Festival 100% : Agitateurs responsables

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Yves Bommenel, alias Bobie, pose le cadre de la manifestation au Baloard. Photo Rédouane Anfoussi

C’est un grand rendez-vous de la saison d’automne. Né les pieds dans le rock rebelle, le festival 100% ne les a pas gardés dans le même sabot mais la fibre militante ne s’est pas perdue en route. Au sous-sol du Baloard, lors de la présentation de l’événement, l’ineffable Yves Bommenel, alias Bobie, pose le cadre de la manifestation.  » Le festival est organisé par l’association La Méridionale des Spectacles, un collectif dont je ne suis que la tête de gondole. Pour la programmation, nous avons composé un comité de réflexion artistique dont la diversité des représentants et la richesse de leur expérience spécifique s’est avérée très nourrissante. « 

Une affirmation à prendre au sens propre dimanche 8 novembre à la MPT Voltaire, où le jeune chef Xavier Valnet propose un brunch gastronomique pour tous. C’est promis, il n’y aura pas de cheveux dans la soupe. On pourra le constater avec l’installation musicale pour batterie de cuisine qui transforme nos ustensiles en objets sonores du 8 au 14 novembre au Kawenga. Au même endroit, les 14 et 15 novembre, se tiendra un atelier proposant une écoute instrumentalisée par le corps. Expérience proposée par Lynn Pook et Julien Clauss, qui donneront un concert audio-tactile à la Chapelle Gély du 11 au 14 novembre.

Ce festival à tendance identitaire affirmée est bien plus qu’une série de concerts à la chaîne. L’édition 2009 intègre résolument les formes musicales innovantes. On pourra voir et entendre les machines de Pierre Bastien du 05 au 14 novembre à la chapelle de la Miséricorde, écouter les subtilités de la pop song de Fredo Viola et basculer sur les compositions de Soap&Skin au Trioletto samedi 7. A noter le retour de Dominique A à Montpellier pour un concert au Rockstore le 12 novembre. Le groupe d’Afro beat Fanga sera au Jam le 05 et les Montgomery, qui s’attaquent à Mad Max en version ciné concert, à la Maison des étudiants le 6 novembre.

Le Festival 100% affirme une identité à travers le regard qu’il porte sur son temps. On est au cœur de la culture urbaine, du  » Do it yourself « , de l’art populaire où le citoyen trouve sa place. La structure multifacette du festival épouse les contours des courants qu’elle défend. Produisant un travail intéressant sur les formes musicales innovantes, elle intègre aussi les problèmes du terrain, des professionnels, des semi professionnels et des amateurs et se répartit dans l’espace en annexant une pluralité de lieux sur la ville.

Cette évolution d’une culture et de son discours critique est aussi celle d’une génération dont l’actuel adjoint à la culture Michaël Delafosse n’est pas éloigné. Un aspect qui n’est pas étranger à la tutelle prégnante de la Ville, qui devient, cette année, le premier partenaire financier du festival. N’entendons pas par là que la programmation se plie à un quelconque académisme. Le terme d’agitateur responsable convient mieux. D’ailleurs l’outil fédérateur ne prévaut pas sur les différents styles artistiques concernés.

Jean-Marie Dinh

 Rens : www.festival100pour100.com

 
 
 
 
 

 

De Byzance à Istanbul, Un port pour deux continents

Exposition dans les Galeries nationales du Grand Palais du 10 octobre 2009 au 25 janvier 2010.
expo-byzanceByzance, devenue Constantinople puis Istanbul, est depuis sa fondation un lieu de croisements et un point de rencontre des cultures. Sa situation géographique en fait un carrefour continental autant que maritime, comme le confirment les fouilles entreprises en 2004 lors du creusement du tunnel sous-marin du futur métro. Chronologique, l’exposition décrira les différentes phases de l’histoire de la Ville.

L’exposition rassemble environ trois cents objets des collections publiques turques, françaises et internationales. En Epilogue, une place privilégiée sera réservée au port de Théodose récemment découvert sur le site de Yenikapi, au centre d’Istanbul, future station du métro qui reliera les rives européenne et asiatique du Bosphore.


Cette exposition est organisée par la Réunion des musées nationaux et IKSV (Fondation d’Istanbul pour la culture et les arts) dans le cadre de la Saison de la Turquie en France (juillet 2009 – mars 2010).
Ouvert tous les jours, sauf le mardi, de 10h à 22h. Fermeture le jeudi à 20h. Plein tarif : 12€  – Tarif réduit : 9€
Voir aussi : Rubrique Politique visite du président Turc

Les habits de mémoire

Michel Aguilera à la Galerie Saint-Ravy. Photo David Maugendre.

Séparée des os, la peau peut paraître belle. Comme les photos de vêtements que Michel Aguilera expose sur fond blanc à la galerie Saint-Ravy. A l’approche de cette petite veste scolaire que l’on observe en tant qu’objet plastique, la dimension esthétique se transforme à la lecture de la légende :  » Tatsuya, 14 ans, collégien en 2e année, se trouvait dans la cour de l’école lorsque la bombe explosa. Brûlé sur tout le corps, il tenta désespérément de fuir par la route démolie, mais s’effondra à mi-chemin de Kusatsu où se trouvait sa maison. « 

Il y a deux ans le photographe s’est rendu au Musée de la Paix d’Hiroshima pour y photographier les trente vêtements que l’on peut découvrir à Montpellier jusqu’au 4 octobre.  » Ces pièces proviennent des familles des victimes qui les donnent au musée avec le souhait que la mémoire soit transmise, explique Michel Aguilera. Le musée conserve 19 000 objets irradiés dont 250 vêtements. Au début les familles les gardaient. C’était souvent le seul souvenir qu’elles avaient de leurs proches car dans la majorité des cas, on a retrouvé le vêtement mais pas le corps. « 

Le photographe avait déjà initié une démarche en photographiant des vêtements récupérés dans les décharges. Il franchit un cap avec ce travail en passant d’une mise en scène relevant de la fiction à un travail qui anime le questionnement artistique et moral.

Jean-Marie Dinh

Exposition organisée dans le cadre de Hiroshima Station à l’occasion de la création théâtrale de Julien Bouffier Hiroshima mon Amour

Voir aussi : Rubrique actualité locale exposition La nuit de cristal

Rythmes et nouvelles partitions

pierrette-bloch venezzia biennial photo DR

Elle est discrète et entière, faite de concentration et de détente comme son œuvre. Elle a dû en entendre des remarques ringardissimes sur son travail. Elle ne dit presque rien comme si sa clairvoyance était supérieure. Elle sourit, écoute. On la sent présente. L’œil et l’esprit sont vifs. A 81 ans, Pierrette Bloch demeure très accessible. Sa matérialité rudimentaire touche à la métaphysique. « Je dois avoir un tempérament de fauve », confie-t-elle. Depuis cinquante ans qu’elle pratique, elle sait qu’on ne ponctue pas un caractère en déposant une goutte d’encre au hasard. D’ailleurs, rien ou presque n’est dû au hasard dans son travail. L’artiste joue sur le mouvement, les distances, le rythme, la capacité d’absorption du papier, la variation infinie de la coloration… « Je travaille par plaisir », résume-t-elle. L’organisation rigoureuse des aléas constitue son monde fait de vide et de plein. Pierrette joue avec le temps. « Je n’ai jamais fait un travail de rupture. C’est une continuité. »

Au Musée Fabre, face à ses lignes de papier (2001/2003) dont certaines s’étendent jusqu’à douze mètres, elle se souvient : « Il y a eu un changement dans mon travail quand j’ai compris que je pouvais continuer, traverser mon atelier. » Les fusains griffés sur isorel (2009) que l’on découvre pour la première fois dans l’exposition, renvoient une pensée forte. « L’absorption de l’encre laisse ses traces », commente-t-elle sobrement.

« Ce travail du presque rien, de l’ordre du chuchotement, oblige le spectateur à une remise en cause radicale de son mode de perception du temps et de l’espace » écrit le directeur du Musée Fabre Michel Hilaire. Il a raison. A propos du Travail de l’herbe, l’une de ses œuvres réalisée en 1995, une critique d’art interroge : « Quand Lucrèce, dans le De natura rerum, raconte les origines de la terre, il situe l’herbe avant toute autre création… ». « C’est très bien » répond l’artiste.


Pierrette Bloch jusqu’au 26 septembre 2009 au Musée Fabre.

Le peintre de la grâce intimiste à Lodève

Jour d'hiver

L’œuvre du Français Pierre Bonnard est visible jusqu’au 1er novembre au Musée de Lodève, qui consacre une exposition à ce peintre de l’intérieur intitulée Bonnard guetteur sensible du quotidien. « A partir de tableaux provenant de plusieurs musées et collections particulières, j’ai voulu livrer l’ensemble des sujets traités par Bonnard, explique le commissaire général Maïthé Vallès-Bled. Les paysages, natures mortes, personnages, et bouquets présentés dans l’exposition offrent un regard d’ensemble sur l’itinéraire singulier de cet artiste dont le travail est une célébration ininterrompue de la peinture. »

Esthétique Nabis

Issu d’une famille aisée de la bourgeoisie, le jeune Bonnard se destine à la carrière administrative avant d’être happé par la peinture. Bonnard est rapidement converti par Serusier, le catalyseur du mouvement Nabis qui se débarrasse des contraintes imitatives avec Gauguin pour s’engager sur les voies de la modernité. Les Nabis émergent en 1888, constitués d’un groupe d’individualités disparates dont Bonnard, Vuillard, Verkade, Serusier…. Adeptes des saveurs et de la sensation primitive, ils souhaitent retrouver les sources pures de l’art en s’échappant du modelage et de la perspective enseigné depuis le XVIe italien. Leur théoricien  Maurice Denis, est l’auteur de la phrase connue : « Le tableau avant d’être un cheval de bataille, une femme nue ou une quelconque anecdote, est essentiellement une surface plane recouverte de couleurs et un certain ordre assemblé. »

Miroirs complexes

Cette idée que la peinture est une interprétation de la nature, par le choix et la synthèse opérés par l’artiste, est un fil conducteur dans l’œuvre de Bonnard même si celui-ci s’éloigne du mouvement Nabis au début du XXe siècle. L’artiste participe au mouvement qui tente de lever les barrières entre art décoratif et la peinture de chevalet. C’est un contemporain du peintre tchèque Mucha que l’on peut découvrir actuellement au Musée Fabre de Montpellier. Dans la deuxième partie de son œuvre, Bonnard réintroduit la perspective et la profondeur à travers un système de reflets et de miroirs complexes plein d’ingéniosité. La totalité de son œuvre est empreinte d’une grande élégance.

Pierre Bonnard : Jour d’Hiver, 1905, Musée Calvet, Avignon

DR

« Il ne s’agit pas de peindre la vie, il s’agit de rendre la peinture vivante… »

En trompant la torpeur de l’été ou en prolongeant la féerie des couleurs d’automne, les amateurs de peinture trouveront refuge au Musée Fleury pour découvrir le parcours d’un peintre (1867-1947) sensitif et sensoriel.

Nu aux babouches rouges

Nu aux babouches rouges

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

La visite de l’exposition qui rassemble près de soixante-dix- œuvres se ponctue de citations de l’artiste qui donnent des clés sur l’état d’esprit du peintre. « Il ne s’agit pas de peindre la vie, il s’agit de rendre vivante la peinture » lit-on sur l’un des murs. Bonnard semble parfois saisir les personnages de son entourage en tant que sujets, pour les confronter à sa recherche picturale. Ici, sa grand- mère s’incruste comme le temps dans son intérieur, face à la cage du serin témoignant du regard patient de l’artiste. Là, les vignerons autour du pressoir semblent écrasés par le lourd labeur de la journée. Le bas de leur corps a déjà disparu dans la masse boueuse (Le Pressoir 1893).

Le visiteur découvre plusieurs représentations de Marthe, la femme de l’artiste qui fut durant toute sa vie un sujet de prédilection et d’inspiration infini. On la voit (Nu couché au bras levé 1898), se lovant dans l’écume des draps du lit, le corps en suspension et l’expression du ravissement enfantin inscrit sur le visage. On la retrouve parmi les couleurs surgissant de son jardin. Dans des scènes intérieures (Femme nu à la lampes, 1900) où la peinture s’empare de son corps par les jeux de lumière. Une lumière qui introduit la couleur avec l’aplat sur la poitrine et saisit l’espace dans une dimension presque religieuse. Une lumière qui dévore la verticalité tandis que l’expression de contentement sur le visage reste dans l’ombre, et s’efface dans la tapisserie. Plusieurs tableaux rendent compte de l’intimité féminine dans le décor aquatique si cher à Bonnard que peut être la salle de bain. D’autres scènes d’intérieur évoquent les rêverie de la vie et notamment le regard sur ce qui se passe dehors.

Dans la première partie de l’exposition, les quelques toiles présentant des aspects de la vie de Paris, démontre l’intérêt que l’artiste portait à la décoration. Le peintre saisissait les scènes dans l’immédiateté, notant dans son agenda le temps météorologique pour retrouver la gamme chromatique. Il restituait ces instants de vie à travers un travail de mémoire, mettant en œuvre le souvenir revu et corrigé par les pensées qui le traversaient. Cette mise à distance lui permettait de laisser libre court à la liberté, la fantaisie, la mélancolie et la grande subtilité qui caractérise son œuvre.

Peintre sensualiste Bonnard s’est abandonné aux certitudes fugitives. Mais il est aussi un peintre verlainien soumis au subtilité de la lumière.

Jean-Marie Dinh

Voir aussi : Rubrique Livre, rubrique Littérature française, rubrique Exposition, De Gauguin au Nabis,