporaires et d’améliorer l’accueil du public avec une nouvelle librairie.

Quelles ont été vos surprises depuis votre arrivée ?

Je viens de Bourgogne, où je suis restée sept ans. Ce qui m’a surprise c’est le foisonnement culturel dont bénéficie cette région. J’ai aussi été étonnée par l’état embryonnaire du réseau. C’est peut-être mon expérience de présidente des centres d’art qui me fait dire cela. Je pense que la synergie est importante pour anticiper et parfois répliquer aux politiques culturelles quand elles ne vont pas dans le bon sens. Il faudrait par exemple se préparer et être une force de proposition face à la redistribution qui découlera de la fusion des régions.

Comment dépasser les réticences du public à l’égard de l’art contemporain ?

Dans les faits, nous constatons une évolution très positive. Les chiffres parlent d’eux-mêmes. 20 000 personnes à Sérignan c’est mieux que certaines Scènes Nationales. Nous bénéficions du travail de médiation de mon prédécesseur que nous allons poursuivre. La grosse difficulté, est de faire passer la porte. Il y a des stratégies à mettre en oeuvre. Certaines oeuvres sont immédiatement accessibles pour d’autres c’est plus compliqué. Il faut le dire, l’expliquer. On constate que les gens l’acceptent mais il faut les accompagner.

Vos projets pour le Mrac ?

Je travaille pour obtenir une partie du fond du Cnap une collection publique dotée de 95 000 oeuvres qui n’a pas d’espace d’exposition. Je voudrais étoffer le fond de dessin du cabinet graphique et les oeuvres d’artistes figurant dans la collection. Celle-ci commence dans les années 80, j’aimerais ouvrir sur les années 70.

C’est une chance pour moi d’arriver au moment de l’extension. J’ai le sentiment que la pensée peut se déployer. Elle suit l’espace.

Recueilli par JMDH

Source : La Marseillaise 06/09/2015

Voir aussi : Voir aussi : Rubrique Art, rubrique Exposition, rubrique Rencontre,

Le côté ténébreux des artistes napolitains

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Massino Stanzione Suzane et les veillards. photo DR

Musée Fabre. L’âge d’or de la peinture à Naples de Ribéra à Giordano à découvrir jusqu’au 11 octobre.

Après l’expo Corps et ombres : Caravage et le caravagisme européen qui avait suscité en 2012 la jalousie des parisiens, on peut découvrir, L’Âge d’or de la Peinture à Naples : de Ribera à Giordano au musée Fabre jusqu’au 11 octobre. Le parcours composé de 84 oeuvres majeures de la peinture napolitaine suit l’évolution du caravagisme au baroque.

Tous les grands maîtres de la peinture napolitaine sont représentés Caravage, Caracciolo, Vitale, Ribera, Stanzione, Di Lione, Cavallino, Giordano, Beinaschi, Solimena. L’exposition trace aussi le portrait de la cité où réside le vice-roi et siège l’administration du royaume de Naples. Les artistes qui répondent aux commandes fastueuses ne se privent pas de montrer les aspects populaires du port de commerce très actif et la foule qui grouille au marché.

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Ribera St Marie l’Egyptienne

Parmi tous les grands maîtres de la peinture napolitaine présents figurent douze oeuvres majeures du fécond Ribera dont la saisissante et pathétique St Marie l’Egyptienne. Le biographe de Ribera souligne comment l’artiste se rallia au style Caravage tout en notifiant qu’il aurait eu une vie de bohème agitée. Ce que semble attester le regard de l’ange dans le Baptême du Christ.

Au-delà des thèmes classiques des oeuvres ayant attrait au religieux, à la mythologie, aux natures mortes et à l’humanisme, on est saisi par l’ambiance ténébreuse que renforce l’usage du clair obscur. Comme si le climat de guerre politico-religieux qui enflamme l’Europe de l’époque, transparaissait de manière diffuse dans l’expression des grands maîtres tout comme la proximité menaçante du capricieux Vésuve et de la grande peste qui dévasta 60% de la population du royaume. La peinture témoigne de l’inventivité technique des peintres napolitains mais pas seulement. A l’instar du lyrisme sensuel qui se dégage de la martyre Saint Agathe de Guarino.

JMDH

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Source : La Marseillaise 27/08/2015

Voir aussi : Voir aussi : Actualité France, Rubrique Art, rubrique Exposition, rubrique Italie,

 

Transport de l’art brut à l’art modeste

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Exposition. Véhicules, auto, moto, vélo, train, avion et Bateau, jusqu’au 20 septembre au MIAM à Sète.

Presque au coin de la rue, au bord du Canal à Sète, sur le Quai Maréchal de Lattre de Tassigny le MIAM (Musée international des arts modestes) présente plus de deux cent cinquante oeuvres issues du fond exceptionnel de la Collection de l’Art Brut à Lausane. Héritier de quelques 5 000 pièces rassemblées par Jean Dubuffet entre 1945 et 1971, le musée lausannois abrite plus de 60 000 oeuvres.

L’exposition thématique Véhicules Auto, moto, vélo, train, avion et bateau offre une sélection étonnante de pièces ayant attrait aux moyens de transport, qu’elle met en perspective avec des travaux d’art contemporain. Les véhicules apparaissent comme une source d’inspiration inépuisable qui convoque les notions d’espace et de mouvement en ouvrant grandes les portes de l’imaginaire.

Les modes de transport ont toujours fasciné les artistes en particulier les auteurs d’Art brut. Au moment où le Musée Paul Valery rend hommage aux précurseurs de la Figuration libre, Hervé Di Rosa qui en fut un acteur incontournable préside aujourd’hui à la destinée du Miam. L’artiste confit ce qu’il doit à Dubuffet. « C’est par ma rencontre avec l’oeuvre de Jean Dubuffet, d’abord dans des encyclopédies d’histoire de l’art à l’Ecole des beaux-arts de Sète, j’avais alors dix-huit ans, puis dans ses propres essais et écrits, que j’ai été initié à l’art brut et plus largement  à toutes les marges de l’art

Dubuffet a été le premier théoricien et le plus important collectionneur d’art brut. C’est sous son impulsion que plusieurs variations d’arts marginaux, non conventionnels, ou ludiques, sont apparus. Ces affluents portent des noms différents mais, tous, sont des déclinaisons de l’art brut. « C’est aussi parce qu’il y avait l’art brut qu’il y a eu l’art modeste » précise Di Rosa.

Les deux courants sont attachés à une forte présence humaine et partage une même culture pour ne pas dire une même idéologie de l’art. Avec l’idée affirmée d’une désacralisation de l’univers et de l’art.

La-mort-a-le-sourireSous des allures délicieusement désuètes, comme la voiture charentaise de Bibi Fricotin cette exposition prend le parti d’exhumer trésors anciens et idées du tonnerre en matière de transport comme cette voiture sur le toit à laquelle ont a monter un moteur de Bateau. On est saisi par la barque aux squelettes des frères Linarès qui nous invitent à une dernière partie de pêche.

La visite qui devrait occuper une place de choix dans le coeur des amateurs du genres méticuleux – ils apprécieront les trains de Motooka Hidenori – s’avère aussi très ludique pour les amateurs d’art populaire et non conventionnel qui trouveront dans cet inventaire abracadabrant de quoi se transporter.

JMDH

Expressions artistiques, du petit détail maniaque au total basculement. Photo dr

Source La Marseillaise 25/08/2015

Voir aussi : Actualité France, Rubrique Art, rubrique Exposition,  rubrique Rencontre, Hervé Di Rosa,

JonOne. De la couleur et du mouvement

A Montpellier JonOne se fond dans les couleurs de son art. Photo dr

A Montpellier JonOne se fond dans les couleurs de son art. Photo dr

Exposition. L’artiste JonOne issue du street art expose une oeuvre abstraite au Carré Saint Anne jusqu’au 1er novembre.

Free style au Carré Sainte-Anne avec les oeuvres grand format de JonOne qui occupent l’espace de l’église désacralisée jusqu’au 1er novembre. Dans l’enceinte où l’artiste a visiblement pris plaisir  à composer sa mélodie en faisant exploser les couleurs sur les toiles et des volumes en plexi, on songe au cheminement étrange de ce fils d’immigrés dominicains qui a grandi à Harlem où sa famille, vit toujours.

Dans les années 70 et 80, JonOne a commencé à écrire son nom sur les murs et sur la grande flotte des rames du métro new-yorkais. Il évoque comme élément fondateur de son style, la vision d’une rame de métro graffée engendrant des traînées de couleurs avec la vitesse. Le passage de l’esprit de rue à la peinture abstraite s’opère quand il arrive à Paris au milieu des années 80. C’est au moment où le street art explose en France que JonOne passe à la toile.

Avec un coup d’avance, l’artiste s’adapte et fait les bonnes connexions en se référant à Kandinsky, Matisse et bien sûr aux expressionnistes abstraits américain, Pollock, de Kooning, Joan Mitchell… L’optique optimiste que cultive l’artiste lui réussit. L’oeuvre circule dans les galeries dont JonOne a vite saisi les codes.

L’usage des couleurs attractives parfaitement maîtrisées allié au récit de vie de l’artiste suscite cet espoir dont nous avons tant besoin aujourd’hui. Et le destin heureux de l’artiste issu du ghetto vient renouveler l’éternelle vision du rêve américain.

Il expose à Tokyo, Berlin, Hong Kong et partira pour Shanghai, après Montpellier qui manifeste son ambition muséale en matière de street art. Côté pile on retire le collage à proximité de l’église St Roch avant le pèlerinage du 15 août, côté face on investit dans le mouvement pictural urbain pour le faire entrer dans l’institution. Vous avez dit mutation ?


JMDH

Voir aussi : Rubrique Arts, Abstraction la seconde école de Paris, Artistes méconnus de RDA, Cy Twombly tire un trait, rubrique Exposition, rubrique Montpellier,

Source : La Marseillaise 22/08/2015

Tuggener entre réalité et suggestions sceptiques

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Montpellier Photographie. A découvrir l’exposition Fabrik : une épopée industrielle 1933-1953 consacrée au photographe Jakob Tuggener au Pavillon Populaire jusqu’au 18 octobre 2015.

Par JMDH

Contraste au Pavillon Populaire de Montpellier après l’expo “La vie en Kodak de 1950 à 1970”, qui idéalisait en colorimétrie un modèle de société en pleine expansion. On traverse la vitrine du rêve américain pour toucher la réalité des ouvriers dans leur environnement professionnel avec « Fabrik : une épopée industrielle 1933/1953 », une exposition consacrée au photographe suisse Jakob Tuggener sous la direction artistique de Gilles Mora et le commissariat de Martin Gasser.

Changement de thème, d’époque, passage de la couleur au noir et blanc et retour à une ligne artistique, souvent perturbée pour ce haut lieu de la photographie d’art en province qui peine à creuser sa ligne de force en alternant radicalement les esthétiques pour ne déplaire à personne. Au même titre que les américains Brassaï et Eugène Smith, Jakob Tuggener est un photographe de terrain passionné qui a su capturer l’essence de son époque en apportant un regard libre et singulier qui le place aujourd’hui comme une référence dans l’histoire de la photographie.

L’art subjectif de dire

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Employé de l’usine allemande MFO (Ateliers de construction mécanique Oerlikon) qui tourne à plein régime mais connaît quelques problèmes d’encadrement. On attend de son travail photographique qu’il réduise le fossé entre les travailleurs et la direction. Lui ne souhaite rien moins que de rendre photographiquement tous les aspects de son usine.

Les machines, les murs de briques, les toits de zinc, attestent par leur gigantisme d’un glorieux environnement industriel. Tout fonctionne mais la dimension subjective des images de Jakob Tuggener laisse penser que les machines pourraient s’emballer à l’image des valeurs virtuelles du marché toujours en convalescence après la crise de 1929.

Quand l’artiste montre les chaînes de production, il n’omet pas de présenter les stocks de munitions qui s’accumulent en Allemagne. Sa notion du temps passe par les horloges de pointages qui nous ramènent aux hommes. A l’instar de la photo de l’affiche de l’exposition montrant Berti la coursière qui presse le pas de bon matin après que le lourd portail de l’usine se soit fermé dans son dos. Le gardien lui aura sans doute fait une réflexion sur son retard.

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Loin du réalisme socialisme, l’univers discret et onirique de Tuggener qui fut aussi réalisateur, procède par une mise en exergue des symboles proches du cinéma expressionniste.

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Une carrière sous l’angle de la passion

 

Présence du photographe dans le regard de son modèle. photo dr

Présence du photographe dans le regard de son modèle. photo dr

Jakob Tuggener débute sa vie professionnelle en tant que dessinateur industriel à Zurich. 1930-1931 il étudie à Berlin puis s’initie au graphisme, à la typographie, au dessin et au cinéma à l’école des arts et métiers en Allemagne. A son retour en Suisse, il travaille comme photographe industriel. En 1934 Tuggener achète un Leica et photographie pour la première fois le Grand Bal russe à Zurich.

Le thème du bal qui le fascine revient durant sa carrière. Il a photographié de nombreux bals en Suisse dans le Grand Hôtel de Zurich où à l’Opéra de Vienne. Il se consacre également à des sujets de la vie quotidienne et s’éprend  de la relation entre l’Homme et la machine. En 1943, Tuggener publie un essai photographique Fabrik (Usine ) relatant la relation de l’Homme dans le monde industriel des machines. Cet ouvrage le propulse dans l’avant-garde de la photographie suisse en dépit des critiques de l’époque qui rejettent son innovation artistique.

Après la Seconde Guerre mondiale ses photos sont exposées au Musée d’Art Moderne de New York et publiées dans le magazine photographie Leica. Une grande exposition rétrospective lui est consacrée en 1969 à Munich. Tuggener a développé un style poétique qui est devenu un modèle pour nombre de jeunes photographes se réclamant de la photographie subjective.

L’exposition de Montpellier puise partiellement dans les maquettes des livre Métal noir 1935-50 et Le temps de la machine 1942-51. Projets de livres que Tuggener n’est jamais parvenu à publier de son vivant. Parmi ces images, certaines seront exposées pour la toute première fois.

Au Pavillon Populaire. Entrée libre

Source La Marseillaise.

Voir aussi : Rubrique Photo, rubrique Expo, rubrique Histoire,