Pacific 231 de Arthur Honegger

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Vie artistique sous l’occupation

Si Pacifique 231 est composée entre les deux guerre (1923) j’ai choisit d’évoquer le contexte de la vie artistique sous l’occupation parce que cette période et intéressante. Elle touche et stimule le compositeur et concerne aussi mon travail sur Jean Anouilh.

Hormis quelques intellectuels, qui prennent les armes tous les acteurs du champ culturel traverse une période spéciale entre 1940 et 1944 parce que la France souffre, de l’oppression nazie, parce qu’il y a la censure du gouvernement de Vichy et aussi, qu’une partie du public portait l’uniforme allemand.

L’auteur Guégan qui à examiner l’attitude des artistes sous l’Occupation – parle d’une zone de liberté dans laquelle s’engouffrent les créateurs comme le public, car elle entretient une forme de respect de soi. La culture serait une forme de résistance qui aura contribué à la libération des esprits et du pays. » dit-il.

Les nazis laissent se développer à Paris une vie artistique, alors qu’à Berlin ils brûlent les livres et l’art dégénéré.

Certain livre interdit sont diffusés clandestinement comme Le Silence de la mer de Vercors, et le poème Liberté de Eluard. Dans la peinture, Matisse s’est retiré à Nice, Picasso se mouille peu. Les artistes et intellectuels juifs connaissent un sort dramatique. On spolie les juifs de leur collections d’art.

Bio résumée

Né de parents zurichois, Honegger acheva sa formation à Paris. Il est marqué par une éducation protestante et est très attaché au renouveau de la musique classique. Il a beaucoup composé car il désirais illustrer à travers sa musique les transformations de la société.

Honegger écrit pour le théâtre, la radio et le cinéma aussi bien que pour la salle de concert : ballets, chansons, concertos, musique de chambre, musiques de films, opéras, oratorios, symphonies.

 

En 1921, il connaît le succès avec le Roi David. Son œuvre la plus célèbre, créée en 1923, est Pacific 231, premier de trois mouvements symphoniques et dédiée à la locomotive à vapeur du même nom. Il existe deux autres mouvements qui sont liés à Pacific 231 et qui s’intitulent Rugby et Mouvement symphonique no 3.

Durant la guerre, Honegger refuse de quitter Paris, et réagit à la dégradation de la situation internationale en écrivant et composant, ses mouvements évoquent la mort, le deuil, puis la libération. C’est pendant cette période qu’il vie notamment de commandes pour musique de film.

Il a fréquenté Paul Claudel, Paul Valéry (écrivains), Jean Cocteau, Pablo Picasso (peinture), Louis Jouvet (théâtre), Abel Gance (Cinéma) et certains lui ont fourni des sujets pour ses œuvres.

 

Entre classicisme et modernité

Porté par la volonté de renouveau qui caractérise le monde de la musique à son époque, Honegger n’abandonne pas pour autant les compositeurs classique qui l’ont inspirés.

Le compositeur voue un culte à Bach (1685-1750) et à Beethoven(1770-1827), cultivant volontiers les grandes formes classiques, son écriture, d’un lyrisme vigoureux et tend vers un dramatisme (qu’on retrouve particulièrement dans ses oratorios comme Jeanne au Bûcher).

Le succès est immédiat et se renouvelle notamment parce que le compositeur s’efforce d’être accessible à l’homme de la rue en intéressant aussi le musicien.

« Il me parais indispensable, pour aller de l’avant, d’être solidement attaché à ce qui nous précède. Il ne faut pas rompre le lien de la tradition musicale. Une branche séparée du tronc meurt vite » répondra t-il à Cocteau qui lui reprochait son attachement à la tradition.

Il est en même temps très influencé par Igor Stravinsky l’un des compositeurs les plus influents dans la modernité musicale du XXe siècle

 

L’artiste adhèrera au Groupe des Six*( Georges Auric, Louis Durey, Darius Milhaud, Francis Poulenc et Germaine Tailleferre), un groupement de musiciens aux styles divers. Parrainée par Jean Cocteau et Erik Satie, elle prôna un retour à la musique légère, simple ou même comique. Le choix esthétiques du groupe des six reflétaient le désir de sortir du wagnérisme et de l’impressionnisme de Debussy.

Plus généralement, cet après-guerre est l’époque du rejet, dans l’art et la littérature, de certains styles trop raffiné ou luxuriants, en usage jusque-là. Dans ces Années folles, la simplicité, parfois proche de l’art populaire ou du cabaret, s’impose facilement, parallèlement à l’apparition du surréalisme (mouvement au cinéma, en littérature et arts plastique exemple Dali qui critique la bourgeoisie).

Très indépendant, Honegger reste étranger aux principes du mouvement et ennemi de tout système aussi bien de Schoenberg de toute autre école comme la musique sérielle (langage musicale qui révolutionne l’écriture 12 sons).

Le style de Honegger

 

Arthur Honegger est un compositeur qui, paraît difficile à cerner à cause de la diversité de son œuvre. Il utilise tous les registres, du quatuor à cordes à l’opéra, et respectant autant les acquis du passé que les apports de ses contemporains. Toute sa vie, il a été marqué par des compositeurs allemands (Beethoven, Bach) mais aussi français (Debussy), ce qui contribue à situer son œuvre en marge des courants musicaux. Si l’on peut lui attribuer un style personnel, il n’est en revanche d’aucune école estimant les systèmes de classification trop stricts en musique.

Il est à la recherche d’une musique authentique, capable de porter un message et veut se renouveler à chaque œuvre, il a exploré différents genres et techniques en s’intéressant tout autant à l’harmonie de Debussy, à la rythmique de Stravinsky, à la forme beethovenienne, aux innovations de Schönberg et même à la musique électronique.

La diversité de la musique d’Honegger reflète sa volonté de faire de la musique un moyen d’expression à démarche humaniste. L’apparente simplicité de certains passages de sa musique doit être examinée dans le sens de l’objectivité.

Il cherche à émouvoir, avec des œuvres religieuses, ce qui explique le succès de Jeanne d’Arc au bûcher entre autres. Il a aidé les compositeurs des générations suivantes tels qu’Olivier Messiaen.

 

Un goût pour le cinéma

En 1923, Arthur Honegger compose ses premières partitions pour le cinéma. Il signe la musique de La roue d’Abel Gance puis Napoléon.

Honegger cherche à traduire les impressions que lui procurent le film.

Il écrit la bande originale de 37 films, dont Crime et châtiment (1935), après sa mort Jean-Luc Godard utilise ses partitions pour Détective (1984) et Maurice Pialat pour Van Gogh (1991).

 

Pacific 231

 

La partition fut composée en 1923 et créée à Paris en 1924.

Circonstances de composition et de diffusion :

L’œuvre a longtemps été la plus célèbre de Honegger. Le titre fait allusion à une locomotive à vapeur, la « Pacific » qui fit la renommée des chemins de fer français.

A propos de ce poème symphonique* en un mouvement, Honegger déclare :

« J’ai toujours aimé passionnément les locomotives ; pour moi, ce sont des êtres vivants Je n’ai pas cherché l’imitation des bruits de la locomotive, mais la traduction d’une impression visuelle et physique. La construction musicale part de la contemplation objective : respiration de la machine au repos, l’effort du démarrage, l’accroissement progressif de la vitesse pour aboutir à l’état lyrique, au train de 300 tonnes lancé en pleine nuit à 120 à l’heure… J’ai voulu donner le sentiment d’une accélération mathématique du rythme, tandis que le mouvement lui-même se ralentit ».

Pacific 231 est une œuvre très personnelle mais la fascination pour les machines et la mécanique se propageait dans les arts, la musique et le cinéma. En 1922 sortit le film dAbel Gance, La Roue, qui est à l’origine du projet Pacific 231.

La technologie prise comme contenu de l’œuvre rappelle les conceptions développées par les Futuristes italiens,(L’Art des Bruits, 1913)*, auxquels les usines, les trains, les avions et les machines modernes servirent de modèles .

L’ambition de transposer artistiquement l’ère des machines résonna d’un large écho. Ainsi la musique mécaniste fut-elle valorisée, à une certaine période, en concordance avec la glorification de l’industrialisation et Honegger connu un commun succès dans les deux blocs de la guerre Froide.

 

Analyse de l’œuvre

L’orchestre symphonique utilisé par Honegger est important en taille.

Honegger résume son style

« Mes préoccupations générales sont restées les mêmes que celles qui présidèrent à la composition de toutes mes œuvres symphoniques :

  • Rigueur de la forme
  • Recherche de thèmes suffisamment claires pour attirer l’attention de l’auditeur et lui permettre de suivre le développement de l’histoire
  • « Si cette œuvre exprime ou fait ressentir des émotions, c’est qu’elles se sont présentées tout naturellement, puisque je n’exprime ma pensée qu’en musique, et peut-être sans en être absolument conscient. »

 Sapho Dinh

Source : Exposé Mai 2013

FILM Jen Mitry Arthur Honegger

 Voir aussi : Rubrique Histoire, Dossier, rubrique Musique, Art, Cinéma,

Musée de Lodève Gleizes et Metzinger.Culture et curiosité sur l’échiquier du cubisme

Jean Metzinger, Femme nue à la lettre, 1946

Jean Metzinger, Femme nue à la lettre, 1946

Modernité. Gleizes – Metzinger du cubisme et après  : L’exposition d’été du Musée de Lodève est consacrée à deux figures marquantes du cubisme restées dans l’ombre de Picasso et Braque.

A Lodève, dans l’arrière pays héraultais on peut tromper pour quelques heures l’idéal moderne de la culture bling bling en poussant la porte du musée municipal qui propose une lecture approfondie des idées et des oeuvres de Gleizes et Metzinger autour du cubisme.

A propos du cubisme, on cite généralement le duo formé par Braque et Picasso et on élargit parfois les représentants de ce courant à un trio en y adjoignant Juan Gris, quand on ne se contente pas d’évoquer Les demoiselles d’Avignon pour solde de tout compte. Cette oeuvre de 1907, symbolise certes une rupture stylistique et conceptuelle sans précédent et pourrait suffire à exhiber ses connaissances en la matière.

L’intérêt de l’exposition du Musée Fleury est justement d’aller plus loin en soulignant à travers un parallèle entre les oeuvres d’Albert Gleizes et Jean Metzinger connus pour leur opuscule de 1912, Du Cubisme*, la variété des courants qui sont intervenus dans l’émergence du cubisme. Que l’on se rassure, l’expo qui se compose de trois parties, ne se limite pas à la connaissance circulaire des théories contenues dans cet ouvrage.

Le parcours didactique réunit 80 tableaux et dessins. Dans un espace un peu trop restreint, le cubisme s’expose sous tous les angles. La première partie de l’exposition présente un choix d’oeuvres de Gleizes et de Metzinger réalisées avant 1911, avant que les artistes ne basculent dans le cubisme. Gleize décompose les formes, optant pour un style massif et sombre (L’écluse de Suresnes, 1908) tandis que les toiles néo-impressionnistes de Metzinger font appel à une palette lumineuse, les touches de peintures révélant des paysages vivants et oniriques (Paysage Bleu, 1906,1907).

Albert Gleizes, Femmes assises devant une fenêtre, 1914, huile sur carton, 70 x 104.5 cm. Collection privée Solange Landau New York © photo maison de vente Aguttes

Albert Gleizes, Femmes assises devant une fenêtre, 1914.

A la faveur d’une suite d’innovations liées à la vie moderne qui se succèdent à partir de la seconde moitié du XIXème siècle, le monde de l’art se transforme. L’école de Barbizon et de Courbet, l’usage nouveau des couleurs introduit par les Impressionnistes, le synthétisme de Gauguin et de l’Ecole de Pont-Aven et les audaces obstinées de Cézanne sont autant de révolutions à l’origine d’une nouvelle sensibilité collective qui permettra l’avènement du Cubisme.

Entre 1907 et 1914, ce mouvement bouleverse la notion de représentation. Des peintres comme Léger, Delaunay, Gris, Duchamp-Villon, Gleizes, Metzinger et d’autres s’émancipent de leur modèle. Le mouvement touche simultanément la littérature (Apollinaire, Reverdy…), la musique (Stravinsky, Schoenberg…), et le cinéma (Fernand Léger…). Le groupe de Puteaux animé par les frères Duchamp, fréquenté par Kupka, Léger et Picabia se réunit pour jouer aux échecs et débattre de théories mathématiques.

La seconde section de l’exposition en constitue le coeur. Elle rend compte de la diversité du mouvement cubiste. En complément des créations de Gleizes et Metzinger sont exposés les oeuvres de la Section d’Or, trois célèbres expositions dont la mythique Section d’or de 1912. Ces expositions montées à l’initiative des artistes voulaient rendre compte d’une esthétique commune avec des variantes singulières. La modernité d’un Léopold Sauvage (L’oiseau, 1915), ou la maîtrise du triangle d’un Jacques Villon (L’homme au canotier, 1913) en sont de remarquables exemples. La dernière section montre les trajectoires esthétiques différentes prises par chacun des deux artistes après 1914.

La rencontre entre Gleizes et Metzinger s’est faite autour du cubisme en 1910 et culmine avec le traité de 1912. La première et la troisième sections de l’exposition maintiennent cette rencontre sur des passerelles un peu bancales mais l’idée de parallèle ouvre des possibilités.

Si l’exposition de Lodève ne présente pas d’oeuvre majeure, son grand mérite est de nous renvoyer à la naissance du modernisme et à la grande diversité des appropriations. Le cubisme révolutionne l’ordre de l’art figuratif et insuffle une nouvelle conscience dans toute pratique de relation avec le réel.

Jean-Marie Dinh

*Premier livre jamais édité sur le mouvement cubiste.

Fernand Léger Le ballet mécanique

Léger Le ballet mécanique

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Visible dans le cadre de l’exposition, le film expérimental de Fernand Léger donne une idée de l’éclectisme du cubisme. Réalisé en 1924 « Le Ballet mécanique » date de l’époque où les architectes ont parlé de la civilisation machiniste. « L’erreur de la peinture c’est le sujet, l’erreur du cinéma c’est le scénario » dira Léger qui figure comme le premier artiste à réaliser un film sans scénario. « I l y a dans cette époque un nouveau réalisme que j’ai personnellement utilisé dans mes tableaux et dans ce film. Ce film est surtout la preuve que les machines et les fragments, que les objets usuels fabriqués sont possibles et plastiques (…) Des successions d’images rythmées,c’est tout (…). Nous insistons jusqu’à ce que l’oeil et l’esprit du spectateur ne l’acceptent plus. Nous épuisons sa valeur spectacle jusqu’au moment où il devient insupportable. Créer le rythme des objets communs dans l’espace et le temps , (…)  les présenter dans leur beauté plastique »…

Gleizes – Metzinger du cubisme et après à Lodève jusqu’au 3 novembre.

Source : La Marseillaise 07/08/2013

Voir aussi : Rubrique Expositions, rubrique Art,

Parcours dans l’oeuvre forte et minimale de Jiri Kylian

Mémoires d’Oubliettes s’inscrit dans une immédiateté émotivement palpable. Photo AFP

Les deux pauses s’imposent entre les trois pièces de Jiri Kylian présentées au Corum dans le cadre de Montpellier Danse. Elles marquent le passage d’un univers à un autre. L’ensemble se présente comme un fastueux hommage au chorégraphe tchèque Jiri Kylian et au 50 ans du  Nederlands Dans Theater dont il a pris la direction en 1975.

Pour Whereabouts Unknown (1993) et Symphonie de Psaumes (1978), il est toujours question de briser les frontières entre danse contemporaine et danse classique, bien que les deux pièces qui figurent dans le répertoire du ballet, se distinguent face à l’usure du temps. A la source de Whereabouts Unknown, l’aura des danses et rythmes aborigènes d’Australie et des rituels d’Afrique qui inspirent l’intention de Jiri Kylian, peine à nous transporter. L’écriture chorégraphique demeure intense, mais elle n’irrigue qu’assez faiblement le corps des danseurs de son encre. Une belle scénographie ne fait pas tout. Le premier tableau prometteur ne tient pas la distance et l’énergie de la troupe entre assez vite dans un confort démonstratif. Les portés sont techniquement sans reproche mais trop mécaniques. Si bien que par moments, les bustes rigides des danseurs masculins semblent employés à des manœuvres de voiries.

Mémoires d’oubliettes

La conception de la danse change radicalement avec Mémoires d’oubliettes. Outre que cette création*, s’avère d’une singulière beauté, la pièce s’inscrit dans une immédiateté émotivement palpable. Faite de ruptures et de transitions, ce travail permet de mesurer le chemin parcouru par le chorégraphe. On retrouve sa capacité à saisir la force invisible de son temps, en l’occurrence du notre. Le groupe n’a d’uni que l’apparence et les duos segmentés disent comment les rapports entre les genres ont muté. Le décor imaginé par Kylian et réalisé par Yoko Seyama bascule d'une dimension d’équilibre ying yang vers un mode in off. La frontière entre scène et hors scène se brouille, ouvrant  l'espace à une péridanse. Le chorégraphe joue et souligne la disparition du sens symbolique au profit du sens pratique et consumériste. Les corps semblent à la merci d’impulsions électriques alternatives qui peuvent, à chaque instant se déconnecter des normes de la propreté sociale.

C’est par la plus ancienne des trois pièces proposées que se conclut le spectacle avec la Symphonie de Psaumes créée en 1978 sur la composition de Stravinsky. On revient ici dans la disposition du ballet moderne, mais le créateur s’est déjà avancé sur les chemins d’une anticipation créative qui apparaît à rebours. Les déplacements symétriques explorent l’infinité de combinaisons révélant la maîtrise du chorégraphe qui se saisit avec inspiration de tout l’espace du rectangle. Ce qui se dessine avec précision pour les groupes ne l’est pas moins au sein des couples. Dans le duo final apparaît  l’écriture du mouvement segmenté qui évoque une durée non encore conçue.

Une soirée qui ne laisse pas sur sa faim, à la mesure du grand chorégraphe Jiri Kylian. L’un des acteurs majeurs de la danse du XXe siècle, démontre qu’il est toujours possible d’écrire l’histoire de demain.

Jean-Marie Dinh

* une création coproduite par Montpellier Danse avec plusieurs capitales européennes.

Voir aussi : Rubrique Danse festival 2010  Cunningham, Akram Khan ,