Archives de catégorie : Théâtre

Pessoa et les mystères de la création

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15476981Rencontre littéraire. 4ème rendez-vous pour réviser ses classiques à l’occasion de la 30e Comédie du Livre, autour des auteurs ibériques, à Montpellier du 29 au 31 mai. La Marseillaise est partenaire.

Le voyage au cœur des littératures ibériques se poursuit avec les rencontres littéraires initiées par l’association Cœur de livres. Le débat s’est ouvert jeudi 30 avril autour d’un monument de la littérature mondiale Fernando Pessoa, écrivain portugais à l’imagination débridée, ayant écrit sous 72 hétéronymes.

Né en 1888 à Lisbonne, Pessoa a laissé à la postérité près de trente mille pages de textes, touchant à tous les genres (excepté le roman), dont certaines ne paraîtront que plusieurs années après sa disparition en 1935. Cette gloire posthume qui en fait un des précurseurs du modernisme portugais, l’auteur semble l’avoir pressentie : « Chaque nation aura ses grandes œuvres fondamentales et une ou deux anthologies de tout le reste. La compétition entre les morts est plus féroce qu’entre les vivants ; ils sont plus nombreux », souligne-t-il dans son essai Erostrate rédigé vers 1925.

Il n’aura pourtant été que peu publié de son vivant et n’aura signé de son nom que des articles de journaux. L’œuvre de cet écrivain protéiforme se compose de milliers de pages dont les langues s’exercent aussi bien en vers qu’en prose dans un environnement singulier, proche du somnambulisme où s’opère une contamination active du réel par le rêve.

Invention poétique

Sa renommée mondiale il la doit pour beaucoup aux hétéronymes, ces poètes « survenus » en lui-même lors d’une expérience singulière de création qu’il dit avoir vécue le 8 mars 1914 et qu’il a rapportée en détails dans une lettre adressée à son ami Casais Monteiro. Ce « jour triomphal » marque l’entrée en scène de quatre poètes : Alberto Caiero, Alvaro de Campos, Ricardo Reis et Fernando Pessoa lui-même, qui naît « en réaction » à ces « hétéronymes ». Quatre personnalités littéraires aussi différentes les unes des autres que le sont leurs oeuvres respectives. Ainsi, le poète portugais a créé non seulement des poésies mais aussi des poètes.

Rêves lucides

L’enfance de l’auteur sera marquée par la perte de son père à l’âge de cinq ans puis d’un jeune frère et d’une jeune sœur. Après avoir suivi sa mère en Afrique du Sud, en 1905, il part, à l’âge de dix-sept ans, pour Lisbonne où il vivra auprès de sa grand-mère paternelle atteinte de démence à éclipses. Pessoa a souffert de névrose mais il ne faut pas réduire son expérience poétique à un dédoublement de la personnalité. Sa vie a été une quête incessante pour rester lucide.

« Nous avons tous deux vies écrit Alvaro de Campos. La vraie, qui est celle que nous avons rêvée dans notre enfance… La fausse, qui est celle que nous vivons dans le commerce des autres…» En 1913, il entame en la « personne de Bernardo Soares, la rédaction décousue d’un journal intime qu’il poursuivra jusqu’à sa mort. Les textes seront réunis cinquante ans plus tard et publiés sous le titre Le Livre de l’intranquillité. Soares, son auteur, est, au même titre que celle des autres écrivains inventés par Pessoa mais c’est avec lui que la similitude avec le créateur de l’oeuvre est la plus grande…

Des masques de poètes qui cachent une personnalité trouble. Qu’est-ce que ces masques nous révèlent sur l’auteur et sa création ? En quoi les hétéronymes participent-ils d’une « sorte de drame » selon l’expression de Pessoa et font de celui-ci un « dramaturge » comme il le revendique par ailleurs ? La question a été débattue jeudi avec Stanislas Grassian, artiste interprète metteur en scène et auteur de la pièce Mystère Pessoa, mort d’un hétéronyme.

Les réflexions de Pessoa résonnent toujours aujourd’hui et demeurent ultra-contemporaine comme en témoignent ces citations : « La démocratie moderne est une orgie de traîtres. » Ou encore, « La vitesse de nos véhicules a retiré la vitesse à nos âmes. »

JMDH

Source La Marseillaise 30/04/2015

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Théâtre. Un regain de textes contemporains

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Béla Czuppon

Théâtre. La Baignoire ouvre grand les portes aux auteurs dramatiques contemporains du 28 mars au 3 avril.

A Montpellier le lieu des écritures contemporaines La Baignoire ouvre samedi la deuxième édition des Horizons du texte qui donne à entendre et à écouter au quatre coins de la ville la langue des auteurs dramatiques de notre temps. Outre le laboratoire de la Baignoire du 7 rue Brueys, les lectures se tiendront au Centre dramatique national Hth, à la Bulle Bleue, au Théâtre universitaire La Vignette et à la bibliothèque de l’université Paul Valéry jusqu’au 3 avril.

La question du statut du texte dans le théâtre n’a jamais vraiment été stable. Est-t-il un simple support de l’expression scénique, un matériau de la construction dramatique ou une base fondatrice incontournable pour l’art théâtrale ? Aujourd’hui le texte serait une nouvelle fois confronté à la liberté créative des metteurs en scène renforcés par l’arrivée des nouvelles pratiques technologiques et l’hybridation des formes (musique, vidéo…) qui se multiplient sur scène.

A l’initiative des Horizons du texte, Béla Czuppon réaffirme l’importance du texte pivot de la création théâtrale. « Dans la tête des gens, le théâtre correspond à des formes assez figées. Les auteurs évoluent avec la vitesse du monde. La partition des enjeux, la multiplicité des sources d’information se reflètent aujourd’hui dans les écritures contemporaines. Ces évolution appelle d’autres formes de textes à découvrir. Je tiens beaucoup à la position de l’auteur dont les textes sont souvent retravaillés à coups de ciseaux. Un texte signifie la place d’un individu, il traduit son regard sur le monde. Cela ne me dérange pas que l’on fasse des collages à partir du moment où on respecte la cohérence. D’autant que les écritures contemporaines laissent très souvent la place au travail de mise en scène. Ce ne sont pas des textes impérieux.»

Cette nouvelle édition nous offre l’occasion d’ausculter la forme du texte en évolution en passant par le Japon avec L’Abeille de Hideki Noda  ( sam 28 à la Baignoire ) qui aborde le rapport aux médias et à la violence. Autre invité asiatique à découvrir (La Vignette jeudi 2 avril), deux textes singapouriens de Stella Kon et Kuo Pao Kun qui évoque la question de l’identité bien au-delà de la réussite économique apparente.

On pourra aussi écouter du théâtre dialogué et performatif. « Avec les progrès des neurosciences entre autre, les auteurs ont quitté le schéma narratif. Dans L’assassin dispersé, Jean-Marc Lanteri exploite l’éclatement qu’il nous est permis d’accepter et la capacité que nous avons de reconstituer le récit à partir de stimuli.» indique Béla Czuppon qui estime que l’heure est venue de « passer les horizons.»

Jean-Marie Dinh

Source : L’Hérault du Jour 27/03/2015

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Ibsen : Le dramaturge des invisibles sauts de l’âme

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echoes-of-ibsen-promoRencontre littéraire. En partenariat avec L’Hérault du Jour, l’association Cœur de livres poursuit la redécouverte des grands auteurs classiques scandinaves.

Né à Altenburg en 1828, le poète et dramaturge norvégien s’éteindra à Oslo en 1906. Henrik Johan Ibsen grandit dans un foyer que la faillite des affaires paternelles, désunit rapidement. Son père sombre dans l’alcoolisme tandis que sa mère se réfugie dans le mysticisme. Après une jeunesse morose passée à Grimstad, petite ville de province qui forgera son esprit critique, il est apprenti apothicaire. Il connaît des amours malheureuses dont il s’évade pour gagner Christiana où il se consacrera à sa seule passion, le théâtre.

L’année 1848 qui voit la révolution des peuples d’Europe lui inspire le drame historique Catilina. Avec La terre des guerrier (1850) il fait échos au  conflit entre paganisme et christianisme. Ibsen est appelé comme dramaturge au nouveau théâtre de Bergen qui lui permettra de partir en voyage d’étude à Copenhague et en Allemagne. Il prendra par la suite la direction du théâtre norvégien de Christina (1857). L’année suivante, il fait représenter Les guerrier de Helgeland inspirés des sagas islandaises.
Ère contemporaine
Dans La Comédie de l’amour (1862), l’auteur situe pour la première fois son action à l’époque contemporaine en déployant son intrigue autour du conflit entre esthétique et éthique. Avec Les prétendant à la couronne (1863) inspiré de l’ancienne histoire scandinaves, Ibsen aborde l’affrontement de la vocation et du doute incarnés par deux personnages principaux : un portrait de Bjornson, l’engagé auteur des paroles de l’hymne national et Ibsen lui-même en proie à une hésitation perpétuelle. En 1864, muni d’une bourse et d’une somme réunie par son rival et ami Bjornson, Il part pour l’Italie. A part quelques brèves visites il ne reviendra que 27 ans plus tard dans son pays natal. Deux ans après, il écrit ses deux pièces majeures, Brand (1866) et Peter Gynt (1867) : d’un côté le pasteur intransigeant « tout ou rien », de l’autre le petit paysan qui se veut libre de toute responsabilité et recherche toujours une issue en contournant avec cynisme les obstacles. Après Empereur et Galiléen (1873), toutes les pièces d’Ibsen se dérouleront en Norvège et s’attaqueront aux abus de la société contemporaine. Son exigence éthique resurgit et malgré les thèmes sociaux, c’est une morale de l’individu qu’il vise.
Préoccupation sociale
Ibsen contribue à donner à l’art dramatique une puissance nouvelle en dotant le drame bourgeois d’une gravité éthique et d’une profondeur psychologique. « Je ne peux plus me contenter de ce que les gens disent ni de ce qu’il y a dans les livres. Je dois penser par moi-même et tâcher d’y voir clair » dit Nora dans Maison de poupée, avant de prendre la porte en tournant le dos à la mascarade de sa vie conjugale. Les revenants (1881) et Un ennemi du peuple (1882) confirment l’affirmation de la technique dramatique d’Ibsen. Sa méthode analytique ou rétrospective fait tourner l’intrigue autour d’un passé successivement dévoilé. Dans Le Canard sauvage (1884), le passé devient un poids impossible à rejeter. Solness le constructeur ne sait plus habiter sa maison neuve comme sa vie et va répondre à la jeunesse qui frappe à sa porte.
Les trois dernières pièces – Le Petit Eyolf, Johan Gabriel Borkman et Quand nous nous éveillerons d’entre les morts (1899) sous titré épilogue dramatique – ont une parenté profonde : elles traitent de ce que fut pour Ibsen le péché mortel, la renonciation à la vie et à l’amour.

JMDH

 Eloi Recoing
eloi_recoingEloi Recoing, metteur en scène, dramaturge et traducteur des oeuvres d’Henrik Ibsen sera présent ce soir à 19h salle Pétrarque (entrée libre) pour évoquer l’oeuvre et la carrière de l’auteur norvégien. Maître de conférences à l’Institut d’Etudes Théâtrales à l’Université Sorbonne Nouvelle-Paris 3, intervenant auprès de plusieurs écoles supérieures du théâtre (CNSAD, ENSATT, TNS…), Eloi Recoing est également directeur artistique et pédagogique du Théâtre aux Mains nues à dans le 20e à Paris. Il a été nommé le 7 mars dernier à la direction de l’Institut International de la Marionnette de Charleville-Mézières par Aurélie Filippetti, ministre de la Culture et de la Communication et prendra ses nouvelles fonctions au mois de juin 2014.

Source : La Marseillaise : 15/05/2014

Télécharcher la brochure de présentation Ibsen

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Une mouette juste ou juste une mouette

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La-Mouette-c-Srinath-Samarasinghe-Marion-Le-Meut

Les personnages de La Mouette dans leur quête improbable. Photo dr

Théâtre des 13 Vents. Christian Benedetti nous plonge dans l’univers tchekhovien avec La Mouette et Oncle Vania.

 Christian Benedetti met en scène La Mouette d’Anton Tchekhov ce soir au Théâtre des Treize Vents et enchaîne à partir de samedi avec Oncle Vania.  A propos de La Mouette, on peut penser que Tchekhov règle à travers le personnage de Trigorine quelques comptes avec le théâtre réaliste de son temps. Celui-ci souhaite montrer le réel sans médiation.

Benedetti fait de même. Il cite la sociologue Marie-José Mondzain : « C’est la barbarie qui menace un monde sans spectateur ». La place du spectateur qui fut un enjeu pour l’auteur l’est aussi pour le metteur en scène. « Il y a un combat à mener avec le théâtre et l’acte de création contre ce qui assigne, capture fige…L’institution culturelle, par exemple, définit le rôle de chacun : ceux qui regardent et subissent, devant ceux qui imposent et qui font, dans une nécessaire hiérarchie du sens qui laisse l’expert dominer le jeu des images offertes aux spectateurs silencieux. »

La traduction de Markowicz restitue parfaitement le bouillonnement de l’oeuvre. L’intention de Benedetti, qui a eu Vitez comme professeur, est de « prendre en charge pleinement la nécessité » et « le questionnement » posés par le texte de Tchekhov en l’occurrence l’interrogation face à la mort que le metteur en scène reformule ainsi : « Pourquoi on ne sait pas pourquoi on va mourir ? »

On le ressent sur la scène chaque fois que le récit fait place au silence où lorsqu’un coup de feu retentit près du lac ou dans la campagne que l’on s’imagine sinistrement verte. Le hors scène est exploité de manière judicieuse.

Sans décor, tout est dans le rythme et dans l’engagement total des comédiens. L’ironie qui se dégage s’appuie sur la force et la sincérité de chaque personnage. On rapporte que la troupe qui a joué pour la première fois la pièce en 1896 au Théâtre Alexandra a été déconcertée par  les traits parodiques à l’œuvre dans la pièce. Cela semble toujours d’actualité.

JMDH

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Théâtre La Vignette. Petit Eyolf : la vie après la disparition

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J CHATEL. Renaud Bessaih

Théâtre La Vignette. Petit Eyolf d’Ibsen mis en scène par Jonathan Châtel.

Voilà, il n’y a rien qui puisse nous faire rire où nous divertir avec ce Petit Eyolf. Comme souvent chez Ibsen, il est question de l’individualité en quête d’idéal dans un environnement à bout de souffle.

Ici, il s’agit d’un couple que l’auteur norvégien dépouille de tous les petits arrangements facilitant la vie commune. Alfred philosophe, laisse en chantier l’ouvrage de sa vie sur la responsabilité pour s’occuper de son fils handicapé au désespoir de sa femme Rita jalouse et possessive. Mais Eyolf se noie les yeux grands ouverts dans les eaux froides du Fjord.

Dans ce drame familial, il y a aussi Asta, la demi-soeur d’Alfred avec qui il entretient une relation quasi incestueuse. L’approche de Jonathan Châtel fait disparaître Eyolf mais insuffle de la jeunesse et du doute dans les zones troubles du nihilisme qui s’instaure. Le jeune metteur en scène travaille sur le naturel, les impulsions, la relation entre les êtres et la perception qu’a chacun de sa propre réalité. Que pèse l’hypocrisie sociale face à cette lutte individuelle ?

Châtel a retraduit le texte pour s’imprégner de la langue du drame. Il creuse le travail avec les acteurs pour saisir l’émotion en situation. Ibsen n’exclut pas totalement la fuite, Asta cède à cet appel en toute conscience. Mais pour le couple déchiré, c’est l’honnêteté qui doit s’imposer devant la mort. Ce qui compte, ce sont les restes,  ce  en quoi on croit encore, ce qui rend la vie digne d’être vécue.

JMDH

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