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Un demi-siècle d’or et d’amour de la peinture

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Impressionnisme et audaces du XIXe siècle: Une expo à voir et revoir jusqu’au 27 octobre au Musée Paul Valéry de Sète

Corot "La méditation"

Corot « La méditation »

Peinture. Impressionnisme et audaces du XIXe siècle le musée Paul Valéry de Sète présente 70 chefs d’oeuvre de Monet, Renoir, Degas, Pissaro, Bonnard… issus de la collection David et Ezra Nahmad.

Perché sur le Mont Saint Clair, le musée Paul Valery surplombe le cimetière marin où les âmes sétoises reposent devant la mer scintillante. L’ambiance paisible de cet endroit prête à s’échapper de la cohue festive de l’été. L’expo Impressionnisme et audaces du XIXe siècle, présentée jusqu’au 27 octobre au Musée Paul Valery donne une raison de plus de quitter le sable pour y trouver un refuge bien inspiré.

Après le Musée des beaux arts de Zurich qui proposait il y a peu une centaine de tableaux du XXe siècle et l’exposition Picasso qui se tient actuellement à Monaco, le musée de Sète présente en exclusivité 70 chefs-d’oeuvres de la Collection David et Ezra Nahmad, une des trois plus importantes collections de peinture mondiale. Ces oeuvres qui ont circulé séparément dans les plus grands musées sont pour la première fois rassemblées en France pour proposer une vision d’ensemble de la seconde partie du XIXe siècle. A travers le choix des oeuvre exposées, la commissaire générale Maïthé Vallès Bled a cherché à traduire la cohérence de la collection des trois frères Nahmad, Joe, David et Ezra en soulignant aussi leur sens de l’anticipation. Outre la beauté somptueuse des oeuvres, l’intérêt de l’expo est d’y découvrir de nombreux tableaux charnières qui annoncent ou participent à de nouveaux courants picturaux. Ce que confirme le propos de David Nahmad dans le beau catalogue de l’exposition quand il soutient l’idée que la réalité de l’art ne relève pas d’un goût personnel mais qu’elle s’inscrit dans l’Histoire. Un propos que révèle bien la première salle de l’exposition consacrée à l’école de Barbizon.

Au début du XIXe, les critères artistiques académiques considéraient l’observation sensible de la nature comme inférieure à l’expérience intellectuelle. Des artistes comme Corot, Millet, ou Courbet, qui consacre les deux tiers de son oeuvre au paysage, apportent une contribution majeure à l’Histoire avec un retour en force à la nature. La vision contemplative de Corot anticipe l’impressionnisme. Le panneau A l’Etretat, femme et enfant au bord de la mer (1865) illustre son esprit d’harmonie dans les couleurs comme dans la forme, l’enfant semble affairé à modeler la matière spirituelle terrestre avec laquelle il se confond.

On décèle la technique de la touche divisée chez les pré-impressionnistes représentés dans le parcours par six oeuvres couvrant vingt six années de création du peintre Boudin (1824-1898) dont la puissante toile Deauville, le rivage par gros temps, 1890, démontre sa capacité à saisir l’atmosphère. La place donnée au ciel et l’obsession de la lumière éphémère ne sont pas sans rappeler son contemporain britannique Turner.

La section impressionniste comprend deux Monet réalisées à plus de trente ans d’intervalle qui donnent idée de l’évolution du travail de l’artiste. Le Canotier à Argenteuil, 1874 surprend par la simplicité de la scène, tandis que le Le palais ducal vu de st Georges Majeur réalisé en 1908, semble se perdre dans un mirage qui fait appel à une gamme colorée d’une grande fraîcheur. Parmi les amis de Monet, on croise Sisley, bien représenté avec six toiles dont Le maronnier à St Mammès, où l’artiste use de sa maîtrise de la couleur pour capter toutes les subtilités de la lumière ce qui donne à la toile une aura magique.

Renoir La Liseuse 1877

Renoir La Liseuse 1877

La riche section Renoir mérite à elle seule le déplacement avec neuf tableaux du maître dont l’envoûtante Liseuse, 1877 ou la dubitative Femme au coin du poêle, 1912. On succombe également au charme de Pissaro et à son sens de la composition,  à la modernité de Degas avant d’aborder l’école de Pont-Aven avec Serusier et Bernard. Le retour au sacré cher aux Nabis s’opère avec six oeuvres majeures de Bonnard, La Vierge de st Gonery de Maurice Denis et la peinture naïve du Douanier Rousseau.

Lautrec, Signac et Loiseau occupent le volet Post-impressionisme, tandis que Moreau et Redon concluent le parcours dans un univers mystérieux et mystique. « Pour aimer il faut comprendre» explique le collectionneur David Namad. Cette exposition qui parcourt un demi siècle d’histoire permet de saisir les passages ouverts par les plus grands maîtres de la peinture.

Jean-Marie Dinh

Source : La Marseillaise août 2013

Voir aussi : Rubrique Exposition,

Corot, La méditation, 1840-1845. Renoir la liseuse, 1877 photo dr

De Gauguin aux Nabis : Le renouveau artistique du primitivisme au symbolisme

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Maurice Denis, Adam et Eve, Huile sur toile 1924

 

Le Musée Fleury de Lodève présente jusqu’au 14 novembre une exposition dédiée à l’invention de l’art moderne. De Gauguin aux Nabis offre un riche aperçu de la force et la variété d’expression d’un mouvement de fin de siècle.

L’exposition estivale du Musée de Lodève « De Gauguin aux Nabis » marque une volonté de continuité dans la programmation exigeante du Musée Fleury. Elle a pourtant été montée en un temps record en partenariat avec le Musée-Jardin Maurice Denis de Saint-Germain–en-Laye. Le droit de tout oser, qui tient lieu de sous titre à cette invitation plastique, correspond on ne peut mieux à l’esprit des artistes qui se déploient dans le cadre de ce parcours. On y retrouve les œuvres de Gauguin, Bonnard, Bernard, Denis, Ranson, le cercle s’élargit à Vuillard, Roussel, Rippl-Ronaï, Verkade, Valotton, Lacombe, Maillol, Lautrec et Sérusier.

Dans la dernière décennie du XIXe, après les Impressionnistes, ces jeunes artistes partagent la même volonté de rompre avec l’académisme. Sur un peu plus d’une dizaine d’années, la force et la variété de leur expression sont à l’origine de nouvelles esthétiques et de nouveaux principes picturaux qui ouvrent le champ à un art nouveau. Les Nabis (de l’hébreu Nebiim,  » prophète « ,  » inspiré de Dieu « ) toutes obédiences confondues, s’attachaient à retrouver le caractère sacré de la peinture. Leur travail se caractérisait, entre autres, par l’utilisation de grands aplats de couleurs et la suppression de la perspective.

Maurice Denis le théoricien

L’exposition d’une grande densité rassemble 179 œuvres dont une centaine provient du musée Maurice Denis. L’artiste, dont on apprécie la richesse de l’œuvre à travers un parcours thématique qui part des premières années Nabis au Symbolisme en passant par le Japonisme et les arts décoratifs, est considéré comme une tête pensante du mouvement. Alors que Gambetta a annoncé l’arrivée des « Nouvelles couches », et que les élites bourgeoises de la troisième République n’en finissent plus de trouver des prétextes de rituels commémoratifs, Maurice Denis, le théoricien du mouvement Nabi, joue la rupture avec le cercle magique de la piété que les élites se vouent à elles-mêmes. En 1890, il dénonce :  » Les bons appareils infaillibles de rigoureuses exactitudes, qu’on a voulu fabriquer dans les académies.  »

Gauguin « le barbare » primitiviste

 

Gauguin Idôle à la Perle

Paul Gauguin : L'idole à la Perle, bronze non daté

Gauguin souffre lui aussi de la perte d’intensité du sentiment dans la civilisation européenne. Une civilisation dont il s’échappe à plusieurs reprises à la recherche d’une vie primitive. On connaît son expérimentation picturale à travers la capture des couleurs de l’Océanie. L’expo de Lodève met en lumière la puissance spirituelle du peintre voyageur avec une série de sculptures aux formes frustres mais à la présence intense. On reste en admiration devant l’idole à la perle et sa tête de lion sage. Dans les îles, l’artiste travaille la taille directe sur bois et reprend ses sculptures plus tard en bronze ou en céramique. Dès 1886 Gauguin séjourne régulièrement à Pont Aven, en Bretagne. Il y rencontre Emile Bernard qui a travaillé à Paris avec Lautrec, Van Gogh et Anquetin avec qui il partage l’esprit de rupture, la simplification des formes et des contours. Il aimait être considéré comme un barbare.

Au-delà de Denis et Gauguin, l’exposition du Musée Fleury donne un aperçu de la richesse et de la diversité d’une production éclatée partageant la volonté d’une certaine mise à distance, comme l’exprime la toile de Paul Ranson Regard vers l’avenir où l’on croise le visage effrayé d’une femme à son balcon entre la jungle angoissante des arbres et la ville qui prend l’apparence d’une forteresse.

On mesure de manière diffuse comment l’art se fait vecteur de contestation de la République bourgeoise. C’est une période passionnante, concomitante avec l’apparition de nouvelles forces politiques : anarchisme, socialisme, nationalisme. Une période où peinture et littérature entretiennent un dialogue croisé. La dimension pédagogique de l’exposition explorera cet aspect. Le parcours consacre un espace à la présentation de manuscrits, de livres illustrés et revus anciennes qui témoignent de la correspondance entre les Nabis et Verlaine, Mallarmé, Gide, Jarry ou encore comment ils sont entrés dans l’aventure du théâtre d’avant-garde. Un moment étonnant de l’histoire artistique où la création importait plus que le résultat.

Jean-Marie Dinh

De Gauguin aux Nabis, Musée de Lodève jusqu’au 14 novembre 2010.

Le peintre de la grâce intimiste à Lodève

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Jour d'hiver

L’œuvre du Français Pierre Bonnard est visible jusqu’au 1er novembre au Musée de Lodève, qui consacre une exposition à ce peintre de l’intérieur intitulée Bonnard guetteur sensible du quotidien. « A partir de tableaux provenant de plusieurs musées et collections particulières, j’ai voulu livrer l’ensemble des sujets traités par Bonnard, explique le commissaire général Maïthé Vallès-Bled. Les paysages, natures mortes, personnages, et bouquets présentés dans l’exposition offrent un regard d’ensemble sur l’itinéraire singulier de cet artiste dont le travail est une célébration ininterrompue de la peinture. »

Esthétique Nabis

Issu d’une famille aisée de la bourgeoisie, le jeune Bonnard se destine à la carrière administrative avant d’être happé par la peinture. Bonnard est rapidement converti par Serusier, le catalyseur du mouvement Nabis qui se débarrasse des contraintes imitatives avec Gauguin pour s’engager sur les voies de la modernité. Les Nabis émergent en 1888, constitués d’un groupe d’individualités disparates dont Bonnard, Vuillard, Verkade, Serusier…. Adeptes des saveurs et de la sensation primitive, ils souhaitent retrouver les sources pures de l’art en s’échappant du modelage et de la perspective enseigné depuis le XVIe italien. Leur théoricien  Maurice Denis, est l’auteur de la phrase connue : « Le tableau avant d’être un cheval de bataille, une femme nue ou une quelconque anecdote, est essentiellement une surface plane recouverte de couleurs et un certain ordre assemblé. »

Miroirs complexes

Cette idée que la peinture est une interprétation de la nature, par le choix et la synthèse opérés par l’artiste, est un fil conducteur dans l’œuvre de Bonnard même si celui-ci s’éloigne du mouvement Nabis au début du XXe siècle. L’artiste participe au mouvement qui tente de lever les barrières entre art décoratif et la peinture de chevalet. C’est un contemporain du peintre tchèque Mucha que l’on peut découvrir actuellement au Musée Fabre de Montpellier. Dans la deuxième partie de son œuvre, Bonnard réintroduit la perspective et la profondeur à travers un système de reflets et de miroirs complexes plein d’ingéniosité. La totalité de son œuvre est empreinte d’une grande élégance.

Pierre Bonnard : Jour d’Hiver, 1905, Musée Calvet, Avignon

DR

« Il ne s’agit pas de peindre la vie, il s’agit de rendre la peinture vivante… »

En trompant la torpeur de l’été ou en prolongeant la féerie des couleurs d’automne, les amateurs de peinture trouveront refuge au Musée Fleury pour découvrir le parcours d’un peintre (1867-1947) sensitif et sensoriel.

Nu aux babouches rouges

Nu aux babouches rouges

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

La visite de l’exposition qui rassemble près de soixante-dix- œuvres se ponctue de citations de l’artiste qui donnent des clés sur l’état d’esprit du peintre. « Il ne s’agit pas de peindre la vie, il s’agit de rendre vivante la peinture » lit-on sur l’un des murs. Bonnard semble parfois saisir les personnages de son entourage en tant que sujets, pour les confronter à sa recherche picturale. Ici, sa grand- mère s’incruste comme le temps dans son intérieur, face à la cage du serin témoignant du regard patient de l’artiste. Là, les vignerons autour du pressoir semblent écrasés par le lourd labeur de la journée. Le bas de leur corps a déjà disparu dans la masse boueuse (Le Pressoir 1893).

Le visiteur découvre plusieurs représentations de Marthe, la femme de l’artiste qui fut durant toute sa vie un sujet de prédilection et d’inspiration infini. On la voit (Nu couché au bras levé 1898), se lovant dans l’écume des draps du lit, le corps en suspension et l’expression du ravissement enfantin inscrit sur le visage. On la retrouve parmi les couleurs surgissant de son jardin. Dans des scènes intérieures (Femme nu à la lampes, 1900) où la peinture s’empare de son corps par les jeux de lumière. Une lumière qui introduit la couleur avec l’aplat sur la poitrine et saisit l’espace dans une dimension presque religieuse. Une lumière qui dévore la verticalité tandis que l’expression de contentement sur le visage reste dans l’ombre, et s’efface dans la tapisserie. Plusieurs tableaux rendent compte de l’intimité féminine dans le décor aquatique si cher à Bonnard que peut être la salle de bain. D’autres scènes d’intérieur évoquent les rêverie de la vie et notamment le regard sur ce qui se passe dehors.

Dans la première partie de l’exposition, les quelques toiles présentant des aspects de la vie de Paris, démontre l’intérêt que l’artiste portait à la décoration. Le peintre saisissait les scènes dans l’immédiateté, notant dans son agenda le temps météorologique pour retrouver la gamme chromatique. Il restituait ces instants de vie à travers un travail de mémoire, mettant en œuvre le souvenir revu et corrigé par les pensées qui le traversaient. Cette mise à distance lui permettait de laisser libre court à la liberté, la fantaisie, la mélancolie et la grande subtilité qui caractérise son œuvre.

Peintre sensualiste Bonnard s’est abandonné aux certitudes fugitives. Mais il est aussi un peintre verlainien soumis au subtilité de la lumière.

Jean-Marie Dinh

Voir aussi : Rubrique Livre, rubrique Littérature française, rubrique Exposition, De Gauguin au Nabis,