Archives de catégorie : Musique

Bibi Tanga : l’alchimiste afro-européen du blusypop

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Bibi Tanga and the Sélénites (Les habitants de la lune) sont en concert ce soir au Jam. L’occasion de découvrir l’envoûtant dernier album qu’ils livrent en live en avant première à Montpellier dans le cadre d’une session Cosmic groove.

Originaire de Bangui, en République centrafricaine à proximité de la frontière congolaise, Bibi arrive en France à l’âge de six ans. Il a grandi entre deux continents et se revendique aujourd’hui comme un artiste afro-européen. Bercé par une culture musicale tout à la fois multiculturelle et largement ouverte, de la soul funk psychédélique qui fleurit au Etats-Unis dans les années 60/70, à Marley, en passant par la chanson française à texte (Brassens, Ferré…), le post punk des années 80 et la new-wave.

Passionné de groove, Bibi Tanga cultive sa virtuosité. Il travaille sa voix mais aussi la guitare, la basse, le saxe… les spectateurs montpelliérains l’ont vu en 2010 à l’occasion de la sortie de « Dunya » qui renouait dans une subtile alchimie avec ses origines centrafricaines. A ses côtés le grand modulateur de sources sonores, Jean Dindinaud, dit Professeur inlassable, officie toujours aux platines. Le libre apport des habitants de la lune, est une source de richesse supplémentaire au groupe.

Trois questions à Bibi

Toujours à la croisée des genres, votre dernier album « 40° Of Sunshine », semble plus orienté sur le funk et le soul, les références aux sources africaines, n’en n’ont pourtant pas moins disparu ?

A la première écoute, l’album est très funk soul, mais contrairement à ce qu’en ont dit certains, je considère que les références afro sont aussi présentes que dans l’album précédent. Elles se nichent dans un spectre africain plus large, notamment rythmique. Cet aspect, parfois insaisissable, explique par exemple le succès qu’ont réservé les africains à James Brown dont la soul percute la rumba congolaise et l’art oratoire flirte avec le griotisme.

D’où tenez-vous cet optimisme à l’égard de la situation centrafricaine où le marigot politique s’avère hypocrite et dévastateur ?

Effectivement la situation centrafricaine est ubuesque. Moi qui suis de la diaspora, j’ai pris conscience en me retrouvant là-bas que l’art et la musique sont des moyens de sortir de tout ça. J’ai mesuré à l’accueil qui m’était réservé, l’importance pour les Centrafricains que l’on parle d’eux d’une autre façon. On n’imagine pas ce que représente cette reconnaissance, mais cela a beaucoup de poids pour les gens sur place.

Sur scène, on est frappé par l’étonnante diversité musicale et l’harmonie qui se dégage du groupe. Comment travaillez-vous ?

Chacun fait ce qu’il sait le mieux faire. Moi, je joue de la basse, du saxe, je travaille sur les paroles, Prof dresse des décors musicaux, le violoniste, le guitariste et le batteur amènent leur propre sensibilité. Chacun reste libre dans son expression. On n’est pas contraints par les étiquettes. On considère souvent le courant soul funk psyché, né aux Etats-Unis dans les années 70, comme de la veille musique. Mais elle n’a qu’une quarantaine d’années. C’est ce qu’il a fallu au jazz avant que l’on commence à en parler. Finalement c’est un genre jeune, au sein duquel nos explorations musicales vont encore s’élargir…

Jean-Marie Dinh

Rens : Cosmic Groove

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Rêver de quoi en attendant Einstein…

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Le monde proposé associe l’émotion visuelle et psychologique

Opéra. Première mondiale « Einstein on the Beach » de Robert Wilson et Philip Glass cette semaine à Montpellier.

Certes, il y a le paradoxe qui veut qu’au moment même où la génération Fukushima refuse la prise en charge d’un héritage ingérable, nous nous apprêtons à célébrer en grande pompe l’homme qui en est à l’origine. On peut s’attendre aussi à une polémique sur le budget colossale de cette production en ces temps de disette culturelle. Assurément – c’est peut-être son but – la reprise en première mondiale, de l’œuvre créée en 1976 par Robert Wilson et Philip Glass, Einstein on the beach, fera couler de l’encre.

Cet opéra hors norme est le fruit d’une rencontre entre le compositeur minimaliste Philip Glass qui se décrit comme un « Juif-Taoïste-Hindou-Toltèque-Bouddhiste » et le metteur en scène Robert Wilson, Bob de son surnom, reconnu dès la fin des années 60 comme un des chefs de file du théâtre d’avant-garde new-yorkais. Quand on ajoute que l’on doit l’essentiel du livret, (entrecoupé de séquences de danse abstraite de Lucinda Childs,) à un jeune autiste de 14 ans, on se fait à peut près une idée du tableau indescriptible qui nous attend.

Einstein on the beach fait partie des  œuvres en ruptures, inscrites dans un hors temps. La musique joue sur la récurrence dans un espace à la fois poétique et dramatique. Le monde proposé associe l’émotion visuelle et psychologique avec Einstein comme base d’inspiration. Le travail se présente comme un tout qui s’émancipe de la narration. Wilson et Glass jouent sur le mystère Einstein qu’ils donnent à déchiffrer dans les correspondances symboliques. Ils tissent une forme de rêve autour du personnage.

Pourquoi chercher à mieux comprendre ce qui va se passer durant les cinq heures du spectacle quand on sait que la consigne de Wilson est de laisser la liberté aux spectateurs d’aller et venir à leur guise dans la salle. L’histoire nous dira si le public du XXIe siècle sait tenir sa langue pour écouter battre son cœur…

Jean-Marie Dinh

Opéra Berlioz de Montpellier du 16 au 18 mars.

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Slow Joe & Ginger Accident : Le bon côté de la mondialisation

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Concert. Slow Joe & the Ginger accident, ce soir à la salle Victoire 2.

Les choses sont simples comme une rencontre. Celle du guitariste Cédric de la Chapelle qui croise en 2007 Joe, un chanteur de rue à Goa.
« J’étais en vacances en Inde avec ma copine. On avait le temps de rien foutre. Il nous a proposé un hôtel. Il a vu que j’avais une guitare, on a discuté, on a joué et j’ai senti qu’on n’allait pas en rester là, » raconte Cédric. Le feeling passe entre le musicien lyonnais plutôt versé dans un rock tendu et dépressif, et Slow Joe bercé dès son enfance par les crooners américains (version soul). Cette rencontre se concrétise deux ans plus tard en France sur la scène des Transmusicales de Rennes où le  nouveau combo conquiert le public en 2009. Dans la foulée, le groupe produit deux maxis en 2010. Les musiciens lyonnais se mobilisent pour faire venir le crooner indien en France. Celui-ci enchaîne les allers-retours pendant un an avant d’obtenir une carte de séjour en 2011.

C’est ainsi que voit le jour l’album Sunny Side up, qui collecte des chansons enregistrées au cours des trois dernières années. On mesure la richesse musicale de l’opus à l’écoute. Les morceaux s’enchaînent en passant d’une soul mâtinée de pop sixties du meilleur acabit (avec des consonances à la Doors) au rhythm and Blues. La voix sincère de Slow Joe laisse percer un sentiment d’imminence qui en dit long sur son vécu.

Une nouvelle vie

« Il maîtrise le répertoire de tous les grands crooners et connaît tous les grands standards de jazz, mais aussi des classiques hindous à la pelle. On en discerne quelques traces dans le premier disque. Ce sera plus prégnant encore sur l’album que l’on prépare qui s’annonce plus hypnotique avec des tonalités modales », indique Cédric de la Chapelle qui assure une bonne part des compos et des arrangements. Portés par un super carma, Slow Joe &  Ginger Accident, alignent les performances scéniques qui réunissent un public très varié en terme de styles et de générations. « Comme le dit Joe, il faut du mood, chaque morceau est différent. Il faut aller au bout de ce qu’il y a à donner.  Lui, il suit son destin. A 68 ans, il se donne du mal pour que tout continue d’avancer et s’interroge toujours : mais qu’est ce que je fous là ? Je crois qu’il trouve la réponse en donnant du sens à ce qu’il fait. »

Un mystère plane autour de la réussite de Slow Joe & Ginger Accident. Il résulte certainement de ce mouvement d’attraction entre deux cultures, entre deux continents, qui traversent le temps pour se retrouver autour du meilleur de la production musicale américaine. A découvrir et à expérimenter tout de suite !

Jean-Marie Dinh

Ce soir à 20h salle Victoire 2. Rens ; 04 67 47 91 00

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Electra de Richard Strauss : Une vision barbare de la Grèce antique

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Opéra de Montpellier Electra: le désir d'aller à l'essentiel. Photo Marc Ginot

Lyrique. Electra de Richard Strauss sera donnée vendredi à 20h et dimanche à 15h à l’Opéra Berlioz.

C’est l’opéra le plus attendu de la saison de Montpellier, Electra de Richard Strauss (1864-1949). La tragédie en un acte créée à Dresde le 25 janvier 1909, sera donnée vendredi sous la direction de Michaël Schowand, dans une mise en scène de Jean-Yves Courrègelongue.

La personnalité de Richard Strauss et la place qu’on lui attribue dans l’histoire de la musique  restent sujettes à caution. Le compositeur munichois a vécu toute sa vie dans cette région conservatrice de l’Allemagne. Lorsque les nazis s’emparent du pouvoir, il accepte de diriger « La Chambre de musique du Reich », mais il ne partage pas l’idéologie raciste du régime. Il exige par exemple, que le nom de Stefan Zweig, qui est de confession juive,  reste sur l’affiche de La Femme silencieuse. Au début du XXe, à l’heure où beaucoup de compositeurs s’affirment par la rupture avec le post-romantique, Richard Strauss demeure dans la continuité de l’art allemand wagnérien. Son œuvre se teinte cependant fortement de la pensée nietzschéenne.

C’est avec Electra que Strauss commence une féconde collaboration avec Hugo von Hoffmannsthal. L’écrivain viennois réadapte la pièce de Sophocle en resserrant l’action entre les deux sœurs et la mère et en accentuant l’aspect tragique et sombre. On quitte la Grèce d’Apollon pour rejoindre celle de Dionysos, porteuse de mort, de menace et de destruction. Richard Strauss compose une version musicale plus expressionniste, sans la dimension sensuelle de Salomé. La musique semble épouser les méandres de la psyché humaine. L’acte unique répond au désir d’aller à l’essentiel. L’élimination de tout superflu, de tout ornement, privilégie, l’intériorisation des conflits et la recherche de l’expression violente du moi en crise.

JMDH

Avec Janice Baird (Elektra), Jadwiga Rappe (Clytemnestre) Edith Haller (Chrysothémis), les Choeurs de l’Opéra National de Montpellier L-R et l’Orchestre national Montpellier L.R. Resa : 04 67 601 999.

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FG Ossang : un cinéaste vampire qui vide le temps…

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FJ Ossang : « C’est la phase terminale d’une époque… » Photo Rédouane Anfoussi

Festival 100%. Hommage au cinéma de FG Ossang, qui considère le cinéma  » comme un psychotrope « . Trois films à découvrir jusqu’au 11 février.

L’enfant est né en 1956. Une légende dit que quelques fées du rock qui passaient par là se seraient penchées sur le berceau de FG Ossang pour y vomir après une nuit trop arrosée. Le mystère plane toujours sur ce qu’elles avaient mangé la veille. Bref le pauvre gosse, qui a grandi depuis, est atteint par cette incurable maladie nommée créativité débordante. Celles qui ébranlent la société dans ses certitudes. Les symptômes témoignent d’un attachement profond aux grands espaces, à la nature et aux spiritualités diverses, chamaniques, incas, tibétaines… dans lesquelles l’homme est partie intégrante du Cosmos.

Invité par le festival 100% dans le cadre d’un hommage à son travail cinématographique, l’artiste était à Montpellier pour évoquer son dernier film Dharma Guns (2011). L’opus nous propulse dans un univers d’entre-mondes qui nous fait plonger dans la noirceur des âmes. Ossang brode sur le motif récurrent de la perdition :  » Je voulais revenir à une enfance de l’art. Le film procède par stratification. C’est une attaque par les périphéries qui parle du monde vampire, des machines qui aspirent tout. On ne peut plus faire d’alchimie. C’est la phase terminale d’une époque… » (rire).

Poète et écrivain halluciné, qui prend son petit déj’ chez Burroughs, son plat du jour avec Céline et son dîner chez Vaché et Artaud, Ossang donne aussi de la voix dans les groupes MKB et Trobbing Gristtle entre punk et indus.  » C’est un type à part. En tant qu’artiste il incarne vraiment la modernité. Il est écrivain, musicien et cinéaste et il associe complètement les différentes formes d’écriture dans son travail « , commente un organisateur conquis. On le sent bien dans Dharma Guns, où chaque forme d’écriture est exploité indépendamment comme pour répondre à la formule de Cocteau  » Je suis un mensonge qui dit toujours la vérité.  » Dans cette mise en abyme du jeu de la représentation, les plans (en noir et blanc) sont très travaillés  » C’est étonnant que le monde soit si bête. Il ne faut pas être sérieux au cinéma, mais c’est quand même important dit Ossang qui joue avec la force omniprésente de l’accidentel.  » Le cinéma, c’est quelque chose de sauvage. Il est né dans les cirques et les bordels. Le cinéma c’est la commotion… « 

Ses films lui collent à la peau comme la profondeur de son regard sur un monde qu’il voit s’effondrer.  » Bientôt il n’y aura plus qu’à découvrir les films de série Z tellement le cinéma se rétrécit. On apprécie la puissance du cinéma dans des périodes qui correspondent à des académismes de courte durée.  » En attendant il rappelle la faculté du cinéma à s’émanciper de tout carcan formel pour reprendre sa liberté.

Jean-Marie Dinh

 

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 Encore à l’affiche aux Cinémas Diagonal, Le trésor des îles chiennes et Docteur Chance, jusqu’à samedi.