Un coeur noir de 20 ans au FIRN de Frontignan

Pas de panique tout baigne, c’est juste les 20 ans du FIRN.  dr

Pas de panique tout baigne, c’est juste les 20 ans du FIRN. dr

A vingt ans, le Festival International du Roman noir de Frontignan enclenche une petite fiesta du polar sans plisser les paupières.

Organisé conjointement par la ville de Frontignan et l’association Soleil Noir, le FIRN fête cette année ses vingt ans. Créé en 1997 par Michel Gueorguieff qui a su convaincre le maire de Frontignan, Pierre Bouldoire, sur la base de quelques fondamentaux comme l’idée que le livre est avant tout populaire, que le roman noir est utile pour comprendre les sociétés parce qu’il parle de leurs sous sol et qu’on y découvre les règles du jeux, qu’écrire du noir peut être un acte de lutte, que lire du noir est un acte de culture, qu’on doit parfois, comme tous bons inspecteurs de la crim’, laisser tomber les évidences pour suivre son intuition. Les fidèles vous le diront ;  ce n’est pas un hasard si Cesare Battisti a été fait citoyen d’honneur de Frontignan et que la marraine du festival, qui y a fait ses premières armes, se dénomme Fred Vargas.

Cet événement littéraire bénéficie d’un pouvoir d’attraction hors du commun. Il rassemble tous les éditeurs qui comptent sur la planète noire. Des écoles aux maisons de retraite, le polar a bousculé cette ville de 20 000 âmes. Cela se vérifie aussi auprès des meilleurs écrivains français. Il se dit que l’association du roman noir à Frontignan rend le Muscat fou de jalousie. Elle s’est même propagée  aux quatre coins du monde en séduisant les plus grands auteurs de polar de la planète. James Crumley, Georges V Higgins, Gregory Mcdonald, Elmore Leonard… pour ne citer qu’eux, sont venus à Frontignan. On peut affirmer que le FIRN a fait école si on se réfère à la profusion de festival de roman noir  ayant vu le jour au cours des deux dernières décennie,  mais le FIRN reste un cas d’espèce qu’il doit à son exigence et à son humanité.

Tous les ans, le festival choisit sa thématique. Cette année, c’est autour du nombre 20, que l’équipe a inventé de nouvelles mises en scène. 20 ans, 20 événements parmi lesquels l’expo Yes Willem à découvrir à la Médiathèque Mitterrand à Sète, 20 jours de festival, et 20 auteurs de nationalités différentes de l’argentine (Carlos Salem) au Nigéria (Leye Adenie) en passant par la Moldavie (Vladimir Lortchenkov) ou le Soudan (Parker Bilal) qui se retrouvent dans la place à partir d’aujourd’hui jusqu’à dimanche.

En numérologie, le nombre 20 est considéré comme le symbole d’une transformation et amène une évolution heureuse. On vous attend donc pour le meilleur à Frontignan, toujours loin des sentiers battus…

 JMDH

Source : La Marseillaise 30/06/2017

Voir aussi : Rubrique Festival  Livre, rubrique  Roman noir, FIRN,

Bacon Nauman, intense présence dans un stupéfiant face-à-face

Francis  Bacon  et Bruce Nauman, un face à face  sidérant au Musée Fabre de Montpellier

Francis Bacon et Bruce Nauman, un face à face sidérant au Musée Fabre de Montpellier

Exposition
A l’occasion des dix ans de la réouverture du musée Fabre et des 40 ans de la création du Centre Pompidou, Montpellier accueille un choc artistique inédit entre Françis Bacon et Bruce Nauman proposé par Cécile Debray en charge des Collections modernes du Centre national d’art parisien. A ne pas manquer à Montpellier du 1 juillet au 5 novembre.

Les œuvres de l’autodidacte irlandais Francis Bacon, marqué à ses débuts par le surréalisme, et celles de l’américain Bruce Nauman, inspirées par le mouvement Dada, dialoguent au Musée Fabre dans un espace parfaitement scénographié pour rendre compte de cette confrontation. Bien qu’issu de générations et de pratiques différentes, ce face-à-face fait sens. L’idée a surgi par hasard dans l’esprit de Cécile Debray alors qu’elle visitait une exposition à New York et s’est soudainement trouvée en présence d’une œuvre de chaque artiste.

« Cette confrontation permet de relire la peinture de Bacon, trop connu au niveau du marché de l’art à travers la vision de richissimes collectionneurs. Cela a pu lui faire perdre de sa radicalité, indique la commissaire qui vient d’être nommée à la direction du musée de l’Orangerie, la rencontre avec Bruce Nauman agit un peu comme une remise à niveau qui redonne à son oeuvre toute sa puissance. »

Force de la véhémence artistique

Bruce Nauman  Sans titre 1970 from studies from holograms. Photos dr

Bruce Nauman Sans titre 1970 from studies from holograms. Photos dr

Cette exposition de stature internationale devrait faire date. L’exercice périlleux pour mener le projet à terme a été conduit avec maîtrise et rigueur. La qualité du choix des œuvres, une soixantaine, issues de différents musées et de collections privées, et le remarquable travail réalisé sur l’interpénétration des expressions, des genres et des époques,  apparaissent comme les facteurs clés de cette réussite.

Francis Bacon était attaché aux références de la tradition picturale pour mieux les subvertir tandis que Nauman s’en débarrasse comme le montre son installation en ouverture du parcours. L’artiste qui s’enduit de peinture devant les caméras procède à une déconstruction de la peinture métaphorique en introduisant l’image visuelle comme médium et le corps comme langage.

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L’exposition démontre comment par des moyens distincts, les deux artistes conçoivent l’art comme une expérience. Bacon fit toujours figure d’indépendant dans la peinture contemporaine. Il a traité de sujets religieux sans aucune soumission à la représentation. Nauman évolue aussi en rupture avec le questionnement artistique de son époque privilégiant l’importance du processus créatif et la volonté artistique.

Le parcours est découpé en cinq sections qui explorent les pistes de dialogue entre les deux œuvres. Au-delà d’une fascination commune pour le corps et ses possibles déformations et transformations, le visiteur est amené à ressentir la force du cadre, voire de la cage, dont usent les deux artistes pour exprimer l’aliénation ou le non-sens de la condition humaine. La confrontation avec l’animalité chez Bacon trouve son pendant chez Nauman dans le goût développé chez l’américain pour l’anthropomorphisme.

De même son intérêt pour la fragmentation du geste – qui aurait pu faire pont avec l’hommage du Festival Montpellier Danse à Cunningham – flirte avec les corps mutilés de Bacon. La piste de la rotation suggérant l’idée de répétition est aussi de circonstance  dans le rapprochement opéré entre les deux artistes.

La confrontation de ces deux parcours  renouvelle en profondeur le regard porté sur ces deux grands artistes du XXe siècle qui chacun à leur manière  questionne la dualité entre nature et culture.

Jean-Marie Dinh

Source La Marseillaise 29/06/2017

Voir aussi :   Rubrique Art, rubrique Exposition, rubrique Montpellier,

Le sens de la cérémonie de Steven Cohen

L’endurance de la résilience de ceux qui combattent les inégalités au festival Montpellier Danse. Photo dr

L’endurance de la résilience de ceux qui combattent les inégalités au festival Montpellier Danse. Photo Pierre Planchenault

Festival Montpellier Danse. put your heart under your feet… and walk/à Elu

Pour la petite histoire, le performer chorégraphe Steven Cohen n’avait pas été programmé en France depuis son apparition, en 2013, sur la place du Trocadéro à Paris, avec le sexe enrubanné, tenu en laisse par un coq.

Rodrigo Garcia et Jean Paul Montanari coproduisent son solo  put your heart under your feet… and walk/à Elu, présenté à Montpellier Danse, les 24 et 26 juin. Un hommage à son compagnon Elu décédé, ou une autre façon de se mettre en marche, sur les traces de son identité pour assumer son destin. Celle d’un « monstre homosexuel juif blanc » vivant dans une société postapartheid où son travail a été déclaré immoral.

La pièce exprime une douleur inexorable. La culpabilité du survivant d’une histoire intime, y croise celle de l’Histoire collective. Composée d’inédites provocations, jamais gratuites, l’oeuvre d’investigations du chorégraphe est empreinte d’une profonde compassion.

Dans put your heart under your feet, le désespoir s’éprouve avec l’exigence de tous les possibles. L’artiste s’enterre vivant, se baigne dans le sang chaud d’un abattoir, ingère des cendres de crémation, dans une économie de mouvements qui se confronte au vide sidéral. Sur la sombre pente de l’abnégation, les rites de perdition muent vers une dimension sacrée, revendiquée comme une approche créative et philosophique plutôt que religieuse et psychologique.

Cohen se saisit des armes de l’art pour faire miroiter la violence, les armes d’un art vital qui balayent l’insignifiance et tisse notre rapport à l’espace et à ses fantômes.

JMDH

Source La Marseillaise 28/06/2017

Voir aussi : Rubrique Danse, Ouverture du Festival Montpellier Danse. 37ème pas dans l’espace danse mondial, Preljocaj  » L’Europe aussi à ses Sorcières de Salem »,  rubrique Festival, rubrique rubrique Montpellier, rubrique Rencontre, Steven Cohen : Un travesti sans fard,

Montpellier Danse. Preljocaj  » L’Europe aussi à ses Sorcières de Salem »

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En ouverture du Festival international Montpellier Danse, le chorégraphe
Angelin Preljocaj présente « Les pièces de New York ». Reprise de deux anciennes créations ayant vu le jour au New York City Ballet où sont nés les premiers signes avant-coureur de la danse moderne.

Pourquoi avoir couplé les deux pièces de New York que vous présentez en ouverture ?
J’ai réalisé ces deux pièces à l’invitation du New York City Ballet à seize ans d’intervalle. Traditionnellement, les soirées mixed-Bill du ballet de New York associent différents chorégraphes comme Balanchine, Robbins, Preljocaj mais rarement deux pièces du même chorégraphe. Ce qui fait que ces deux pièces n’avaient jamais été données ensemble, or je trouve que leur juxtaposition les renforce. Par ailleurs, je désirais apporter à ma propre compagnie une matière issue de leurs génomes. Dans mon travail, je regarde ce qui est devant moi les forces et l’énergie des danseurs me permettent d’écrire, le langage se développe avec la virtuosité en présence. Dans ce cas il y a une forme de transmission.

Créée en 1997, « La Stavaganza » évoque la question de l’émigration au états-Unis, y avez-vous trouvé une forme de résonance avec votre propre parcours ?
L’histoire ressemble en effet à mon expérience d’être humain. J’ai vécu la demande du ballet de New York un peu comme si on demandait à un chorégraphe de la vieille Europe d’activer et de nourrir l’idée de l’échange des cultures lié à l’immigration. L’écriture de cette pièce met en relation une rencontre entre un groupe au style assez balanchinien avec une autre tribu qui semble venir de la vieille Europe. Une confrontation s’opère et paradoxalement les anciens sont porteurs de nouveauté. J’ai travaillé sur les contours chorégraphiques de cet échange. La communication s’établit très progressivement entre les deux groupes avec, en soubassement, une histoire d’amour.

A travers cette approche,  appréhendez-vous les différences historiques existant entre les USA et l’Europe en matière de politiques d’immigration ?
La pièce dans laquelle les deux groupes s’enrichissent évoque ce type de questionnement. Les états-Unis se sont proprement constitués à partir des différentes vagues d’immigration. On peut dire que les States ont l’immigration dans leur ADN ce qui n’est pas tout à fait le cas en Europe. Rocard disait que nous ne pouvions prendre en charge toute la misère du monde mais nous nous devons d’en prendre en charge une partie. On voit actuellement certains pays européens se retrancher dans une fermeture totale. Durant le haut Moyen-âge, l’intégration de ceux qu’on nommait à l’époque les barbares a permis de fonder une nouvelle identité à la vieille Gaule. L’histoire se reproduit mais on oublie la richesse de certains de ses épisodes avant d’arriver à Saint-Louis. Comme on oublie la place sociale occupée par les femmes au Moyen-âge.

Ce qui fait lien avec « Spectral Evidence », la seconde pièce que vous présentez au Festival Montpellier Danse inspirée par le procès des Sorcières de Salem…
Bien que créée postérieurement, Spectral Evidence ouvrira « Les pièces de New York ». Lorsque je suis revenu au ballet en 2013, j’ai continué à m’intéresser à l’histoire des états-Unis dans l’idée de produire une suite à La Stavaganza. J’ai été troublé par ce procès en sorcellerie et notamment par le concept de preuve spectrale instituée comme outil juridique à cette occasion. Les soi-disant sorcières n’étaient autres que des femmes qui trouvaient un surplus de liberté en allant danser dans la forêt. Ce qui n’était pas admissible dans la société puritaine de l’époque, mais pour les condamner il fallait des preuves recevables. D’où l’apparition et la validation des preuves spectrales qui ont permis d’introduire les rêves dans la sphère juridique. Il suffisait ainsi d’accuser une femme en affirmant : dans mon rêve elle est venue dans ma cuisine avec un poulet qu’elle a égorgé sur place avant de répandre le sang de l’animal sur mes enfants, pour constituer une preuve. La preuve spectrale reposait sur de purs fantasmes.

Votre pièce intègre cette notion de liberté des femmes à laquelle on vous sait attaché. Dans ce domaine, comment les états-Unis et l’Europe se distinguent-ils ?
La liberté et le puritanisme ne font pas bon ménage. Il y a bien des manières d’évoquer la liberté qui s’exprime évidemment avec le corps. Le puritanisme considère le corps comme un danger, celui de la sexualité apparaît très présent dans la société américaine. En Europe nous avons aussi nos sorcières de Salem. Tant que nous n’auront pas une totale parité, tant que nous mesurerons des écarts de salaires entre les hommes et les femmes… Moi personnellement, je continue à le faire entendre, y compris dans le milieu de la culture où il reste du chemin à faire.

Le répertoire musical des deux pièces nous fait cheminer de Vivaldi à John Cage…
Pour la Stravaganza, j’use de la musique pour évoquer la dimension temporelle ou intemporelle. Une tribu danse  sur Vivaldi, une autre sur des compositions électroniques en croisant les époques. La gestuelle s’apparente au même processus. Pour Spectral Evidence, moi qui me croyais un spécialiste, j’ai découvert des œuvres vocales de Cage dont je ne soupçonnais pas l’existence. Comme il y avait beaucoup de corrélation avec cette pièce de recherche, j’ai souhaité saisir cette étrangeté avec un jeu autour du style balanchinien.

Comment vos danseurs actuels se sont nourris de ces deux pièces ?
Il y avait un vrai défi à relever pour les danseurs avec ces pièces d’une grande virtuosité. Avec le New York City Ballet, le travail du bas de jambes est proprement saisissant avec l’apport de Jerôme Robbins mais aussi la proximité de Broadway. J’ai voulu transcrire cet aspect sidérant avec la vivacité des  cordes de Vivaldi. Une véritable épreuve pour les danseurs qui ont passé un cap. Cela amène une coloration plus tranchée à la compagnie. C’est un peu comme le procédé de la bouture. On arrive à une hybridation résolument contemporaine.

Recueilli par Jean-Marie Dinh

« Les pièces de New York » samedi à 20h à Montpellier Opéra Berlioz.

Source La Marseillaise 24 juin 2017

Voir aussi : Rubrique Danse, Ouverture du Festival Montpellier Danse. 37ème pas dans l’espace danse mondial, Montpellier danse, rubrique Festival, rubrique Politique, Politique culturelle, rubrique Montpellier, rubrique Rencontre,

Mouvements sur la ville. Sonder la diversité des écritures chorégraphiques

Mouvements sur la ville se propage dans une dizaine de lieux à Montpellier, ici au Théâtre La Vista. Photo dr

Mouvements sur la ville se propage dans une dizaine de lieux à Montpellier, ici au Théâtre La Vista. Photo dr

Danse
Depuis 9 ans Hélène Cathala, Yann Lheureux et Didier Théron, trois chorégraphes et leur équipes ont initié Mouvement sur la ville pour défendre la danse contemporaine. Cette manifestation qui tient lieu de off, programme une vingtaine de spectacles durant le Festival Montpellier Danse, offrant un autre regard sur la création.

Festival des nouveaux territoires chorégraphiques, ce nouveau nom fait sens pour traduire l’essence de Mouvement sur la ville qui tiendra sa 9e édition à Montpellier du 24 juin au 5 juillet prochain. Neuf ans que ça dure, le temps de forger une reconnaissance à ce rendez-vous artistique à l’heure où les acteurs de l’expression chorégraphique semble suivre le même cheminement que les abeilles. La moyenne de diffusion nationale d’une pièce de danse contemporaine est aujourd’hui de 1,5. Et le très petit nombre d’artistes qui tire son épingle du jeux avec des grosses tournées ne masque pas la forêt.

Montpellier et sa région figurent comme un carrefour international reconnu avec la Cité de la Danse, le CCN Ici, et Montpellier Danse, mais cela ne change pas la donne.  Comme si la politique culturelle prestigieuse soutenue dans ce domaine depuis les années 80, n’avait aucun effet d’entraînement sur les créateurs. Dans ce contexte, le soutien de Montpellier Danse, de la Ville de Montpellier, de Réseau en Scène, et de la SACD à Mouvement sur la ville, apparaît autant comme une reconnaissance que comme un aveu d’impuissance face à la crise.

L’art revient aux fondamentaux
Issus d’horizon différents, les trois chorégraphes à l’initiative de ce festival dans le festival se mettent au service des artistes avec une autre relation aux écritures et aux publics. Certains spectacles sont programmés dans les lieux qu’ils occupent sur Montpellier (L’Atelier, L’Espace Bernard Glandier, La salle A3), mais une grande part de la programmation se déroule dans l’espace public. A noter, cette année le théâtre La Vista met son plateau à disposition.

« Notre proposition demande beaucoup d’implication, indique Hélène Cathala. Elle part d’un élan émancipateur, ce qui n’est pas un vain mot concernant la danse et donc le rapport au corps, celui du voisin, de la France, et ceux des corps étrangers qui racontent d’autres façons d’appréhender la vie.» La programmation allie des propositions de danseurs professionnels, d’amateurs et de semi amateurs comme elle croise les origines géographiques régionale, nationale, et internationale.

« Nous répondons à une urgence, souligne Didier Théron, nous l’avons vu cette année à travers l’appel à projet, avec quinze projets retenus sur une centaine de propositions. En discutant avec les chorégraphes on voit bien que les choses se resserrent.» Même constat pour Yann Lheureux : «  Au-delà de nos propres créations, Mouvement sur la ville nous confère une place importante, celle de militant par rapport à cet art. La Danse c’est l’art du lien qui est l’essence même de la danse. Beaucoup de cie sont en souffrance dans cette région. C’est grave, il faut le dire.»

La mission que s’attribue le festival des nouveaux territoires chorégraphiques découle d’un positionnement d’artistes qui, un peu par la force des choses, décident de soutenir l’aventure humaine de la création et de se positionner en tant que programmateurs comme acteurs des politiques culturelles à partir d’un constat simple et juste : « L’institution ne peux représenter toute la danse.» Ce que confirme l’orthodoxie des grandes scènes et qui permet au spectateur d’élargir sa perception.

JMDH

 

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Libéria me, ostinato lancinante une création de et avec Rita Cioffi et la comédienne Stéphanie Marc. La chorégraphe montpelliéraine pose ce spectacle comme un défouloir. Un dévidoir des oppressions quotidiennes et existentielles, une accélération du temps ordinaire, un sentiment d’infini alors que tout est compté, autour de la chute. Les 4 et 5 juillet espace Bernard Glandier.
Pina… why not Naples ? de la chorégraphe Flavia Bucciero. Une performance provenant d’une pensée, d’un rêve, d’un souhait non réalisé?; pourquoi une artiste comme Pina Baush qui a beaucoup travaillé sur les humeurs des villes n’a pas fait de prestation sur Naples ? Le 5 juillet espace Bernard Glandier.
Red Circle Yann Lheureux collabore avec les danseurs coréens de K’Arts Troops sur la symbolique du cercle. La pièce s’éprouve dans la continuité, elle se signe et se signifie d’elle-même. Le 1er juillet sur le parvis du Corum. Entrée libre pour tous les spectacles du festival.

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Source La Marseillaise 02/06/2017

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